Pour notre 3e participation au salon DDESSIN, nous présentons un ensemble d’oeuvres récentes ou inédites de :

Lucile Piketty ● Rithika Merchant ●  Swoon ● Tangent Lin ● Allyson Mellberg

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[FR]

La Galerie LJ est heureuse d’accueillir l’artiste américaine Lily Wong pour sa toute première exposition personnelle en France. Elle y présentera une dizaine d’oeuvres sur papier inédites, ainsi qu’une lithographie sur une pierre créée et imprimée chez IDEM, au cours d’une résidence à Paris en ce printemps 2022.
Lily Wong (née en 1989) est diplômée en gravure (Rhode Island School of Design, Providence, 2011) et en peinture (CUNY Hunter College, New York, 2020). Elle fusionne des références spirituelles à la vie contemporaine, avec l’imagerie classique de l’Asie de l’Est. Les personnages qui occupent son œuvre ont des traits exagérés et les émotions illicites qui consomment une grande partie de la vie contemporaine : anxiété, peur, amour, perte. Avec une formation en gravure, Wong a un don quasi électrique pour animer une composition par la couleur et la narration.
“The Beginning Place” fait référence au titre de la nouvelle d’Ursula K. Le Guin (1980), dans laquelle il est question de mondes parallèles, de porte vers une autre vie, de seuil vers une existence alternative. Lily Wong envisage ainsi ce « lieu de départ » comme celui d’un nouveau cycle, d’une transition, à l’image de sa carrière artistique qui a débuté une nouvelle phase depuis 2020. Dans la continuité de ses oeuvres produites en 2021, où la couleur est désormais dominante, Wong évoque dans sa nouvelle série de peintures la façon dont l’être humain est perpétuellement attiré par ce qui lui semble inaccessible. Ses personnages semblent en suspens entre deux possibles: ils touchent du doigt sans réussir à attraper, à atteindre.
Cet ensemble propose également une approche cinématographique des images de l’artiste, qui semblent tirées de films. Lily Wong s’est très largement plongée dans le décor des films de Wong Kar Wai, leur lumière, et la façon dont ils retranscrivent la ville de Hong Kong, dont est originaire son père. Ce dernier a transmis à sa fille une vision nostalgique de l’île, qu’il a quitté très jeune, une vision probablement idéalisée et fabriquée à partir de souvenirs parcellaires. Cette nostalgie de Hong Kong que Lily Wong a fini par faire sienne, la renvoie à cette quête de l’inaccessible, les films de Wong Kar Wai la projetant au seuil de ses origines, sans pouvoir se les approprier complètement.
Des éléments symboliques récurrents dans le travail de Lily Wong, forment le fil narratif entre toutes ses peintures : le pendentif en jade, l’arbre, la corde, la Lune, la couleur rouge. Ils constituent une ornementation visuelle connectant une image à l’autre.  

[ENG]
We are thrilled to welcome New York-based artist Lily Wong for her very first solo exhibition in France, and at the gallery. She will present a new body of works on paper, as well as a lithograph made at IDEM in Paris.
Lily Wong (1989, lives and works in Brooklyn) graduated in Printmaking at Rhode Island School of Design, Providence, in 2011, and Painting at CUNY Hunter College, New York, in 2020. She fuses witty references to contemporary life with classical East Asian imagery. The figures which occupy Wong’s work have exaggerated features and illicit emotions that consume much of modern life: anxiety, fear, love, and loss. With a background in printmaking, Wong has an electric ability to enliven a composition with color and narrative.
“The Beginning Place” refers to the title of Ursula K. Le Guin’s novel (1980), which is about parallel worlds, a portal to another life, a threshold to an alternative existence. Lily Wong sees this “Beginning Place” as the beginning of a new cycle, a transition, just like her artistic career, which has begun a new phase since 2020.
In the continuity of the works she produced in 2021, where color is now dominant, Wong examines in her newest series the way in which the human being is perpetually attracted by what seems inaccessible. Her characters seem to be on hold between two possibilities: they are touching something out reach, they are longing for something without being able to reach it. They are  trying to put pieces together that do not fit together.
This new body of works also suggests a cinematographic approach to the artist’s images, similar to movie stills. Lily Wong immersed herself extensively in Wong Kar Wai’s films, their light, and the way they depict the city of Hong Kong, where her father was born. Her father passed on to his daughter a nostalgic vision of the island, which he left at a very young age, a vision probably idealized and fabricated from fragmented memories. This nostalgia for Hong Kong, which Lily Wong ended up making her own, sends her back to this quest for the unattainable, as Wong Kar Wai’s films project her to the threshold of her origins, without being able to appropriate them completely.
Recurring symbolic elements in Lily Wong’s work form the narrative thread between all her paintings: the jade pendant, the tree, the rope, the moon, the color red. They create a visual ornamentation connecting one image to another.

