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Nous sommes heureux de présenter pour la première fois en galerie à Paris les installations audio-visuelles des artistes Joanie Lemercier et Quayola, dans une exposition consacrée au video mapping et à l’art numérique. Le video mapping est une technique de projection vidéo qui prend en compte les volumes sur lesquels se posent les images, et permet de souligner en lumière certains éléments d’un objet 3D et de l’animer. Technique novatrice utilisée jusqu’à présent pour projeter des animations dans les spectacles de tous types, le video mapping (et l’art numérique par extension) prend peu à peu sa place comme médium artistique à part entière en fonction de la façon dont les artistes le font évoluer.

Quayola (né en 1982 en Italie) est installé à Londres depuis une dizaine d’années. Il utilise simultanément la vidéo, la photographie, le son et la performance live, afin d’immerger totalement les spectateurs dans ses installations. Fasciné autant par la peinture de la Renaissance que par les sculptures antiques, il s’intéresse aux règles qui définissent les caractéristiques visuelles des œuvres classiques : leurs couleurs, leurs proportions, leurs formes et leur composition. Ainsi Quayola cherche à décontextualiser ces images iconiques, en les regardant sous différents angles. Il joue sur des tensions et des collisions improbables, pour créer des rencontres harmonieuses entre le réel et l’artificiel, le figuratif et l’abstrait, l’ancien et le nouveau. A travers ses projections, Quayola explore donc l’ambiguïté du réalisme dans le domaine numérique.
Il a montré ses installations dans des lieux aussi divers que le Palais des Beaux Arts de Lille, La Gaité Lyrique (Paris), Victoria & Albert Museum (London), l’Eglise Saint-Eustache (Paris), le MAC Créteil (Paris), le Museo Nacional de Barcelona, la Cité de la Musique (Paris), Troyka (Moscow), le MU (Eindhoven),… Récemment en 2013, il a collaboré avec la pianiste classique Vanessa Wagner sur une mise en image poétique de la musique de Ravel.
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Artiste visuel spécialisé dans la projection mapping, Joanie Lemercier (né en 1982 en France) explore comme Quayola différentes formes pour formuler ses propositions. Membre fondateur du label AntiVJ, qu’il a quitté début 2014 pour lancer son propre studio, Lemercier s’est en effet peu à peu éloigné du Vj-ing pour se tourner vers la scénographie, les installations numériques et la projection architecturale. Lemercier incorpore ses images dans les reliefs de l’espace où il s’installe, en créant des distorsions, des mouvements et des jeux d’illusion, pour tromper l’œil des spectateurs et jouer avec leur perception de la réalité. Il anime en 3D ce qui n’a que deux dimensions.
Parmi de multiples interventions en tant qu’artiste invité,  il a notamment projeté ses installations au Grand Palais à Paris (2009, “Light Canvas“, soirée de lancement de la revue L’Architecture d’Aujourd’hui) ; au festival des Nuits Sonores à Lyon (2012, avec son collectif AntiVJ). En 2013 il a été l’un des nominés du premier Prix Cube avec son installation “Eyjafjallajökull“, une incarnation de cartographie audiovisuelle sous forme de mapping, inspiré par le volcan islandais qui perturba le trafic aérien international en avril 2010. Il a récemment produit en décembre 2013 pour le rappeur Jay-Z les installations audio-visuelles des vitrines et du pop-up store de sa collection capsule présentée chez Barney’s New York.
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La galerie célèbre le Mois du Dessin à Paris avec une sélection d’artistes travaillant sur papier, en parallèle à notre participation fin mars à Drawing Now Paris l Le Salon du dessin contemporain (+ d’infos).

Avec : Allyson Mellberg (nouveaux dessins) ; Anne Geoffroy (nouvelle série “Branche Morte”) ; Antoine Corbineau (nouvelles peintures sur papier) ; Clara Fanise (nouvelle série “Dessins de pluie) ; Frédérique Vernillet (1ère participation à une exposition à la galerie) ; Jérémy Schneider (1ère participation à une exposition à la galerie) ; Motomichi Nakamura (nouveaux dessins) ; Tangent Lin (qui sera notre focus sur notre stand à Drawing Now).

