12 March 2024

[FR]
Agathe Brahami Ferron (née en 1992) travaille à Antony en banlieue parisienne, et est diplômée des Beaux Arts de Paris depuis 2016. La céramique est au coeur de sa pratique artistique : elle s’est notamment faite connaître pour ses personnages émaillés grandeur nature. Elle remporte en 2018 le premier prix de la 12e Biennale de la Jeune Création de la Graineterie, centre d’art de la ville de Houilles (78), qui lui offre l’opportunité de présenter un solo show en ses murs (Woolloomooloo Bay), en 2019. Plus récemment, on a pu voir son travail à la Biennale de Paname 2023, à Saint-Ouen. Ses céramiques – personnages de plain-pied, bustes, totems, joignent la poésie à l’absurde, et explorent la tension entre socialisation et individualisation, ce processus de différenciation indispensable à la construction d’un regard extérieur et éventuellement critique. Agathe Brahami Ferron puise son inspiration esthétique dans le travail de Martin Parr, Ulrich Seidl, Yann Lagarde… Très attachée à la dimension technique et à la mise en valeur de l’art de la céramique, elle s’appuie également sur les travaux de Roland Barthes, Eva Illouz ou Jean Didier Urbain, pour documenter sa pratique. Elle dénonce, non sans humour, une société de consommation qui glorifie l’importance accordée à soi-même, le culte du bien-être personnel et la valorisation du concept d’esprit sain dans un corps sain.

[ENG]
Agathe Brahami Ferron (b. 1992) works in the Paris suburb of Antony, and graduated from the Beaux Arts de Paris in 2016. Ceramics are at the heart of her artistic practice: she has made a name for herself in particular for her life-size enamelled figures. In 2018, she won first prize at the 12th Biennale de la Jeune Création de la Graineterie, the art center of the town of Houilles (78), which offered her the opportunity to present a solo show within its walls (Woolloomooloo Bay), in 2019. More recently, his work was featured at the Biennale de Paname 2023, in Saint-Ouen. Her ceramics – single-storey figures, busts and totems – combine the poetic with the absurd, and explore the tension between socialization and individualization, the process of differentiation essential to the construction of an external and possibly critical gaze. Agathe Brahami Ferron draws her aesthetic inspiration from the work of Martin Parr, Ulrich Seidl, Yann Lagarde… Very attached to the technical dimension and to the enhancement of the art of ceramics, she also relies on the works of Roland Barthes, Eva Illouz or Jean Didier Urbain, to document her practice. Not without a sense of humor, she denounces a consumer society that glorifies self-importance, the cult of personal well-being and the concept of a healthy mind in a healthy body.

AWARDS & RESIDENCIES
2022
Lauréat du Prix Terre-Plein, Centre culturel de Pierrefitte-sur-Seine (93)

2018
1er Prix de la 12e Biennale de la Jeune Création, Centre d’art municipal La Graineterie, Houilles (78)

SHOWS

2024
Fondation François Schneider, Wattwiller (68) – ‘Aqua Terra‘ – Group show, commissariat : Sarah Guilain
Galerie LJ, Paris – ‘Here&Now‘ – Group show
Ceramic, Bruxelles – Représentée par la Galerie du Passage

2023
Festival des 4 Saisons, Liège (Belgique) – ‘Belgica’ – Solo show
Biennale de Paname #4, Pavillon de l’Arsenal, Paris – Group show
Biennale de Paname #4, Serre Wangari, Saint-Ouen (93) – Group show
Palacio dos duques de Cadaval, Evora (Portugal) – ‘Obrigado à Terra‘ – Group show, commissariat : Pierre Passebon
Galerie Bessaud, Paris – ‘La Terre est bleue comme une orange’ – Group show
Backslash, Paris – ‘Family & Friends II’ – Group show

2022
Dijon Art Fair, Dijon – Représentée par les éditions Untitled

2021
Galerie Sabine Bayasli, Paris – ‘La résilience des tigres’ – Solo show
Galerie Suzanne Tarasiève, Paris – ‘TheOgre.net’ – Group show

2020
Galerie LJ, Paris – ‘980 Degrés’ – Group show

2019
Galerie Lefebvre & Fils, Paris – ‘Clay Born’ – Group show
Centre d’art municipal La Graineterie, Houilles (78) – ‘Wolloomooloo Bay’ – Solo show
Centre d’art municipal La Graineterie, Houilles (78) – ‘Rémanences’ – Group show
Galeristes, Paris – Représentée par la Galerie Provost-Hacker
Galerie Sabine Bayasli, Paris – ‘Garde à vue’ – Group show
Galerie Provost-Hacker, Lille – ‘Tout doit disparaître’ – Group show
Galerie La Peau de l’Ours, Bruxelles – ‘Sex on the Beach, Stirred not Shaken’ – Group show

2018
Galerie Antonine Catzéflis, Paris – ‘Marina Le Gall & Agathe Brahami Ferron’ – 2-person show
CRAC, Champigny sur Marne (94) – 16e Biennale d’art contemporain
Galerie La Peau de l’Ours, Bruxelles – ‘L’anniversaire’ – Group show
École Nationale Supérieure des Beaux Arts de Paris, Paris – ’10 ans’ – Group show

2017
PAD, Paris – Représentée par la Galerie Antonine Catzéflis

2016
Galerie Antonine Catzéflis, Paris – ‘Céramiques’ – Group show
Palais des expositions des Beaux-Arts, Paris – ‘Extra Naturel’ – Group show de l’atelier Marc Dion

PRESS & PUBLICATIONS

Beaux Arts Magazine, “Galerie LJ: Here & Now“, février 2024
Point de Vue, “Les soulèvements de la terre. Au palais des ducs de Cadaval, à Evora”, juin 2023
La Revue de la Céramique et du Verre, “Les profils sociaux vus par Agathe Brahami-Ferron”, n°226, juin 2019
Beaux Arts Magazine, “Tout sculptés, tout bronzés“, avril 2019
Modern Art, “Portraits”, n°2, 2019
Henri Guette, Catalogue de l’exposition Wooloomooloo Bay, Villes de Houilles, 2019
1-epok Formidable – La Revue, “Entretien avec Juliette Gauthron”, n°2, 2018

14 January 2013

[FR]
Née en 1977 à Racine, Wisconsin, USA. Vit et travaille à Charlottesville, Virginie, USA. Allyson Mellberg dessine des personnages déformés quoique ludiques qui exhibent fièrement leurs anomalies sur ses dessins, peintures, sérigraphies et eaux-fortes. Elle se revendique comme une artiste éco-responsable qui utilise seulement des matériaux non-toxiques et souvent de fabrication artisanale, comme le brou de noix, la tempera à l’oeuf, et le papier. Dans ses dessins la nature reprend possession de l’Homme, dans un style “post-Louise Bourgeois/Kiki Smith pré-futuriste néo-biologique”. Inspirée également par les nouvelles de science-fiction des années 30, notamment l’oeuvre de Stanley Weinbaum, qu’elle réinterprète comme une métaphore sur la difficulté de gérer la maladie et l’anxiété chroniques. Personnellement touchée par des problèmes de maladies dans son entourage proche, Allyson explore les notions de guérison et de spiritualité, particulièrement avec l’invention de rituels personnels et de communion avec la nature, plutôt qu’une spiritualité organisée par la religion. Notamment les coquillages (comme les berniques), les oursins, les champignons ou le corail, que l’on retrouve souvent dans son travail, représentent pour l’artiste la tranquillité et la méditation. Ses personnages la capacité de se camoufler et de devenir en retour observateur de la nature. Ce sentiment mitigé, du confort d’être caché et de l’inconfort de la suffocation, se développe en parallèle de l’intérêt qu’Allyson voue également au beau par opposition au grotesque.

Allyson Mellberg est diplômée du Milwaukee Institute of Art and Design et de l’Université de Caroline du Nord à Chapel Hill (2004). Elle enseigne les arts appliqués à la James Madison University de Harrisonburg, en Virginie.

[ENG]
Born in 1977 in Racine, Wisconsin, USA, Allyson Mellberg lives and works in Charlottesville, Virginia, USA. The artist draws distorted yet playful characters who proudly display their anomalies in her drawings, paintings, silkscreens and etchings. She claims to be an eco-responsible artist who uses only non-toxic and often homemade materials such as walnut stain, egg tempera, and paper. In her drawings, nature takes possession of Man, in a “post-Louise Bourgeois/Kiki Smith pre-futurist neo-biological” style. She is also inspired by the science fiction short stories of the 30’s, notably the work of Stanley Weinbaum, which she reinterprets as a metaphor for the difficulty of managing chronic illness and anxiety. Personally affected by illnesses in her immediate circle, Allyson explores notions of healing and spirituality, particularly with the invention of personal rituals and communion with nature, rather than a spirituality organized by religion. In particular, shells (such as barnacles), sea urchins, mushrooms or coral, which are often found in her work, represent tranquility and meditation for the artist. Her characters have the ability to camouflage themselves and in turn become observers of nature. This mixed feeling, of the comfort of being hidden and the discomfort of suffocation, develops alongside Allyson’s interest in the beautiful as opposed to the grotesque.

Allyson Mellberg is a graduate of the Milwaukee Institute of Art and Design and the University of North Carolina at Chapel Hill (2004). She teaches applied art at James Madison University in Harrisonburg, Virginia.

COLLECTIONS

Fogg Museum, Harvard University, Cambridge, MA
Collection Antoine de Galbert, Paris, France
Sloan Art Library, Special Collections, University of North Carolina, Chapel Hill
University of Washington State, Special Collections
Milwaukee Art Museum, Milwaukee, WI. Prints and Drawings Room
Baltimore Art Museum Library, Baltimore, MD

SELECTED SHOWS

2024
Art Athina, Athens – Represented by Galerie LJ
September Gallery, Kinderhook (NY) – ‘Under the Pale Moonlight’ – Group show

2020
DDESSIN, Paris – Represented by Galerie LJ

2019
Art on Paper, New York – Represented by Cinders Gallery

2018
Outsider Art Fair, Paris – Represented by  Galerie LJ

2015
Galerie LJ, Paris – ‘The Planet of Doubt’ – Solo show
Association for Visual Arts, Chattanooga – ‘Spirit moves’ – 2-person show

2014
Drawing Now, Paris – Represented by  Galerie LJ
Kaufhaus Jandorf – ‘The Pictoplasma Portrait Gallery’ – Group show

2013
The Wall at In : Surgo ! Berlin – ‘Dirty Fingers – Print Exhibition’ – Group show

2012
Galerie LJ, Paris – ‘Endogenous’ – Solo show
Galerie LJ, Paris – ‘Quarante par trente’ – Group show

2011
Galerie LJ, Paris – ‘Allyson Mellberg : The Lotus Eaters’ – Solo show

2010
Cinders Gallery, Brooklyn (NY) – ‘An Unearthly Child’ – Solo show
Museo de la Ciudad de Mexico, Mexico – ‘Draw’ – Group show
Galerie LJ, Paris – ‘Pen To Paper’ – Group show curated by Pictoplasma
Concrete Hermit, London – ‘Pen To Paper’ – Group show curated by Pictoplasma
ArtSPACE, Berlin – ‘Pen To Paper Berlin’ – Group show curated by Pictoplasma
Sawhill Gallery, Harrisonburg (VA) – ‘James Madison University Faculty Show’ – Group show