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[FR]
Le group show “Bridges” réunit le travail de quatre artistes émergents aux origines diverses : deux artistes françaises, Emilie Picard et Lucile Piketty, et deux artistes singapouriens, Faris Heizer et Aisha Rosli.
Ils nous proposent un regard sur le monde qui les entourent à travers le prisme de la figuration, principalement en peinture.

Faris Heizer (1998, vit et travaille à Singapour) peint les récits de personnages caricaturaux dans un état de douleur, de désespoir et d’impuissance. Ces personnages existent dans une réalité qu’il s’approprie à partir de romans de fiction et de dessins animés. Il saisit le comportemental et le performatif pour correspondre à son enquête soutenue sur l’organisation sociale de notre société contemporaine. Heizer travaille autant à l’huile qu’à l’acrylique. Découvert par la Cuturi Gallery à Singapour, il s’agit, avec “Bridges”, de la 1ère exposition en France pour Faris Heizer. Le travail de Faris Heizer a été exposé fin 2021 chez Tang Contemporary à Beijing aux côtés de Rodel Tapaya, Entang Wiharso, Eko Nugroho, entre autres.

Les objets représentés par Émilie Picard (1984, vit et travaille à Strasbourg) semblent avoir attendu longtemps dans les recoins d’un endroit oublié. Ils décoraient des espaces ou racontaient des histoires sur des scènes de théâtre, avant de tisser à présent leur propre narration. Délivrés de leur rôle premier, ils s’assemblent, se complètent et interagissent en un spectacle statique et silencieux sur fond de fresques antiques altérées par le temps. Emilie Picard a présenté fin 2021 un solo show au GEDOK Stuttgart, Abstandsmeister, suite à la résidence qu’elle y a faite courant 2021.

Lucile Piketty (1990, vit et travaille à Paris) pratique autant la gravure que la peinture à l’huile, en passant ponctuellement par l’illustration. Diplômée de l’École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs (2015), son atelier est actuellement basé à Poush Manifesto (Clichy). Dans son travail, Lucile Piketty conjugue l’ordinaire et le banal de sa vie avec une dimension tant étrange, merveilleuse qu’hallucinatoire. Oscillant entre contrôle et hasard, elle représente et matérialise des strates temporelles, celles de l’oubli et de la mémoire. Sans neutralité, ses paysages basculent de la ville à la forêt, entre nature et histoire, entre végétal et béton.

Faisant référence à Francis Bacon et Egon Schiele, ou à des contemporains comme Marlene Dumas, Aisha Rosli (1997, vit et travaille à Singapour) inscrit son travail dans la tradition de la peinture figurative. Son approche intuitive de la peinture l’amène à explorer l’identité féminine et les relations entre les sexes. Explorant les thèmes de la solitude, de la dissimulation, de la proximité et du désir, elle représente des personnages qui habitent des scènes et des situations construites et qui se penchent vers l’étrange. Rosli travaille principalement avec de l’acrylique et des bâtons d’huile. Découverte par la Cuturi Gallery à Singapour, il s’agit, avec “Bridges”, de la 1ère exposition en France pour Aisha Rosli.