Pour sa 4e participation au salon du dessin contemporain “Drawing Now“, la Galerie LJ sera présente dans le secteur “Référence” (RDC), STAND A11, au Marché du Carreau du Temple, Paris 3e, avec des oeuvres sur papier de Tangent Lin, Antoine Corbineau, Clara Fanise et Allyson Mellberg.

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du 22 octobre au 20 novembre 2013
from October 22 thru November 20th 2013

Lire l’interview de Brendan Monroe à l’occasion de sa nouvelle exposition sur le site Emporiums.

La Galerie LJ est heureuse de présenter « Turning », la 3e exposition à Paris de l’artiste américain Brendan Monroe (né en 1980). Cette nouvelle exposition comprend un ensemble de peintures sur papier inédites ainsi que des sculptures.
Dans la continuité de l’évolution de son travail au cours de ces trois dernières années vers un univers plus contemplatif, avec des paysages épurés, presque abstraits, Monroe poursuit le développement du mouvement de rotation dans ses peintures.
En effet il est partout question de mouvement dans son travail, qui figure des actions lentes mais actives, à l’image de ce qui se passe autour de nous, où les choses sont toujours dans une sorte de perpétuel mouvement rotatif à partir d’un point pour aller vers un autre point.
Les oeuvres de cette exposition figurent principalement des gouttes, des choses en fusion, qui se mélangent, qui sont en mouvement. On y retrouve l’idée de création, d’éléments qui changent de forme, qui se dissolvent ou se détruisent pour devenir autre chose. Brendan Monroe illustre à sa façon la maxime « Rien ne se perd, tout se transforme ».

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jusqu’au 19 octobre 2013
through october 2013

Pour la rentrée 2013 la Galerie L.J. présente : « PAPER WORKS: CLARA FANISE | TANGENT LIN | EVAH FAN », une exposition consacrée à trois jeunes femmes artistes travaillant sur papier, offrant la possibilité d’apprécier différentes formes d’approches figuratives de ce support à la lumière des styles personnels de chacune d’entre elles.

Clara Fanise (Bruxelles, née en 1983) travaille à remettre en cause les habitudes de la représentation occidentale. Elle affine sa réflexion sur la permutation entre l’artiste et le spectateur en illustrant de manière particulièrement littérale l’idée selon laquelle le spectateur aussi fait l’œuvre. Grace à son outil préféré – le crayon de couleur, elle sait donner à ses dessins un rendu particulièrement détaillé et réaliste.

Lin Tien Chun alias Tangent Lin (Taiwan, née en 1983) travaille au feutre à bille de type Rotring avec la pointe la plus fine possible pour peupler ses feuilles de papier de personnages étranges voire monstrueux, qui se croisent et se rencontrent dans des situations incongrues. On retrouve dans ses dessins l’influence de la tradition des estampes chinoises, souvent ponctuées de quelques lignes de texte à côté des personnages, ainsi que l’esprit des bestiaires de Jérôme Bosch.

Les gouaches d’Evah Fan (San Francisco, née en 1980) offrent un discours poétique et narratif et se composent bien souvent d’un minimum de personnages et de quelques objets. Elles reflètent l’absurde et le comique, exprimés avec une petite dose d’ironie. L’artiste influencée par l’illustration humoristique et/ou critique apporte un soin particulier au choix des titres de ses peintures, qui donnent alors tout leur sens à l’image et les transforment en une sorte de petit dicton illustré.

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du 4 juillet au 3 août 2013 | july 4th thru august 3rd 2013

La Galerie LJ est heureuse de présenter « The Springboard » (Le Plongeoir), la première exposition solo d’Antoine Corbineau à Paris. Après sa participation remarquée au Salon de Montrouge en 2011 ainsi qu’à plusieurs expositions collectives à la galerie, Antoine présentera le fruit d’une année et demi de travail avec un ensemble de peintures sur papier et sur toile.
Le point de départ de cette exposition est l’extrait d’un texte d’Henry Miller (The Cosmological Eye, 1939) : « Au moment où je m’étais élancé du plongeoir, j’avais eu l’impression de quitter la terre pour toujours. Je me fichais royalement de me noyer (…) Quel sentiment merveilleux que de s’envoler en laissant derrière soi cet immonde fatras qu’on glorifie du nom de civilisation. A l’instant où j’avais refait surface, il m’avait semblé voir le monde avec un regard neuf. Plus rien n’était pareil. Les gens paraissaient étrangement lointains et détachés; ils étaient posés çà et là, comme des phoques se séchant au soleil. Ce que je voudrais faire comprendre, c’est qu’ils me semblaient totalement dépourvus de signification. Ils faisaient simplement partie du paysage, comme les rochers, les arbres et les vaches dans les prés ».
Ainsi, les peintures présentées dans cette exposition (sur papier et sur toile), tout comme l’ensemble du travail d’Antoine Corbineau, proposent une vision de la nature comme elle est réellement, cosmique, c’est à dire une nature où l’homme n’est qu’un de ses composants. Les personnages représentés, comme dans la vision d’Henry Miller dans les eaux grecques, semblent s’extraire de leur place sur terre. C’est à la fois accepter de plonger, perdre ses repères, de fondre dans la matière et n’en devenir qu’un morceau indéfini.