2009
Visual Arts Center, Portsmouth (VA) – ‘Marks On Paper’ – Solo show
Cinders Gallery, Brooklyn – ‘The End Is Like The Beginning’ – Group show
Waiting Room Gallery, Tokyo – ‘Spirit Assembly’ – Group show
CAPC, Bordeaux – ‘Les Grandes Traversées, Festival d’art contemporain’ – Group show
Haus der Kulturen der Welt, Berlin – ‘Pictopia’ – Group show curated by Pictoplasma
Sawhill Gallery, James Madison University, Harrisonburg (VA) – ‘Faculty Exhibition’ – Group show

2008
Cinders Gallery, Brooklyn – ‘Do Little’ – Solo show
Art Aqua, Miami – Represented by Cinders GallerPrinted Matter, New York – ‘New York Art Book Fair’ – Group show
Stolen Space, London – ‘Draw’ – Group show
Stencil Nation Budget Gallery, San Francisco – ‘Needles and Pens, 5th Anniversary Show’ – Group show

2007
Cinders Gallery, Brooklyn – ‘Handplant’ – Solo show
Third Drawer Down, Victoria, Australia – ‘Paper Swords’ – Group show
Milwaukee Art Museum, Milwaukee (US) – ‘The Third Degree of Francis Bacon’ – Group show

2006
Lump Gallery, Raleigh (US) – ‘Coral Teef’ – Solo show
UVA Off Grounds Gallery, Newcomb Hall Gallery, and Bayly Art Museum, Charlottesville (US) – ‘New Works’ – Solo show

2005
Cinders Gallery, Brooklyn – ‘Nohomebody’ – Solo show
DCAC Gallery, Washington DC – ‘New Breed, Team Lump’ – Exposition collective
Needles and Pens, San Francisco – ‘Potato + Sweat’ – Group show
Southern Graphics Council Print Portfolio Show, Washington DC – ‘Domestic Policy’ – Group show
Old Dominion University Gallery, Norfolk (US) – ‘Row Boats Home’ – Group show

2004
Konschthaus BEIM ENGEL, Luxembourg – ‘Deux, La Collecte Press Papier’ – Group show
En Tangsogade 4 Udstilling, Denmark – ‘Deux, La Collecte Press Papier’ – Group show
Galerie Gravura Brasileira, Sao Paolo – ‘Deux, La Collecte Press Papier’ – Group show
Ackland Art Museum, Chapel Hill (US) – ‘New Currents in Contemporary Art’ – MFA Thesis group show

2003
The Rose Museum, Boston – ‘Bad Touch #5’ – Group show
Alcott Gallery, Chapel Hill (US) – ‘Engaged’ – MFA group show

2002
Garfield Artworks Gallery, Pittsburgh – ‘Ghosts’ – Solo show
Atomix, Chicago – ‘New Works’ – Solo show

2001
Remington-May Workshop Gallery, Racine (US) – ‘Home Sanctuaries’ – Group show
UWM Golda Meir Library, Milwaukee (US) – ‘Badwater Book Club Invitational Show’ – Group show

2000
Beans and Barley, Milwaukee (US) – ‘Monsters’ – Solo show
Milwaukee Institute of Art and Design, Milwaukee – ‘Recent Graduate Work In Printmaking’ – Group show
Woman Made Gallery, Chicago – ‘Hermark’ – Group show

PRESSE

Articles & publications : 

2011
A Nous Paris, “Allyson Mellberg : The Lotus Eater”, S. Desprez, 11/04/11
Stiletto, “Allyson Mellberg”, R. de Lucovich, mars 2011
Clark, “Allyson Mellberg”, G. Masson, mars 2011
Redux, “Allyson Mellberg”, E. Lameignère, printemps 2011
Paris Capitale, “Allyson Mellberg”, JM Dubois, mars 2011
Madame Figaro, “Le dessin, c’est now et c’est chic!”, S. de Vivies, 24/03/11

2010
Juxtapoz, “Allyson Mellberg”, K. Farr, septembre 2010
L Denicke, P. Thaler, Pen to Paper, Pictoplasma Publishing, Berlin, 2010, p.15-23

2009
Dark Arts, Featured Artist, Saelee Oh, Gingko Press, ISBN: 1584233613
Numero A zine, Doz Fuerzas Publishing Company, Buenos Aires, Argentina

2008
Colouring Outside the Lines, Featured Artist, London, UK
Showpaper, Featured Artist, janvier, New York, NY
Third Drawer Down, Limited Edition Textile, Victoria, Australia
Greening Your Studio: An Artist’s Guide to Non-toxic and Ecologically Sound Art Materials, Co-Auteur Jeremy Taylor,

2007
I, Me, and Mine: The New Avant Garde in Williamsburg, NY Press review for “Handplant” exhibition
Yen Magazine, Australia, Featured Artist with Jeremy Taylor, février

2006
Iris Magazine, Featured Artist, printemps

2005
BUST Magazine, automne
Venus Magazine, printemps
Local Tea, couverture, printemps

2004
Coloring Book, Branch Gallery Publication, Edition of 100.
Mollusk Rap, Artist Book Drawing Collaboration, Salt Tooth Press, Edition of 40.
Schritte Ins Offene, Featured Illustrator, Suisse
The Drama Magazine, #3
Hot + Cold Zine Volume #9
Repellent Magazine Issue #3, “Heraldic Pomp”
La Collecte International, Press Papier, ISBN 2-921635-43-7

2003
CD cover/booklet and all promotional materials for Rainer Maria “Long Knives Drawn” LP and “Ears Ring” EP, Polyvinyl Records “Ears Ring” music video illustrations for Rainer Maria featured on MTV2. and “Anyone Who Loves You Already Knows” DVD Polyvinyl Records

12 January 2013

[FR]
Ben Tolman (né en 1980) vivait à Washington DC jusqu’en 2019 : il a fondé une communauté d’artistes à Pittsburg (Pennsylvanie) où il vit désormais – le Fiasco Art Center. Diplômé du Corcoran College of Art And Design en 2005, il a été finaliste du prix de portrait Outwin Boochever au Smithsonian National Portrait Gallery à Washing- ton en 2009.
Tolman crée des dessins à l’encre dont la densité dépeint des scènes de la vie urbaine réparties sur plusieurs niveaux. Il débute chacun de ses dessins avec un rudiment de concept spatial, par exemple un bidonville, un gratte-ciel industriel, ou une allée. Avec la précision d’un architecte et les principes d’illusions artistiques de Maurits E. Escher, il construit des scènes à multi-étages, telles des vignettes de scénario, entre pure fantaisie et observation attentive d’expériences vécues.
Les pièces de ce puzzle peuvent paraître tantôt réalistes, tantôt complètement incongrues. Dans ces paysages urbains composés d’un large variété de constructions, souvent en ruines et tagguées, on trouve un zoo humain cachant des surprises à la façon de Où Est Charlie. Tolman remplit les pièces et les espaces avec un sens de l’humour aigu. Ces diverses scènes représentent, au fond, les vérités excentriques des strates complexes de notre société.
Bien qu’il emploie parfois de toutes petites touches de couleur, Tolman s’appuie principalement sur une profusion de fines lignes noires, de hachures et de points. Il gratte tellement le papier que par endroit celui-ci peut paraître texturé, mais son grain demeure toute l’encre qui est appliquée à la main. Ben Tolman est maître en construction et chacun de ses tracés est aussi solide qu’une brique ou une planche.

[ENG]
Ben Tolman (b. 1980) lived in Washington DC until 2019. He founded an artist community in Pittsburg, Pennsylvania where he now lives : the Fiasco Art Center. A 2005 graduate of Corcoran College of Art And Design, he was a finalist for the Outwin Boochever Portrait Prize at the Smithsonian National Portrait Gallery in Washing- ton in 2009.
Tolman creates ink drawings with a density that depicts scenes of urban life spread over several levels. He begins each drawing with a rudimentary spatial concept, such as a slum, an industrial skyscraper, or an alley. With the precision of an architect and the principles of artistic illusions of Maurits E. Escher, he constructs multi-story scenes, like vignettes in a screenplay, between pure fantasy and careful observation of lived experience.
The pieces of this puzzle can appear sometimes realistic, sometimes completely incongruous. In these urban landscapes composed of a wide variety of buildings, often in ruins and tagged, one finds a human zoo hiding surprises in the manner of Where’s Charlie. Tolman fills the rooms and spaces with a keen sense of humor. These various scenes represent, at their core, the quirky truths of the complex strata of our society.
Although he sometimes employs tiny dabs of color, Tolman relies primarily on a profusion of fine black lines, hatching and dots. He scratches the paper so much that in places it may appear textured, but its grain remains all ink that is applied by hand. Ben Tolman is a master of construction and each of his layouts is as solid as a brick or board.

SHOWS

2024
Thinkspace Projects, Los Angeles – Line Addicts – Group show curated by Hi Fructose

2022
Thinkspace Projects, Los Angeles – Unmode – Solo show

2021
Galerie LJ, Paris – ⚫️  – Group show
Salle d’Exposition de Guyancourt (78) – Metropolis, Imaginaires de villes – Group show

2020
Museum On The Seam, Jerusalem – Metropolis – Group show
Galerie LJ, Paris – Solo show

2019
Gallery Neptune & Brown, Washington DC – ‘Ben Tolman & David Nash‘ – Double solo show

2018
Jonathan Levine Gallery, Jersey City – Solo show

2017
Galerie LJ, Paris – Solo show
Gallery Neptune & Brown, Washington DC – ‘Weltschmerz‘ – Solo show

2016
Galerie LJ, Paris – ‘Urbanopolis‘ – Group show
Centerfold Artist, Washington DC – ‘Made in Sarajevo’ – Solo show
Booth Gallery, New York – ‘Fourth Wall’ – Group show
Jonathan Levine Gallery, New York – ‘Cluster’ – Group show

2015
Flashpoint Gallery, Washington DC – ‘Civilized’ – Solo show

2014
The Fridge, Washington DC – ‘Fiction’ – Solo show

2012
Conner Contemporary Art, Washington DC – ‘Academy 2012’ – Group show

2011
The Fridge, Washington DC – ‘A Few More Drawings’ – Solo show
Transformer Gallery, Washington DC – ‘Sketch’ – Group show
Copro Gallery, Los Angeles – ‘Dystopia’ – Group show

2010
Museo de la Ciudad de Mexico, Mexico – ‘Draw’ – Group show
Smithsonian National Portrait Gallery, Washington DC – ‘Outwin Boochever Portrait Competition’ – Group show

Publications & articles :
Beaux Arts Magazine, “Art urbain au temple des enchères”, septembre 2019
The Washington Post, “In the galleries: Whimsy rendered starkly, in black and white”, juin 2019
Graffiti Art Magazine, “Ben Tolman: Another City“, décembre 2017-janvier 2018
Hey! Magazine, “Ben Tolman“, automne 2017
Hi Fructose, “Ben Tolman’s New Drawings Ring of Precision, Chaos“, janvier 2017
Fubiz, “Surreal Ink Drawings by Ben Tolman“, janvier 2017
Arte Feed, “El mundo actual – Dibujos de Ben Tolman“, janvier 2017
Vice Creators Project, “Grab a microscope for these insanely detailed ink cityscapes“, septembre 2016
Juxtapoz Magazine, “Ben Tolman Take Two Steps“, interview by Aesop Rock, mai 2016
TrasDos / 20 Minutos, “Dibujos perversos que deben mirarse con lupa“, janvier 2016
Citylab from The Atlantic, “An Artist’s Dark but Loving Graphic Ode to Suburbia“, février 2015
Socks, “Civilization and Its Discontent According to Ben Tolman“, mars 2015
CVLT Nation, “Trippy Mane… The Art of Ben Tolman“, décembre 2014

11 January 2013

[FR]
Né à Santa Barbara, Californie, en 1980. Diplômé depuis 2004 du Art Center College of Design de Pasadena. Vit et travaille à Los Angeles.

Brendan Monroe puise la majeure partie de son inspiration dans la Science, et la retranscrit sous la forme de peintures et de sculptures. Son travail est peuplé de personnages et de paysages reflétant le plus profond de son subconscient, qui se veut un lieu de réconfort et une échappatoire à la réalité, un univers qui est une invention de l’esprit et qui n’existe que dans l’esprit. Ce monde imaginaire se présente comme une expérience inédite, qui a vocation à être vue et ressentie à travers les pensées et les rêves. Il évolue continuellement et se modifie en fonction du visiteur. Le paysage est aussi un personnage en lui-même. Il est capable de réconforter le spectateur et d’absorber ses tracas à l’image d’un bain chaud ou d’une couverture moelleuse. Il est aussi capable du contraire, s’abattre comme une avalanche ou une énorme vague.
Les personnages de ce monde sont constitués pour moitié de références réelles et pour d’autres éléments, de parties de nous-même. Il s’agit plutôt de formes humanoïdes anonymes ; chacun d’entre eux peut refléter une caractéristique différente plus fortement que l’autre, il pourrait par exemple représenter un désir caché ou de la confiance en soi à acquérir.
Mais ce monde existe avant tout par le désir même du visiteur. Une volonté de détente et de réconfort. La tranquillité de l’esprit. L’endroit où se reposer et se sentir loin de la réalité. Cela varie d’une personne à l’autre.
Avec le délicat travail et la palette qui le caractérisent, évolutive au fil des années (de couleurs chaudes, à froides, à désormais le noir et blanc), Brendan Monroe poursuit l’exploration de son propre univers mental qui prend la forme d’une certaine abstraction contemplative et sereine, qu’il développe depuis ces deux dernières années. Les petits organismes moléculaires en forme de glands ou pommes de terre ne sont plus présents mais laissent la part belle à de vastes paysages lunaires et filandreux.
La première monographie de Brendan Monroe est parue en 2008 aux éditions Paper Museum Press. Depuis quelque années Monroe a développé un travail de muraliste : il répond depuis à de nombreuses commandes de peintures murales, en Californie et au-delà, et participe régulièrement aux diverses éditions internationales du festival d’art urbain Pow! Wow!.

[ENG]
Born in Santa Barbara, California in 1980, Brendan Monroe lives and works in Los Angeles. He graduated in 2004 from the Art Center College of Design in Pasadena.

Brendan Monroe draws most of his inspiration from Science, and translates it into paintings and sculptures. His work is populated with characters and landscapes reflecting the deepest part of his subconscious, which is a place of comfort and an escape from reality, a universe that is an invention of the mind and exists only in the mind. This imaginary world is presented as a new experience, which is meant to be seen and felt through thoughts and dreams. It evolves continuously and changes according to the visitor. The landscape is also a character in itself. It is capable of comforting the viewer and absorbing his worries like a warm bath or a soft blanket. It is also capable of the opposite, of crashing like an avalanche or a huge wave. The characters of this world are made up of half real references and for other elements, parts of ourselves. They are rather anonymous humanoid forms; each of them may reflect a different characteristic more strongly than the other, it could for example represent a hidden desire or self-confidence to be acquired. But this world exists above all through the visitor’s own desire. A desire for relaxation and comfort. Peace of mind. The place to rest and feel away from reality. This varies from person to person.
With the delicate work and the palette that characterize him, evolving over the years (from warm colors, to cold, to now black and white), Brendan Monroe continues the exploration of his own mental universe that takes the form of a certain contemplative and serene abstraction, which he has been developing for the last two years. The small molecular organisms in the shape of acorns or potatoes are not present any more but leave the beautiful part to vast lunar and wiry landscapes.

The first monograph of Brendan Monroe was published in 2008 by Paper Museum Press. In recent years Monroe has developed a muralist’s work: he has since responded to numerous commissions for murals in California and beyond, and regularly participates in various international editions of the urban art festival Pow! Wow!

SHOWS

2019
Galerie LJ, Paris – ‘Homecoming’ – Group show
Backwoods Gallery, Melbourne – ‘Illusions’ – Group show

2018
Heath Ceramics, Los Angeles – ‘Formations’ – Solo show

2017
Curator’s Cube, Tokyo – ‘Mammatus’ – Solo show

2016
Heath Ceramics Boiler Room, San Francisco – ‘Selected works’ – Group show

2015
Heath Ceramics Boiler Room, San Francisco – ‘Morphology’ – Solo show
Municipal Art Gallery, Los Angeles – ‘Juxtapoz 20 Years’ – Group show
Long Beach Museum of Art, Los Angeles – ‘Vitality and Verve: Transforming the Urban Landscape‘ – Group show à l’occasion du festival Pow Wow Long Beach, installation in-situ

2014
Heath Ceramics, Los Angeles – ‘Blobography’ – Solo show
Facebook Head Quarters, Menlo Park, California – Commande d’une peinture murale dans le cadre du programme FB Artists In Residence (AIR)
Shimokitazawa Books, Taipei – ‘Black & Night’ – Double exposition personnelle avec Evah Fan
Pow Wow Taiwan, Taipei – Exposition collective et réalisation d’une peinture murale
Pow Wow Hawaii, Hawaii – Exposition collective et réalisation d’une peinture murale
Gallery Nucleus, Alhambra (CA) – ‘Adventure awaits’ – Exposition collective
Backwoods Gallery, Victoria – ‘Gold Blood, Magic Weirdos’ – Exposition collective

2013
Richard Heller Gallery, Los Angeles – ‘Melting Into the Floor’ – Exposition personnelle
Long Beach Museum of Art, Long Beach (CA) – ‘Risque’ – Exposition collective
La Luz de Jesus Gallery, Los Angeles – ‘Beer is Art’ – Exposition collective
Breeze Block Gallery, Portland – ‘Buddy System Invitational’ – Exposition collective
Casa dell’Architettura/Acquario Romano, Rome – ‘Suggestivism’, curated by MondoPop Gallery – Exposition collective
Breeze Block Gallery, Portland – ‘Wider than a Postcard’ – Exposition collective
Galerie LJ, Paris – ‘Turning’ – Exposition personnelle

2012
Cooper Cole Gallery, Toronto – ‘Observations of Light and Matter’ – Exposition personnelle
RPS, Oakland – ‘Sound and the Flurries’ – Exposition collective
Breeze Block Gallery, Portland – ‘Space//Form’ – Exposition collective
Galerie Feinkunst Krüger, Hambourg – ‘Don’t Wake Daddy VII’ – Exposition collective
Compound Gallery, Portland – ‘End of the World’ – Exposition collective

2011
Espacio Minimo, Madrid – ‘Human Nature’ – Exposition collective
Cinders Gallery, Brooklyn – ‘Resurrection’ – Exposition collective

2010
Galerie LJ, Paris – ‘Figments’ – Exposition personnelle
MOHS, Copenhague – ‘This Is the End of the World as We Know It’ – Exposition collective
Heath, Los Angeles – ‘Clay and Response’ – Exposition collective
The Armory Show, New York (représenté par Richard Heller Gallery) – Exposition collective
Pulse art fair, New York (représenté par Richard Heller Gallery) – Exposition collective

2009
Richard Heller Gallery, Santa Monica – ‘Between Here and Here’ – Exposition personnelle
MOHS, Copenhague – ‘This Is the End of the World as We Know It’ – Exposition collective
Heath, Los Angeles – ‘Clay and Response’ – Exposition collective
The Armory Show, New York (représenté par Richard Heller Gallery) – Exposition collective
Pulse art fair, New York (représenté par Richard Heller Gallery) – Exposition collective

2008
White Flag Projects, St. Louis – ‘Nodes’ – Exposition personnelle
Faye Fleming Gallery, Genève – ‘Microcosm’ – Exposition personnelle
Galerie L.J. Beaubourg, Paris – ‘Dwindle to a tiptoe’ – Exposition collective
Little Cakes, New York – ‘Bed and breakfast’ – Exposition collective

2007
Richard Heller Gallery, Santa Monica – ‘Insides’ – Exposition personnelle
Galerie L.J. Beaubourg, Paris – ‘Une estivale 2007′ – Exposition collective
Art Prostitute Gallery, Dallas – ‘Pale Analogies’ – Exposition collective

2006
Richard Heller Gallery, Santa Monica – ‘Blob Blob Blob…’ – Exposition personnelle
Junc. Gallery, Los Angeles – ‘Zine’ – Exposition collective
The Front Room, New York – ‘A Grand Union’ – Exposition collective
Williamson Gallery, Pasadena – ‘Drawn to Expression’ – Exposition collective
Diepzout, Maastricht – ‘Kamen Rider Lives’– Exposition collective

2005
Giant Robot, San Francisco – ‘Momentary Murk’ – Exposition personnelle
Junc. Gallery, Los Angeles – ‘What Leaves Track’ – Exposition personnelle
MetalStone, New York – ‘Unnatural History’ – Exposition collective
RHYS Gallery, Boston – ‘Ghosts Gather at Night’ – Exposition collective
Unknown Gallery, Salt Lake City – ‘Golden Bears’ – Exposition collective
RHYS Gallery, Boston – ‘Word of Mouth’– Exposition collective
Voice 1156, San Diego – ‘Under These Circumstances’– Exposition collective

2004
Koo’s, Long Beach – ‘Manufactured Inspirato’– Exposition collective
UNO, Los Angeles – ‘Fish Out of Water’– Exposition collective
Junc. Gallery, Los Angeles – ‘Inbred’– Exposition collective
Giant Robot, Los Angeles – ‘Silent Majority’– Exposition collective
Gene Siskel Film Center, Chicago – ‘Coming Soon’– Exposition collective