4 mai – 25 juin 2013 | may 4th – june 25th 2013
une proposition de | curated by Marco Costantini
avec | with :
Omar Ba | Elise Gagnebin-de Bons | Annaïk Lou Pitteloud | Ana Roldan | Sandrine Pelletier

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La Galerie L.J. met à l’honneur la jeune création d’origine ou formée en  Suisse en invitant le commissaire d’exposition Marco Costantini (Ecole cantonale d’art du Valais) à proposer une exposition pour laquelle il a choisi de réunir les peintures sur carton ondulé d’Omar Ba (formé au Sénégal puis à Genève) ; les sculptures de Sandrine Pelletier (diplômée de l’ECAL, Lausanne) ; les dessins d’Ana Roldán (formée au Mexique puis à Bern) ; les vidéo et installations d’Annaïk Lou Pitteloud (diplômée de la HKB, Bern) ; et les collages d’Elise Gagnebin-de Bons (diplômée de l’ECAL, Lausanne).

“Last Exit to Ordalia” prend comme point de départ un recueil de nouvelles de l’auteur américain Hubert Selby Junior intitulé Last Exit to Brooklyn. L’auteur y relate à travers plusieurs personnages le désoeuvrement dans le quartier de Brooklyn dans les années 50. Ce qui est à relever dans ce récit et qui est l’un des points de départ du projet de l’exposition est de questionner la relation entre pauvreté spirituelle et misère économique, entre victimisation et responsabilité. L’ordalie est quant à elle un mode archaïque de preuve en justice basé sur le jugement de Dieu. Il consiste à soumettre les plaidants à une épreuve physique dont l’issue, établie par Dieu, désigne la personne innocente ou coupable.
Riche ou pauvre, dominant ou dominé, innocent ou coupable, Ordalia tranchera. Ne loupez pas la sortie !

OMAR BA est fasciné par tout ce qui touche au pouvoir, ses costumes et ses oripeaux. Centré principalement sur l’histoire de l’Afrique, le travail d’Omar Ba questionne les relations complexes entretenues entre les différentes populations du continent et la dictature ou le colonialisme. Jamais réaliste ou simplistes, les œuvres d’Omar Ba nous entraine davantage dans des représentations énigmatiques et poétique sur fonds tantôt noir tantôt blanc. Qu’il s’agisse de traiter des tirailleurs – les soldats venus du Sénégal pendant la Deuxième Guerre mondiale pour secourir les Français – ou d’excision, les peintures d’Omar Ba tentent comme elles le peuvent de régler les injustices du passé comme du présent. C’est dès lors l’artiste, et lui seul, qui décerne les médailles.

L’association des pratiques artisanales ou folkloriques avec les expériences et outils des artistes de l’art minimal et conceptuel confèrent aux œuvres de SANDRINE PELLETIER un effet d’inquiétante étrangeté. Décalage, illusionnisme et trompe l’œil sont de plus des figures de style que l’on retrouve à plusieurs reprises dans son travail. Elles sont les rouages d’une vision d’ensemble que l’artiste a sur sa pratique et qu’elle souligne à travers des mises en scène qui ne laissent aucune place au hasard.

Protéiforme, le travail d’ELISE GAGNEBIN-DE-BONS se développe généreusement tant sur l’axe vertical de l’art, soit sa dimension historique, que le long de l’axe horizontal, définissant quant à lui sa dimension sociale. Si la réalité semble bien être un élément crucial de son travail, elle prend forme dans son intérêt pour le phénomène de société – violent le plus souvent – et la marginalité. Elise Gagnebin-de Bons travaille dès lors le réel afin non seulement de réveiller notre conscience mais davantage de questionner la portée critique et politique de l’art aujourd’hui. Son œuvre TIP TAP OIL présente une danseuse qui exécute une double action: celle de danser et celle de déverser sur elle- même le liquide, en l’occurrence de l’essence. Cette dernière se rapporte à un fait d’actualité politique récurent dans l’histoire contemporaine: l’immolation. Ce phénomène est en effet survenu à plusieurs reprises dans l’histoire (Moine vietnamien bouddhiste à Saigon en 1963, Jan Pallach à Prague en 1969, Alfredo Ormando à Rome en 1998), et encore récemment avec celle de Mohammed Bouazizi en janvier 2011 en Tunisie qui a été un élément déclencheur de la révolution du Printemps Arabe. Il a depuis encore été commis à Thessalonique et à Tel Aviv.

On a souvent tendance à vouloir définir ANNAIK LOU PITTELOUD comme étant une photographe tant elle a utilisé ce médium. Pourtant, elle a réalisé en parallèle à ses prises de vue une série de pièces qui se rapprochent davantage d’une approche conceptuelle. La dilatation et la compression de l’espace et du temps sont néanmoins communes. Si l’usage de la photographie dans Prototype et Sequence renégociait notre relation au réel, la video Non-Specific Target (2010) interroge nos système d’identification et nos modèles de représentations et de transcription quels qu’ils soient. D’autres pièces questionnent notre rapport à la surveillance, à l’insurrection et au(x) contrôle(x) dont nous faisons l’objet.

Pour son installation à la galerie, ANA ROLDAN s’est inspirée de l’artiste conceptuel nord-américain James Lee Byars (1932-1997). De son travail « How to do Shakespeare », composé d’exactement 1000 et 1 phrases, elle a extrait l’assertion « We are all the same person » au début de laquelle elle a ajouté « In terms of nature ». Roldán a apposé cette sentence sur un papier peint aux motifs gris, sur lequel, en observant plus attentivement, on distingue la forme d’une colonne vertébrale et d’une cage thoracique, ainsi qu’un bananier. L’énigme que cet assemblage inspire à première vue fait écho à la polysémie de références symboliques qui émane de la sentence ouverte de Byars. Notre origine et notre identité, voire le rapport entre l’être humain et la nature pure et simple, sont ici remis en question. Nous sommes tous égaux de nature, malgré des apparences et des imprégnations culturelles très différentes. Roldán crée autour de l’invitation à la poésie de Byars un dialogue entre la phrase source et sa ré-appropriation artistique, et relie subtilement par le fait-même réflexion et perception sensuelle.

13 mars – 27 avril 2013 | march 13  – april 27 2013

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Catalogue des oeuvres disponibles / Catalogue of available artworks

La Galerie L.J., en collaboration avec Le Grand Jeu, est heureuse de présenter une exposition collective sur les valeurs montantes de l’art urbain italien, avec une sélection d’artistes qui en sont représentatifs. Avec : Moneyless, Tellas,Pane et Agostino Iacurci.
En italien, Paragone signifie comparaison. L’exposition « Paragone – Formes et couleurs de l’art urbain italien » invite le spectateur à analyser son propre regard, pour reconnaître et démasquer ses préjugés visuels, en observant et en comparant les œuvres de quatre artistes, qui  fondent leur démarche sur le coloris – Agostino Iacurci et Pane – ou sur le dessin – Moneyless et Tellas.

Our current show Paragone is dedicated to the various shapes of Italian street art and graffiti, with the artists Moneyless, Tellas,Pane and Agostino Iacurci, curated by Christian Omodeo for Le Grand Jeu

26 janvier – 27 février 2013 | january 26 – february 27
vernissage samedi 26 janvier, 15h-21h

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“Merci pour les robes”, c’est ce qu’il aurait pu lui dire vu le défilé printemps-été 2011 qu’elle lui a offert pour le séduire. Car elle est tombée amoureuse. Mais pas lui. Avec cette nouvelle exposition très personnelle, Anne Geoffroy nous raconte l’histoire d’un “rateau” avec douceur et humour, via une nouvelle série de dessins et d’installations.

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