2003
Ave 50 Studio, Los Angeles – ‘Oiga’– Exposition collective

PRESSE

Articles :
2015 – Bliss Magazine, ‘Brendan Monroe : detail-oriented’, par Jeff McMillan, + couverture, mars, n°91
2015 – Kingsbrown, ‘Brendan Monroe, n°10, 78-88
2010 – Juxtapoz, ‘Brendan Monroe’, par K. Farr et S. Wiegner, juin, 62-75
2007 – ‘By Hand’, Princeton Architectural Press, New York
2006 – Art Week, critique de l’exposition f ‘Blob Blob Blob…’ par Shana Nys Dambrot
2006 – ‘Sour Leaves’ comic auto-publié, Berkely, CA
2006 – ‘Blk/Mrkt One’ Los Angeles, Die Gestalten Verlag, Berlin
2006 – ‘The Great Escape’ New York Collective for the Arts, New York
2005 – XFUNS Magazine, Taipei, Taiwan
2005 – ‘Grafuck’ Me Me, Los Angeles
2005 – Bant Magazine, Istanbul, Turquie
2005 – SF GATE, critique de l’exposition ‘Momentary Murk’ par Alison Bing, San Francisco

9 January 2013

[FR]
Heidi Ukkonen est originaire de Suède. Elle vit et travaille à Anvers, Belgique, depuis une quinzaine d’années. Elle y a obtenu un Master of Fine Arts en peinture, à la Royal Academy of Fine Art of Antwerp, en 2015.
Ses peintures figurent des représentations déformées, de façon ludique, de la vie sociale contemporaine. En puisant son inspiration et ses références dans l’oeuvre de Philip Guston, David Hockney, Matisse, Bosch, Ingres, ou bien dans son expérience personnelle passée et présente, elle amène son public dans un monde où l’habituel devient inhabituel, où le laid devient beau, où la douleur devient humour. La combinaison de différents médiums (acrylique, aérosol, tempera, pastel) associés à une multiplicité de couleurs et de textures, contribuent à la forte identité graphique de ses peintures, les rendant vivantes, tel un collage peint.
La vie quotidienne est une source d’inspiration inépuisable pour Heidi Ukkonen. Elle peint la tristesse, la douleur, la solitude et la monotonie avec des couleurs intenses, des dessins dynamiques et des détails qui font sourire. Telle une conteuse, elle traite de la nature humaine sans pour autant renoncer à la joie et à l’optimisme. L’ennui, nos petites manies, le désir de s’accrocher à quelque chose – peut-être quelqu’un, peut-être la vie elle-même, sont tous exprimés sur un ton léger… en apparence.

[ENG]
Heidi Ukkonen (b. 1980) has been living in Antwerp for the past fifteen years. She graduated from the Royal Academy of Fine Art there in 2015 with a Master of Fine Arts in painting.
Her paintings represent playfully deformed animations within the life of modern society. Drawing knowledge and inspiration of the works of Philip Guston, David Hockney, Matisse, Bosch, Ingres, or from her own experience, past and present, she aims to bring her audience into a world where the usual becomes unusual , where the ugly becomes beautiful and where pain becomes humour. The combination of different mediums (acrylic, aerosol, tempera) associated with a multiplicity of colors and textures, contribute to the strong graphic identity of her paintings, making them alive, like a painted collage.
Daily life is an inexhaustible source of inspiration for Heidi Ukkonen. She paints the sadness, pain, loneliness and monotony of daily life with rich colors, dynamic drawings and details that put a smile on your face. She is a storyteller who deals with human nature, without compromising on joy and optimism. Boredom, our unique quirks, the desire to hold on to something (perhaps someone, perhaps life itself) are all expressed in a light-hearted tone… seemingly.

 

SELECTED SHOWS

2024
BEERS London & Saatchi Gallery, London – ‘Painting, Smoking, Eating’ – Group show curated by BEERS London at Saatchi Gallery
Weserhalle, Berlin – ‘Only Fans‘ – 2-person show with Mona Broschár
PLUS-ONE, Antwerp – ‘Aesthetic Echos’- Group show
Staffordshire St, London – ‘A Painting Show‘ – Group show curated by Mark Connolly

2023
Madonna at KMSKA (Koninklijk Museum voor Schone Kunsten), Antwerp – Solo presentation
Galleri Sandberg, Odense (Danemark) – 13-A-DOZEN – Group show curated by Joachim Lambrechts
Galerie LJ, Paris – ‘Pour Toujours’ – Solo show
Sofie Van de Velde, Antwerp – ‘Forever and ever and ever’ – Solo show
Tuesday to Friday, Valencia – ‘Summer Mix Vol. 1’ – Group show

2022
Art Antwerp, Antwerp – Represented by Sofie van de Velde
Kristin Hjellegjerde, Schloss Görne (Germany) – ‘Uprising‘ – Group show
Diskus, Antwerp – ‘Another Spring’ – Group show
Galerie LJ, Paris – ‘The Ballroom‘ – Group show
Moosey, Norwich (UK) – ‘Suspirium’ – 2-person show with Lysandre Begijn
Art Rotterdam, Rotterdam – Represented by Made Van Krimpen
Art Brussels, Brussels – Represented by Sofie van de Velde
Andrea Festa Fine Art,  Rome – ‘The Appearance Formula’ – Group Show
Plus-One Gallery, Antwerp – ‘Infinite Flowers Part 4’ – Group Show
Lorin Gallery, Los Angeles – ‘Feminitiy’ – Group Show
Ruby Gallery, Brussels – ‘Ruby and Friends’ – Group Show

2021
Kristin Hjellegjerde Gallery, London – ‘In Momentum’ – Group show
Madé Van Krimpen Gallery, Amsterdam – ‘The Time Is Now’ – Solo show
Ruby Gallery, Brussels – ‘Stars Are Never Sleeping’ – Group show
This Art Fair, Amsterdam
Kustlaan, Knokke – ‘(PR)OXYMORON’ – Group show
Delphian Gallery, London – ‘All About Eve’ – Group show curated by Hew Hood
Galerie LJ, Paris – 3-person show with Justin Liam O’Brien and Nastaran Shahbazi
Gallery 46 Whitechapel, London –  ‘The First Swing Of The Bat’ – Group show
Cuturi Gallery, Singapore – ‘Transcendental’ – Group show
Deep  Space Gallery, Jersey City (NY) – ‘The Mothershipment’ – Group show

2020
Sofie Van De Velde Gallery & PLUS ONE Gallery, Antwerp – ‘Art Feeds Nr 2’ – Group show
Marian Cramer, Amsterdam – Gallery Weekend – Group show
Four You Gallery, Dubai –  ‘Hide and Seek’ – Solo show
Marian Cramer, Amsterdam – ‘Don’t Give A Damn’ – Group show curated by Sasha Bogojev
Stad Antwerpen, Antwerp – Billboard project
Showhouse Jay Jay, Antwerp – ‘#SHOWHOUSEARTCALL’ – Group show
Sofie Van De Velde Gallery & PLUS ONE Gallery, Antwerp – ‘The Wunderwall’ – Group show

2019
Kunstpodium T, Tilburg (Germany) – ‘Cowboys and Aliens’ – Group show
Showhouse Jay Jay -‘My Biggest Small’ – Antwerp Art Weekend Group Show

2018
Gallery Golsa, Oslo -‘Velvet Ropes’ – Group show
Showhouse Jay Jay, Antwerp – ‘Screw your courage to the sticking place’ –  Group show
Winter Tuin, Antwerp – ‘Copy Cat’ – Group show

PUBLICATIONS

212 Magazine, “Heidi Ukkonen: Remains of the Day”, printemps-été 2022, issue 13: Herland
The Art Couch, “De bevreemdende werken van Heidi Ukkonen in The Wunderwall, Brussels“, avril 2022
FAD Magazine, “The First Swing of the Bat: a group show you should visit“, 15 avril 2021
Juxtapoz, “And after all, you’re my “Wunderwall”, with Heidi Ukkonen, Ralf Kokke and David Noro“, 26 mai 2020

9 January 2013

[FR]
Julien Primard (né en 1986) est un peintre autodidacte français, également designer de formation et de métier. Il vit et travaille à Toulon. C’est au début des années 2000 qu’il commence la peinture, en milieu urbain sur les murs d’usines abandonnées en banlieue parisienne, puis fonde le collectif La Thérapicturale  avec un groupe d’amis graffeurs. Après différentes interventions artistiques, Primard monte l’exposition ‘Lieux d’être’ en 2015, au Petit Lieu de l’Art Contemporain à Toulon. Ce projet va lui permettre d’affirmer son style, qu’il va par la suite révéler à la Backside Gallery, Marseille, dans deux expositions personnelles : ‘Invisible’ en 2016 et ‘Vestiges’ en 2019.
S’inspirant des courants classiques et surréalistes, il peint à l’huile des compositions prônant l’abandon, qui nous entrainent vers des lieux insolites, souvent inaccessibles, édifiant ces ruines au rang de monuments, parfois peuplés de personnages anonymes et invisibles. Ses tableaux sont minutieusement préparés grâce à un travail de photographie quotidien et de dessin. Les photos de scooters, de bâtiments, de chaussures usées et autres portes condamnées qu’il accumule deviennent ainsi des fragments qu’il assemble pour constituer ses récits visuels.

[ENG]
Julien Primard (born in 1986) is a French self-taught painter, and also a designer. He lives and works in Toulon in the south of France.
Primard began painting in the early 2000s, in the streets on the walls of abandoned factories in the Paris suburbs, and then founded the collective La Thérapicturale with a group of graffiti artist friends. After various artistic interventions, Primard curated the exhibition ‘Lieux d’être’ in 2015, at the Petit Lieu de l’Art Contemporain in Toulon. This project led him to affirm his style, which he revealed at Backside Gallery, Marseille, in two solo exhibitions: ‘Invisible’ in 2016 and ‘Vestiges’ in 2019.
Inspired by classical and surrealist currents, Primard paints oil compositions advocating abandonment, which take us to unusual places, often inaccessible, building these ruins to the rank of monuments, sometimes populated by anonymous and invisible characters. His paintings are meticulously prepared through daily photography and drawing. The photos of scooters, buildings, worn shoes and other condemned doors that he accumulates become fragments that he assembles to constitute his visual narratives.

SHOWS

2024
Galerie LJ, Paris – ‘Time Warp’ – 2-person show avec Léo Caillard

2023
FRAC Grand Large, Dunkerque – ‘De leur temps (7)‘ – Group show, commissariat: Keren Detton et Michel Poitevin
Art Madrid, Madrid – Représenté par Galerie LJ

2022
Galerie LJ, Paris – ‘Les instants modernes‘ – Solo show
Art Madrid, Madrid – Représenté par Galerie LJ

2021
Galerie LJ, Paris – ‘🔴 ⚫️ ‘ – Group show

2019
Backside Galerie, Marseille – ‘Vestiges’ – Solo show
Festival Mister Freeze, Montauban

2018
Les Caves du Louvre – ‘Vinochromie’ – Group show

2017
Kromatique, Paris – ‘Amie Nuit’ – Group show

2016
Backside Galerie, Marseille – ‘Invisible’ – Solo show

2015
Petit Lieu de l’Art Contemporain, Toulon – ‘Lieu d’Etre’ – Group show
Foire St-art, Strasbourg, avec la Galerie Saltiel
Galerie 17.arts, Fontainebleau – ‘Introduction’ – Group show

2012
Galerie L’Axolotl, Toulon – Group show
Galerie 17.arts, Fontainebleau – ‘Street art’ – Group show

2011
Fondation Ellen Poidatz, Saint-Fargeau-Ponthierry  (77) – ‘La Thérapicturale’ – Group show
Galerie L’Entrepôt, Monaco – ‘Graffiti Issue’ – Group show

 

PRESS & PUBLICATIONS
2024
Côté Sud, “Artistes et designers“, juin-juillet 2024

2022
Arts Magazine, “Julien Primard : des perspectives éphémères éclairées“, décembre 22-janvier 2023
Artistik Rézo, “Julien Primard présente sa première exposition parisienne“, 2 décembre 2022
La Provence, “Tout un quartier les yeux dans l’immensité de la mer”, 1er décembre 2022

2019
N. Gzeley, ALTER EGO, Editions Alternatives, Paris

2017
BL!SSS Magazine – numéro #116

2017
Global Street Art – Interview
BOOOOOOOM – Post
The lucky jotter – Post

2016
MAGMA Magazine – Issue #35
Music On Walls – Interview
Enkulte – Interview
BOOOOOOOM – Post
Notcot – Post
WATC – Post
Fubiz – Post
Upper playground – Post

2014
Var Matin – numéro #14.03.2014
Paris Tonkar Magazine – numéro #10

2012
Graffbombz Magazine – numéro #55

7 January 2013

[FR]
Luján Pérez (née à Madrid en 1991) vit et travaille dans l’état de New York (USA) : son atelier, installé dans une grange, y côtoie son immense jardin potager. Elle est diplômée d’un Master en Fine Arts de la New York Academy of Art depuis 2020. Ses oeuvres sont tout à la fois des sculptures murales, des peintures gravées, des gravures sculptées. Tout en explorant la relation entre la terre et l’esprit, Luján Pérez s’intéresse plus particulièrement dans sa pratique actuelle à la représentation du couple telle qu’elle l’est dans la peinture, le cinéma, la photographie, l’art ancien. Forte d’une vaste connaissance des remèdes à base de plantes, elle détourne leur fonction utilitaire pour proposer une seconde lecture de son travail, tel un cadre dans le cadre. Témoignant de sa capacité à examiner et à donner une nouvelle signification aux symboles de la nature, elle associe une plante ou une fleur spécifiquement choisie pour son pouvoir métaphorique, avec chaque image reproduite dans ses oeuvres. Comme dans la peinture ancienne, les fleurs dans les oeuvres de Luján Pérez apportent un éclairage sur la signification de ses images. L’ortie urticante, le ginseng aphrodisiaque, le datura halucinogène, la fleur de kanna psychotrope, ou encore le pouvoir guérisseur de l’érable et du saule, sont autant de symboles employés pour exprimer son point de vue sur la politique, son empathie pour un proche, l’ironie d’une situation, etc.
Les spéculations sur l’amour, la vie et la mort sont des interrogations récurrentes dans le travail de Luján Pérez. Qu’il s’agisse de représentations nostalgiques de la mémoire et de l’inconscient, ou de la création de plantes fictives rappelant autant leur potentiel pouvoir de guérison que leur capacité à tuer, le charme de ses oeuvres réside dans leur capacité à digérer et à révéler ces récits et ces histoires de manière égale.

[ENG]
Luján Pérez (born in Madrid in 1991) lives and works in the state of New York, USA. Her studio, located in a barn, is surrounded by an extensive vegetable garden, which is no insignificant detail. She holds a Master’s degree in Fine Arts from the New York Academy of Art since 2020. Her works are simultaneously wall sculptures, engraved paintings, and sculpted engravings. While exploring the relationship between earth and spirit, Luján Pérez has been particularly interested over the past few years by the representation of couples, as the epitome of love and hate, through painting, cinema, photography, and ancient art. With a broad knowledge of herbal remedies, she repurposes their utilitarian function to offer a second reading of her work, like a frame within the frame. Demonstrating her ability to examine and give new meaning to nature’s symbols, she associates a specific plant or flower chosen for its metaphorical power with each image represented in her works. Like in ancient painting, the flowers in Luján Pérez’s works shed light on the meaning of her images. The stinging poison ivy, aphrodisiac ginseng, hallucinogenic datura, psychotropic kanna flower, or the healing power of maple and willow, are symbols used to express her viewpoint on politics, her empathy for a loved one, the irony of a situation, etc.
Speculations about love, life, and death are recurring themes in Luján Pérez’s work. Whether it’s nostalgic representations of memory and the unconscious, or the creation of fictional plants that recall their potential for healing as much as their ability to kill, the charm of her works lies in their ability to digest and reveal these narratives and stories equally.

AWARDS & RESIDENCIES
2021
City Art Corps Grant Recipient
The Macedonia Institute Resident

2020
Chubb Fellowship, New York Academy of Art
Crisis Residency, Covid-19 Artist Residence, Shelter in Place

2019
Leipzig International Artist Program

2018
Academy Merit Scholar Award Recipient, New York Academy of Art
Big Ink Collaboration, Pyramid Atlantic Center for the Arts
Nicolas V. Sanchez Scholarship Programme

2016
Hoopsnake Press Artist Residency

SHOWS

2024
Rusha & Co Engine Company, Los Angeles – ‘I’d love to See You’ – Group show, commissariat : Juxtapoz Magazine/Evan Pricco
The Macedonia Institute, Chatham (NY) – Group show (TBA)
Art Athina, Athènes – Représentée par Galerie LJ (TBA)
Secci Gallery, Milan – Project room – Solo show (TBA)

2023
Galerie LJ, Paris – ‘Garden Delights’ – 2-person show avec Hilary Doyle
Swivel Gallery, New York – ‘Botany of Desire‘ – Group show, commissariat : Sadaf Padder
Latitude Gallery, New York – ‘Red Thread‘ – Group show, commissariat : Anne-Laure Lemaitre
KIAF, Seoul – Représentée par Galerie LJ
Salón ACME, Mexico – Solo show, représentée par Swivel Gallery
Intersect Palm Springs, Palm Springs – ‘Weekenders‘ – Group show présenté par Rusha & Co, commissariat : Evan Pricco

2022
Kapp Kapp, New York – ‘With Our Roots Entwined‘ – Solo show
Galeria MPA, Madrid – ‘Selfie‘ – Group show
Art Basel Miami Beach, Miami – ‘Chubb Fellows‘ – Group show, commissariat : Chubb Fellowship (by New Academy of Art)
Swivel Gallery, Saugerties (NY) – ‘In The Bleak Midwinter’ – Group show
Swivel Gallery, Saugerties (NY) – ‘The Cowboys Made Me Cry’ – Group show

2021
Swivel Gallery, New York – ‘Your Nostalgia created a Non Existent Country‘ – Solo show
SPRING/BREAK Art Fair, New York – ‘Where are you From?’ –  Solo show
Kapp Kapp, New York – ‘In the Margins‘ – Group show, commissariat : Anne-Laure Lemaitre
Future Fair, New York – Représentée par Swivel Gallery et Trotter & Scholer
Southampton Arts Center, Southampton (NY) – ‘Beyond the Streets on Paper‘ – Group show, commissariat : Evan Pricco et Kim Stephens
Showfields, New York – ‘Showfields: Group Exhibition’ – Group show

2020
Art Basel Miami Beach, Miami – ‘Chubb Fellows‘ – Group show, commissariat : Chubb Fellowship (by New Academy of Art)
Southampton Arts Center, Southampton (NY) – ‘2020 Vision – Group show
Sugarlift, New York – ‘Biophilia‘ – Group show
PuertoGráfico SGC International, San Juan (Puerto Rico) – ‘In Transit’ – Group show
New York Academy of Art, New York – ‘Eye to Eye: Untraditional Voices’ – Group show

2019
Elizabeth Foundation for the Arts, New York – ‘Side Hustle’ – Group show
New York Academy of Art, New York – ‘Leipzig Residency Exhibition’ – Group show
Sugarlift, New York – ‘Mother and Child’ – Group show
New York Academy of Art, New York – ‘Summer Exhibition’ – Group show
Laden Für Nichts, Leipzig – ‘Persona3’ – Group show
International Print Center, New York – ‘Published by the Artist’ – Group show

PRESS & PUBLICATIONS

 

7 January 2013

SHOWS & MURALS
2024
Galerie Municipale Robespierre, Grande-Synthe (59) – ‘Saturation’ – Solo show
Vertical Gallery, Chicago – ‘Surreal’ – Group show
Mazel Galerie, Bruxelles – ‘4 Saisons’ – Group show
Stolen Space, Londres – ‘Love Endures’ – Group show
Eglise de la Madeleine, Paris – ‘Street Art Madeleine’ – Group show, curator : Galerie Roussard

2023
Gallery Kawamatsu, Tokyo – ‘A La Manière Noire’ – Solo show
NuArt Aberdeen, Ecosse – Festival d’art urbain
Académie du Climat, Paris – Festival Anticipation – Group show
Exclusive Urban Art, Rome – ‘Innocence’ – Solo show

2022
Galerie LJ, Paris – ‘Jusqu’ici tout va bien’ – Solo show
Stolen Space, London – ‘Platinum’ – Group show

2021
Le Mur Oberkampf, Paris – Installation temporaire – Mural painting
Avenue des Arts Gallery, Los Angeles – ‘Anthropologic‘ – Solo show
Galerie LJ, Paris –   ⚫️  – Group show

2020
Galerie LJ, Paris – ‘Garb-AGE‘ – Solo show
Stolen Space, Londres – ‘Postcards from 2020‘ – Group show
Avenue des Arts, Los Angeles – ‘Details‘ – Group show
IPAF Festival, Martinique – Festival d’arts urbains – Mural painting
Points de Vue, Bayonne – Festival d’arts urbains – Mural painting

2019
Stolen Space, Londres – ‘Fine Line‘ – Group show
Pow! Wow!, Rotterdam – Festival d’arts urbains – Mural painting

2018
Le Cabinet d’Amateur, Paris – ‘Street Art Miniature’ – Group show
Nuart, Stavanger (Norvège) – Festival d’arts urbains – Mural painting

2017
Le Cabinet d’Amateur, Paris – ‘L’Âge d’Or’ – Solo show
Le Cabinet d’Amateur, Paris – ‘A/Z’ – Group show
Le Cabinet d’Amateur, Paris – ‘Etoiles et Stars’ – Group show

PPRESS
Ville de Grande-Synthe, Une nouvelle fresque de rue XXL, 11 mars 2024
Articulate, “Murmure street“, #26, janvier 2021
Graffiti Art Magazine, Guide de l’art contemporain urbain 2020, novembre 2020
Artistik Rezo, Murmure street, 1er juillet 2020
Hybebeast, Ce duo d’artistes français explore l’impact de l’homme sur l’environnement à travers leur dernier projet, 22 mars 2020
Juxtapoz, In Conversation with Murmure, 6 mars 2020
Juxtapoz, Entering The Garb-age with French duo Murmure at Galerie LJ, 4 mars 2020
Beaux Arts Magazine, Galeries et Expositions : Paris / Galerie LJ, mars 2020
Graffiti Art Magazine, Murmure Street: Dessins et Chuchotements, mars-avril 2020

 

7 January 2013

[FR]
Mu Pan est né à Taïwan en 1976 dans une famille originaire de Chine continentale. Il quitte l’île et son histoire complexe, pour New York où il émigre avec ses parents en 1997 lorsqu’il a 21 ans. Repartant de zéro avec sa famille, il adhère à la culture américaine non sans quelques appréhensions, et étudie à la School of Visual Arts de New York où il obtient en 2007 un M.F.A avec félicitations. Devenu citoyen américain, Mu Pan cultive et revendique ses multiples identités culturelles dans ses peintures. Il peint à l’acrylique sur bois et sur papier. Ses œuvres d’une grande précision proposent une narration, souvent des scènes de bataille qui lui permettent de multiplier les péripéties.

Mu Pan, c’est la rencontre entre Jérôme Bosch, Kuniyoshi et Marvel Comics, avec ses grandes peintures épiques et narratives, imprégnées de références culturelles et historiques au Japon et à la Chine, et de pop culture américaine. Les narrations qu’il élabore mettent en scène des événements de l’Histoire chinoise et japonaise classique et contemporaine, réinterprétés selon son langage pictural, engagé et politique. Ses nouveaux mythes sont marqués par des personnages hybrides et des éléments de culture populaire à la limite du cartoon. Ses peintures narratives sont aussi le prétexte d’acerbes critiques sociales de ses pays d’accueil et d’origine, sur l’immigration, la gentrification des quartiers populaires de New York ou la nouvelle génération de jeunes de Taiwan. Son travail plus récent lui permet d’élaborer une nouvelle forme de narration, et la création d’un panthéon de dieux animaux. Partout dans ses peintures, quelqu’un se fait manger par un autre.
L’ambiance de chaos et de fourmillement qui se dégage de la plupart de ses œuvres ne sont pas sans évoquer les miniatures hollandaises ou indiennes, pour ses atmosphères de fin du monde, pour ses personnages hybrides mi-homme mi-animal, pour le foisonnement de détails et le caractère mystique et mythique qui s’en dégage. Cette violence apparente est en lien avec sa personnalité : Mu Pan dit de lui-même qu’il est une personne en colère, ainsi son travail artistique est pour lui une voie vers l’équité: «Dessiner et peindre sont, pour moi, les voies les plus évidentes à emprunter pour trouver la justice».

La première monographie sur le travail de Mu Pan a été publiée en 2020 chez Abrams (American Fried Rice: The Art of Mu Pan).

[ENG]
Mu Pan was born in Taiwan in 1976 to a family originally from mainland China. He left the island and its complex history for New York where he emigrated with his parents in 1997 when he was 21. Starting from scratch with his family, he embraced American culture with some trepidation, and studied at the School of Visual Arts in New York where he graduated in 2007 with an M.F.A. with honors. Now an American citizen, Mu Pan cultivates and asserts his multiple cultural identities in his paintings. He paints with acrylic on wood and paper. His works of great precision offer a narrative, often battle scenes that allow him to multiply the adventures.

Mu Pan personalizes the encounter of Hieronymus Bosch, Kuniyoshi and Marvel Comics, with his large epic and narrative paintings, impregnated with cultural and historical references to Japan and China, and American pop culture. The narratives he develops feature events from classical and contemporary Chinese and Japanese history, reinterpreted in his committed and political pictorial language. His new myths are marked by hybrid characters and elements of popular culture bordering on the cartoonish. His narrative paintings are also the pretext for acerbic social criticism of his host and native countries, on immigration, the gentrification of New York’s working class neighborhoods or the new generation of young people in Taiwan. His more recent work allows him to develop a new form of narrative, and the creation of a pantheon of animal gods. Everywhere in his paintings, someone is being eaten by someone else.

The atmosphere of chaos and swarming that emanates from most of his works are reminiscent of Dutch or Indian miniatures, for its end-of-the-world atmospheres, for its hybrid half-man half-animal characters, for the abundance of details and the mystical and mythical character that emerges. This apparent violence is related to his personality: Mu Pan says of himself that he is an angry person, so his artistic work is for him a way to equity: “Drawing and painting are, for me, the most obvious ways to find justice”.

Abrams published the first monograph book dedicated to the work and practice of Mu Pan in 2020 (American Fried Rice: The Art of Mu Pan).

SHOWS
2024
Galerie LJ, Paris – ‘Enter the Dragon’ – Solo show
De Warande, Turnhout (Belgium) – ‘Hybrides: Composed Creatures From Sagas, Myths and Legends‘ – Group show curated by Tom Liekens and Glenn Geerinck

2023
Galerie LJ, Paris – ‘Another Journey to the West’ – Solo show
Zona Maco, Mexico – Represented by Hashimoto Contemporary
Taipei Dangdai, Taiwan – Represented by Hashimoto Contemporary
Giant Robot Gallery, Los Angeles – ‘Giant Robot 20 Years’ – Group show

2022
Asia Now, Paris – Represented by Galerie LJ
Hashimoto Contemporary, New York –  “To Have A Mother Means Milk” – Solo Show
River City, Bangkok – “The New Ark” – Group show curated by Art Can Die and Director Jacq

2021
Galerie LJ, Paris – “Don’t Concentrate On The Finger” – Solo show
Matadero – Centro de Creación Contemporanea, Madrid – “The Garden of Earthly Delights: A Contemporary Perspective on Bosch’s Masterpiece” – Group show curated by Colección Solo

2020
Poulsen Gallery, Copenhague – Group show
Art Madrid, Madrid – Représenté par Galerie LJ
Art Herning, Herning (DK) – Représenté par Poulsen Gallery

2019
Colección Solo, Madrid – “Mu Pan And Other Beasts” – Exposition rétrospective
Galerie LJ, Paris – ‘The Sword of MUtual Demise’ – Solo show
Poulsen Gallery, Copenhague – ‘Summer show’ – Group show
Pulse, Miami – Représenté par Poulsen Gallery
Art On Paper, New York – Représenté par Poulsen Gallery
Art Central, Hong Kong – Représenté par Galerie LJ

2018
Joshua Liner Gallery, New York – ‘Bright Moon Shines On The River’ – Solo show
Art Central, Hong Kong – Représenté par Galerie LJ, solo show
Poulsen Gallery, Copenhague – ‘Battles Without Honor and Humanity’ – Solo show
Blanc Gallery, St. Ignatius (Philippines) – ‘Solid State’ – Group show curated by Louie Cordero & Jordin Isip

2017
Galerie LJ, Paris – ‘Treat Your Mother Right’ – Solo show
Spacejunk, Grenoble – ‘La Belle Peinture’ – Group show
Spacejunk, Lyon – ‘La Belle Peinture’ – Group show
Spacejunk, Bayonne – ‘La Belle Peinture’ – Group show
Art Central, Hong Kong – Représenté par Galerie LJ

2016
Pulse Art Fair, Miami – Représenté par Poulsen Gallery
YIA Art Fair, Paris – Représenté par Galerie LJ
Poulsen Gallery, Copenhague -‘Your Mother Should Know’ – Solo show

2015
Japanese American National Museum, Los Angeles – Giant Robot Biennale IV, curator: Eric Nakamura
Worcester Art Museum, Boston – ‘Samurai’ – Exposition collective, curator: Eric Nakamura
Galerie LJ, Paris – ‘Fake Cover’ – Solo show

2014
Copro Nason Gallery, Santa Monica – ‘One Inch Punch’ – Solo show
Galerie LJ, Paris – Group show

2013
Musée de l’Art Brut (Halle Saint Pierre), Paris – ‘Hey ! Part II’ – Group show
Copro Nason Gallery, Santa Monica – ‘Futur- ology’ – Group show

2012
3rd Ward, Brooklyn – ‘The Way of The Dog’ – Solo show
KunstRaum H&H, Cologne – ‘SommerLoch 2012 Silly Season 2012’ – Group show
Nancy Margolis Gallery, New York – ‘Permanent Collection’ – Group show
Copro Nason Gallery, Santa Monica – ‘The Ace is Wild’ – Group show

2011
Art Taipei – Exposition personnelle dans le cadre du prix Artist Wanted/3rd Ward Open Call
KunstRaum H&H, Cologne – ‘The Other Mountain and The Other Sea’ – Solo show
Copro Nason Gallery, Santa Monica – ‘Dark Water’ – Group show
KunstRaum H&H, Cologne – ‘Sommerloch 2011’ – Group show
Los Angeles – ‘La Luz de Jesus 25th Anniversary Group Show’ – Group show
New York – ‘Verge : Art Brooklyn’ – Group show
KunstRaum H&H, Cologne – ‘Silly Season 2011’ – Group show
GR2, Los Angeles – ‘UNICEF’s Tap Project’ – Group show

2010
KunstRaum H&H, Cologne – ‘Silly Season 2010’ – Group show

2009
Taipei, Taiwan – ‘2009 GEISAI Taiwan’ – Group show
Scion Installation LA Gallery, Los Angeles – ‘Papershaphers’ – Group show
Dr. M. T. Geoffrey Yeh Art Gallery, St. John’s University, Queens, New York – ‘Kerpoof!’ – Group show
The Green Onion, Brooklyn – ‘Windows Brooklyn’ – Group show

2008
Cheryl Pelavin Fine Arts LLC, New York – ‘Friends’ – Group show

2007
Visual Arts Gallery, New York – ‘Thesis Show’ – Group show
La Luz De Jesus Gallery, Los Angeles – ‘To All My Relations’ – Group show

2006
Visual Arts Gallery, New York – ‘The Book Show’ – Group show
Red Letter Gallery, Tampa (FL) – ‘The Type- writer Show’ – Group show
Changing Room Gallery, New York – ‘The Unforgiving Drawing Show’ – Group show

2005
Compound Gallery, Portland – ‘The Ghost and Specters’ – Group show
Compound Gallery, Portland – ‘The Super-hero Group Show’ – Group show
Fuse Gallery, New York – ‘Winter Group Show’ – Group show

2004
Meltdown Gallery, Los Angeles – ‘Meathaus @ Meltdown Group Show’ – Group show

2003
Memphis University, Memphis – ‘The Social Affair Group Show’ – Group show

Publications & articles :
Men’s Uno (Taiwan), 只為自己所畫！專訪藝術家潘慕文 Mu Pan：「就算我躺下了，這個宇宙還會繼續的延伸！」, mai 2023
Wu Ch’en-gen, Monkey, From Journey to the West, Illustrated by Mu Pan, Folio Society, 2023
Los Angeles Review of Books, “I Hate Everyone Equally: Mu Pan Ironic Art“, by Karen Fang, 19 février 2021
Chicago Tribune, 31 Best Gift Books: From Chicago books to pretty atlases, these titles remind us of life outside 2020, 8 décembre 2020
Juxtapoz, New Book: ‘American Fried Rice: The Art of Mu Pan’, 6 novembre 2020
American Fried Rice: The Art of Mu Pan, Abrams, 2020 
El País, Las bestias de Mu Pan se asoman a la puerta de Acalá, 6 décembre 2019
Marie Claire España, Espacio Solo: el museo secreto de Madrid para el que hay lista de espera, mai 2019
TeleMadrid, El universo surrealista de Mu Pan se expone en Madrid, mai 2019
Vanidad, Descubre el infinito universo de Mu Pan, la primera exposición del Espacio SOLO en España, mai 2019
Elle Decor España, Los monstruos de Mu Pan, mai 2019
Cambio16, Mu Pan Y Otras Bestias, mai 2019
T Magazine, Historias Mínimas, mai 2019
La Razón, Mu Pan: King Kong contra el racismo, 27 avril 2019
Neocha – Culture & Creativity in Asia, “The Art of War“, février 2018
Sohu, 潘慕文:在美国坚持中国文化的呈现, novembre 2017
Hi Fructose, “Mu Pan’s Massive Painted Battles Scenes“, juillet 2017
Dangerous Minds, “The Grotesquely Chaotic Paintings of Mu Pan“, 27 juin 2017
Hi Fructose Online, “Mu Pan’s Chaotic, Elegant Battle Scenes“, 7 mai 2017
Hey! 4 Degrees Art, éditions Ankama, 2016
Hey! Art Show Part II, Catalogue de l’exposition au Musée de la Halle St Pierre, éditions Ankama, 2012
Version Fémina/JDD, “Peinture engagée: Mu Pan”, 26 octobre 2015
Juxtapoz Online, “Giant Robot Biennale @Japanese American National Museum”, octobre 2015
Hyperallergic, “A conversation with curator Eric Nakamura on the Fourth Giant Robot Biennale”, octobre 2015
Disinfo, “Disinformation featured artist: Mu Pan and Humanity’s Fundamental Need for Narrative“, juin 2015
Juztapoz Online, “Mu Pan’s Illustrations of Plague and Battle”, juin 2015
Hi Fructose Online, “Preview SAMURAI! Group Exhibition at the Worcester Art Museum”, avril 2015
Boston Magazine, “SAMURAI! Exhibit Shows You the 47 Ronin Like Never Before”, avril 2015
It’sNiceThat, “Frog wars, lizard queens and some rather unpleasant dogs from the brilliant Mu Pan“, avril 2013
Juztapoz Online, “The Works of Mu Pan“, mars 2013
Beautiful Decay, “Brooklyn artist Mu pan on painting, process and influences“, 2012
Hey! Magazine, “Mu Pan”, mars 2012

6 January 2013

[FR] Né à Paris en 1975. Vit et travaille à Paris et Douville-sur-Andelle (Normandie).
Quentin Garel est diplômé de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts de Paris (1998 ; ateliers de Jean Clos et Giuseppe Penone) et a été résident à la Casa Velazquez, Madrid, de 1998 à 2000.

Le travail de Quentin Garel est empreint du monde animal : il s’inspire de l’anatomie, des squelettes, des vestiges archéologiques, pour créer des sculptures aux formes hybrides. S’il joue de la réalité et du rapport d’échelle pour détourner les formes et inventer une population venue d’un monde paléontologique parallèle, au premier regard ses sculptures font illusion, elles deviennent les vestiges d’un véritable animal, dans un subtil assemblage de bois et de bronze qu’il travaille de telle manière que l’on ne peut les différencier à l’œil nu. Garel est un archéologue du présent, qui réinterprète la figure animale à travers une multitude de déclinaisons morphologiques.
Tout a commencé il y a 20 ans, lorsque son travail portait un regard ironique sur les trophées de chasse : il dénonçait alors une pratique orgueilleuse de l’homme, une domination sur l’animal uniquement vu comme objet de consommation. C’est en commençant à travailler avec des paysagistes et des architectes pour des espaces publics que son travail a évolué : il s’est mis à sculpter des animaux sous toutes leurs formes, dans un travail assez figuratif mais aussi anamorphosé et distant de la réalité animale. Garel se revendique sculpteur de la forme plutôt que du concept, entre art et science, bois et métal, chirurgie dentaire et tronçonneuse effrénée.
Quentin Garel est aussi un excellent dessinateur (il a gagné plusieurs prix de dessin lorsqu’il était étudiant) : son trait d’une précision impressionnante procure une émotion infime, qui poursuit la beauté de ses sculptures : des études réalisées au fusain et à la craie, comme des carnets de croquis grandeur nature qui lui servent à assembler ses sculptures.
Citant comme références Jean de la Fontaine ou Esope, la statuaire africaine, Winsor McCay (Little Nemo), Panamarenko pour ses machines, Ron Mueck pour son rapport à l’échelle, ou François Weil pour ses sculptures à la fois massives et aériennes, Quentin Garel ouvre un nouveau chapitre au regard de l’histoire des relations complexes de l’homme avec l’iconographie animalière.

Garel a fait l’objet d’une grande exposition personnelle au Muséum National d’Histoire Naturelle à Paris en 2016, et d’une exposition rétrospective présentée au centre d’art de la Matmut (Normandie) en 2019 et au Domaine de Chamarande (Essone) en 2020. Sa plus récente (et plus complète) monographie est parue chez Albin Michel Beaux Livres en 2019.

[ENG] Quentin Garel is a contemporary sculptor born in Paris in 1975. He lives in Paris and works between his Parisian studio and his larger studio in Normandy. Garel graduated from the Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts de Paris (1998; workshops of Jean Clos and Giuseppe Penone) and was resident at the Casa Velazquez, Madrid, from 1998 to 2000.
Quentin Garel’s work is imbued with the animal world: he is inspired by anatomy, skeletons and archaeological remains to create sculptures with hybrid forms. If he plays with reality and the relationship of scale to divert the forms and invent a population from a parallel paleontological world, at first glance his sculptures are an illusion, they become the remains of a real animal, in a subtle assembly of wood and bronze that he works in such a way that we can not differentiate them with the naked eye. Garel is an archaeologist of the present, who reinterprets the animal figure through a multitude of morphological variations.
It all started 20 years ago, when his work took an ironic look at hunting trophies: he denounced a proud practice of man, a domination over the animal seen only as an object of consumption. His work evolved when he began working with landscapers and architects for public spaces: he began to sculpt animals in all their forms, in a work that is quite figurative but also anamorphic and distant from animal reality. Garel claims to be a sculptor of form rather than concept, between art and science, wood and metal, dental surgery and the unrestrained chainsaw.
Garel was the subject of a major solo exhibition at the Muséum National d’Histoire Naturelle in Paris in 2016, and a retrospective exhibition presented at the Matmut art center (Normandy) in 2019 and at the Domaine de Chamarande (Essone) in 2020. His most recent (and most complete) monograph was published by Albin Michel Beaux Livres in 2019.

NEWS

La première lithographie de Quentin Garel, sur une pierre créée par l’artiste chez IDEM à Paris, est disponible sur notre shop en ligne ici.

COLLECTIONS & PUBLIC COMMISSIONS

2020 Fonds départemental d’art contemporain de l’Essonne (91) : Gorille monumental
2019 Centre-ville d’Arpajon (91) : fontaine de poissons
2019 ‘Les Champignons’, Parc du Champ des Bruyères, Sotteville-lès-Rouen : sculptures monumentales
2013 Place de la Paix, Mulhouse : fontaine de grenouilles
2012 ‘Arbranimal’, Pôle Régional des Savoirs, Rouen : sculpture monumentale pour la Région Haute-Normandie
2011 Centre d’art contemporain de la MATMUT, Rouen : Grand Masque de Gorille
2009 Jardin des Géants, Lille : 23 fontaines
2007 Galleria D’Arte Moderna e Contemporanea Palazzo Forti, Verona, Italie
2006 Parc du Chemin de l’Ile, Nanterre : ensemble de sculptures monumentales pour Conseil Général des Hauts-de Seine
2003 Collections de Saint-Cyprien, Pyrénées Orientales (66)

AWARDS

2023 Prix Taylor en sculpture, Fondation Taylor, Paris
2021 Prix Paul Niclausse de Sculpture de l’Académie des Beaux Arts, Paris
2004 Prix de sculpture, Salon de Mai, Paris
2003 Prix de dessin, Académie des Beaux-Arts, Paris
2002 Prix de sculpture, Fondation COFFIM, Paris
2002 Prix de sculpture, Salon d’art contemporain de Montrouge
2001 23e Prix international d’art contemporain de Monte Carlo
1998-2000 Résident et membre de la section artistique de la Casa Velazquez, Madrid
1995 Prix de dessin, Académie des Beaux-Arts de Paris

SHOWS

2024
Galerie LJ, Paris – ‘Dans la forêt lointaine’ – Solo show

2023
Château du Val Fleury, Gif-sur-Yvette (91) – ‘Anima(l): la fusion des êtres‘ – Group show d’oeuvres sélectionnées parmi le Fonds départemental d’art contemporain de l’Essonne
Galleria Forni, Bologne – 2-person show avec Laurent Chéhère
Galerie Jacques De Vos, Paris – ‘Quentin Garel : Histoire d’une collection’ – Rétrospective de oeuvres de la collection Patrice Peltier
Musée Antoine Vivenel, Compiègne (60) – ‘Quentin Garel’ – Solo show, commissaire d’exposition : Galerie Bayart
Maison Galerie Laurence Pustetto, Libourne (33) – ‘Regards croisés’ – Group show, commissaire d’exposition : Pascal Bouchaille
Cuturi Gallery, Londres – ‘In the Flesh‘ – Solo show

2022
Galerie municipale Robespierre, Grande-Synthe (59) – ‘Mascarade‘ – Solo show
Fondation Taylor, Paris – ‘In choro bestiarum‘ –  Group show, commissariat : La Taille et le Crayon
Galerie Bayart, Château du Plessis-Brion, Compiègne – ‘Sculptures: Parc et Château’ – Group show
Piretti Art Gallery, Knokke – Solo show
Art Madrid, Madrid – Représenté par la Galerie LJ
Arte Fiera, Bologne – Représenté par Galleria Forni
Art Montpellier, Montpellier – Avec AD Galerie
ArtVerona, Vérone – Représenté par Galleria Forni
Pigment Gallery, Barcelona – ‘En chair et en os’ – Solo show

2021
Cuturi Gallery, Singapour – ‘Anomal’ – Solo show

2020
Galerie LJ, Paris – Masquarade – Solo show
Domaine de Chamarande, Essonne (91) – ‘Anomal’ – Retrospective solo exhibition
Art Madrid, Madrid – Represented by Galerie LJ
Arte Fiera Bologna, Bologne – Represented by Galleria Forni
BRAFA, Bruxelles – Curated by Patrice Trigano

2019
Centre d’art contemporain de la Matmut, Saint-Pierre-de-Varengeville (Normandie) – ‘Quentin Garel” – Retrospective solo exhibition
Art Expo Malaysia, Kuala Lumpur – Représenté par Cuturi Gallery – Solo show
Cuturi Gallery, Singapour – ‘Anima Artificialis‘ – Solo show

2018
Galerie LJ @Espace Commines, Paris – ‘Monumentalis‘ – Solo show
Galerie Bayart, Le Touquet – Solo show

2017
Palazzo Tiepolo Passi, Venise – ‘Beauty & The Beast‘ – Double solo show w/ Judi Harvest, curator : Fondation Valmont
Galerie Got, Montreal – ‘En chair et en os’ – Solo show

2016
Museum National d’Histoire Naturelle, Galerie de Paléontologie & Jardin des Plantes, Paris – ‘Le Magicien d’Os‘  – Solo show
Berkshire Museum, Pittsfield, Massachusetts – ‘Art Zoo‘ – Group show

2015
Espace Julio Gonzalez, Arcueil – ‘Gueules de bois‘ – Solo show
Museum d’Histoire Naturelle, Grande Galerie de l’Evolution, Paris – ‘Sur la piste des grands singes‘ – Contribution with 3 large sculptures at the entrance of the exhibition
Galerie LJ, Paris – Solo show

2014
Galerie LJ, Paris  – ‘Kate Clark, AJ Fosik, Quentin Garel’ – Group show
Johnson & Johnson’s, Issy-les-Moulineaux – ‘La Beauté’ – Group show, curator : Marie Maertens
Galerie Duchoze, Rouen – Solo show
Arte Fiera, Bologne – Represented by Galleria Forni
Axelle Gallery, New York – ‘Winter Collective’ – Group show

2013
Galerie LJ, Paris – Solo show
Bertrand Delacroix Gallery, New York – ‘Gueule de bois’ – Solo show
Galleria dell’Incisione, Brescia – ‘Marabù, vizi e virtù’ – Group show
Aida Cherfan Fine Art Gallery, Beyrouth – ‘The Winter Collective Show’ – Group show
Centre d’Art contemporain de Saint Pierre de Varengeville – ‘50ans/50oeuvres’ – Group show
Centre Culturel d’Oyonnax – ‘Dialogue de Bêtes’ – Group show
Arte Fiera, représenté par Galleria Forni, Bologne – Group show

2012
Gremillion Gallery, Houston – ‘Trophy’– Solo show
Galerie LJ, Paris – Solo show
Hôtel de Région Haute-Normandie, Rouen – Solo show
Arte Fiera, représenté par Galleria Forni, Bologne – Group show
Galleria dell’Incisione, Brescia – ‘Bestiario’ – Solo show

2011
Musée Départemental de l’Abbaye de Saint-Riquier, Somme (80) – Solo show
Art Elysées, représenté par la Galerie L.J., Paris – Group show
Arte Fiera, représenté par Galleria Forni, Bologne – Group show

2010
Galerie L.J., Paris – Solo show
Mazel Galerie, Bruxelles – Solo show
Arte Fiera, représenté par Galleria Forni, Bologne – Group show

2009
La Lune en Parachute, Epinal – Solo show
Galerie Daniel Duchoze, Rouen – Solo show
Galerie L.J., Paris – Solo show
Galleria Forni, Milan – Solo show
2e Biennale de Sculpture de Yerres (91), Propriété Caillebotte, curateur: Lydia Harambourg – Group show

2008
Arte Fiera, représenté par Galleria Forni, Bologne

2007
Palazzo Poggi, Bologne – Installation d’une sculpture en parallèle à la Fiera Bologna – Solo show
1ère Biennale de Sculpture de Yerres (91), Propriété Caillebotte, curateur: Lydia Harambourg – Group show
4e biennale d’art contemporain d’Aixe-sur-Vienne. ‘Au-delà du corps’, Centre Culturel Jacques Prévert, Aixe-sur-Vienne (87) – Group show
Palazzo Forti, Vérone – ‘Il Settimo Splendore. La modernità della malinconia’ – Group show

2006
Galerie RL Beaubourg, Paris – Solo show
Art Paris, ‘Garel&Garel’, représenté par Galleria Forni, Paris – Double solo show

2005
Galleria Forni, Bologne – Solo show
Art Paris, représenté par Galerie RL Beaubourg, Paris
Arte Fiera, représenté par Galleria Forni, Bologne
Abbaye de St-Riquier, Somme (80) –  ‘Le cochon, portrait d’un séducteur’– Group show, curator : L. Michaud

2004
Galerie Vent d’Ocres, Paris – Solo show
Galerie RL Beaubourg, Paris – Solo show
Art Paris, représenté par Galerie RL Beaubourg, Paris – Group show
Galleria Forni, Milan – Group show
‘Animalia’, Galleria Forni, Bologne – Group show

2003
Centre d’Art Contemporain de Saint-Cyprien – Solo show
Arte Fiera, représenté par Galleria Forni, Bologne – Group show
Art Paris, représenté par Galerie RL Beaubourg, Paris – Group show
Jardins du Luxembourg, Sénat, Paris – ‘Animal et Territoire’ – Group show

2002
Galerie Vent d’Ocres, Paris – Solo show
Art Paris, représenté par Galerie RL Beaubourg, Paris – Group show
Salon d’Art Contemporain, Montrouge – Group show

2000
‘Encuentro’, Casa Velazquez, Madrid – Group show
Institut de France, Paris – Group show
Centre Culturel Garenne Lemot, Gétigné – Group show

1999
Centro Cultural del Conde Duque, Madrid – Group show
Casa Velazquez, Madrid – Group show
Institut de France, Paris – Group show

1996
Art Institute of Chicago – Group show

PUBLICATIONS
Quentin Garel : Anomal, Catalogue de l’exposition au Domaine du Chamarande du 25 janvier au 29 mars 2020, Editions Anamosa, Paris, 2020
Quentin Garel. Monographie, Albin Michel, Paris, 2019
Quentin Garel Le Magicien d’Os, Catalogue de l’exposition au Muséum National d’Histoire Naturelle du 16 mars au 12 septembre 2016, Paris, 2016
A. Avila, Quentin Garel: Gueules de Bois, Aréa, Paris, 2014
A. Avila, Quentin Garel: Trophées, Aréa, Paris, 2009
Galeria Forni (éd.), Quentin Garel, Milan, 2009
G. Cortanova (curateur, éditeur), Il Settimo Splendore. La modernità della malinconia, Palazzo Forti 25 mars-29 juillet 2007, Vérone, 2007
ArtSénat (éd.), Animal et Territoire, une exposition proposée par Marie Sallantin, Orangerie et Jardins du Luxembourg, 2003, p.106-107
Collections de Saint-Cyprien (éd.), Quentin Garel, St-Cyprien, 2003

PRESSE
Vivre Côté Paris, Archéologie du futur, Virginie Bertrand, décembre 2024-janvier 2025
Colossal, Quentin Garel’s Lifelike Sculptures Transport Us to the ‘Faraway Forest’, 7 novembre 2024
Télérama, Quentin Garel – Histoire d’une collection, Bénédicte Philippe, 30 mai 2023
Colossal, Oversized Animal Sculptures by Quentin Garel Weigh the Prideful Pursuit of Hunting for Sport, 17 novembre 2022
Vivre Côté Paris, Duplex Pigmenté, décembre 2021
AD, Les Cork Bowls de Jasper Morrison revisités par 55 créateurs, 5 novembre 2021
Paris Première, émission J’ai Un Ticket, Quentin Garel : Masquarade, 8-14 février 2021
Arts Magazine, Les ‘Masquarade’ de Quentin Garel, décembre 2020-janvier 2021
Télérama Sortir, Quentin Garel : Masquarade, 16 décembre 2020
Arts Hebdo Medias, Les “anomalités” de Quentin Garel à Chamarande, 7 juin 2020
Télérama Sortir, Quentin Garel : Anomal, 10 février 2020
Grand Paris, Les animaux extraordinaires de Quentin Garel à Chamarande, 3 février 2020
Le Parisien, Quentin Garel déploie son bestiaire fantastique au Domaine de Chamarande, 1er février 2020
So Chic SG, “Explore the animal kingdow at Anima Articifialis: an interview of Quentin Garel“, 8 février 2019
Le Figaro, “L’arche de Noé de Quentin Garel“, Isabelle Blondel, 28 mai 2018
France Fine Art, “Quentin Garel : Monumentalis“, Anne Frédérique Fer, 28 mai 2018, interview audio
Télérama Sortir, “Quentin Garel: Monumentalis“, Bénédicte Philippe, 17 mai 2018
Miroir de l’Art, “Quentin Garel: L’animal sublimé”, n°91, printemps 2018
Sortir à Paris, “Monumentalis: l’exposition des oeuvres monumentales de Quentin Garel“, avril 2018
Télématin, France 2, reportage sur le salon Révélations et interview de Quentin Garel à son atelier, 3 mai 2017
La Presse (Montreal), “Des gueules de bois qui n’en sont pas !“, 1er avril 2017
Télérama Sortir, “De beaux os à ronger”, 17 août 2016
Gazette Drouot, “Quentin Garel le magicien d’os”, par Lydia Harambourg, 30 juin 2016
Ca M’intéresse Hors Série, “C’est là qu’est l’os”, mai-juillet 2016
Télérama, “Le magicien d’os, sculptures de Quentin Garel”, 30 mars 2016
Biba, “Sculptures: le bestiaire de Quentin Garel”, 30 mars 2016
Libération, “Quentin Garel, poésie en os troubles”, par Clémentine Mercier, 21 mars 2016
Fémina, supplément du JDD, “Troublants trophées”, 13 mars 2016
DecorMag (Canada), par Lison Budzin, octobre 2015
La Gazette Drouot, “Quentin Garel: bestiaire”, Lydia Harambourg, 9/11/2012
Palace Costes, “Etonnants créateurs : Quentin Garel, Beauté Animale”, n°41, 2012
ELLE Déco, “L’esprit loft chez un collectionneur”, C. Leboulanger, 2011
La Gazette de l’Hôtel Drouot, “Quentin Garel, bestiaire en liberté”, Lydia Harambourg, 14/01/2011
Libération, “L’oasis pour faune lilloise de Quentin Garel”, F.X. Gomez, 29/06/2009
Figaroscope, “Le bestiaire de Quentin Garel”, Valérie Duponchelle, 2009
La Gazette de l’Hôtel Drouot, “Quentin Garel”, Lydia Harambourg, 05/06/2009, p.302
Artension Hors Série 2, “Ces passeurs d’éternité sont nos repères d’âme”, C. Noorbergen, 2007, p.7
Area Revue(s), “Philippe et Quentin Garel”, D. Le Sergent, 2007, p.132-136
Paris Voice, “Creative Spark”, G. Oliver, 12/2003-01/2004
La Gazette de l’Hôtel Drouot, “Quentin Garel et l’histoire naturelle”, Lydia Harambourg, 12/12/2003
Le Figaro, “Le Jardin des traces de Quentin Garel”, Valérie Duponchelle, 24/10/2003, p.29
L’Indépendant, “Garel, l’artiste à la tête de veau”, J.-M. Collet, 17/07/2003
Le Journal de la Fondation COFFIM, “Quentin Garel”, 5/06/2002
La Gazette de l’Hôtel Drouot, “Quentin Garel”, Lydia Harambourg, n° 20, 17/05/2002
Art Actuel, “Trophée… de poulet”, 05/2002
TELERAMA, “Gueules de bois”, Olivier Cena, 30/04/2002, p.75
press book 2002-2012