[ENG]
The group show “Bridges”  brings together the work of four emerging artists from diverse backgrounds: two French artists, Emilie Picard and Lucile Piketty, and two Singaporean artists, Faris Heizer and Aisha Rosli. They offer us a look at the world around them through the prism of figuration, mainly in painting.

Faris Heizer (1998, lives and works in Singapore) paints the narratives of the caricatured figures in the state of pain, despair, and hopelessness. These characters exist, appropriated from various fictional novels and cartoon shows. Heizer captures the behavioral and the performative to correspond with his sustained investigation into the social organization of our contemporary society. Heizer works in both oil and acrylic. Discovered by Cuturi Gallery in Singapore, this is the first time that the work of Faris Heizer is exhibited in Paris.

The objects depicted by Émilie Picard (1984, lives and works in Strasbourg, France) seem to have waited a long time in the recesses of a forgotten place. They used to decorate spaces or to tell stories on theatrical stages, before weaving their own narrative. Freed from their primary role, they assemble, complete each other and interact in a static and silent show against a background of antique frescoes altered by time. Picard recently had a solo show at GEDOK-Stuttgart in Germany, Abstandsmeister.

Lucile Piketty (1990, lives and works in Paris) works in both printmaking and oil painting, and occasionally illustration. She graduated from École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs in 215 and is her studio is currently settled at Poush Manifesto just outside Paris, a well-known hub of emerging artists. In her work, she combines the ordinary and daily routine with a strange, marvelous and hallucinatory dimension. Oscillating between control and luck, Piketty represents and materializes temporal levels, those of oblivion and memory. Her landscapes shift from the city to the forest, between nature and history, between vegetation and concrete.

Referencing Francis Bacon and Egon Schiele, as well as contemporaries such as Marlene Dumas, Aisha Rosli (1997, lives and works in Singapore) works within the tradition of figurative painting. Her intuitive approach to painting leads her to exploring the female identity and gender relations.
Exploring themes of solitude, concealment, proximity and desire, she presents figures inhabiting constructed scenes and situations that pander towards the uncanny. Rosli primarily works with acrylic and oil sticks. Discovered by Cuturi Gallery in Singapore, this is the first time that the work of Aisha Rosli is exhibited in Paris.

Pour sa 2e participation à la foire Art Madrid, la galerie propose un stand 100% français consacré au travail de Léo Caillard, Quentin Garel, Julien Primard et Murmure. L’oeuvre Venus Sine de Léo Caillard a été sélectionnée par la foire pour représenter toute la communication de son édition 2022.
Pour Art Madrid 2022, notre stand a reçu le soutien du CNAP / Soutien aux galeries à la valorisation de la scène française à l’internationale.

Horaires d’ouverture 
mercredi 23 février 11h-21h : VIP preview
du jeudi 24 au dimanche 27 février 11h-21h : ouverture au public

Adresse : 
Galería de Cristal del Palacio de Cibeles
C/ Montalbán 1, junto a Plaza de Cibeles
Madrid
Accès : 
Metro: Banco de España

+ infos : www.art-madrid.com/es/informacion

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Vernissage samedi 29 janvier, 14h30-20h, en présence des artistes. 

[FR]
Pour commencer l’année 2022 en fanfare, à contre-courant des nouvelles sanitaires et du froid hivernal, la galerie présente l’exposition collective “The Ballroom”, ode à la vie et à la fête ! La conception de cette exposition fut initialement inspirée par le décor grandiose et l’ambiance du Grand Salon baroque du Palazzo Valguarnera-Gangi (XVIIIe siècle) à Palerme en Sicile, connu pour avoir servi de décor dans le film Le Guépard de Visconti (1963) avec Alain Delon et Claudia Cardinale. Il Gattopardo (1958), le roman original de Giuseppe Tomasi di Lampedusa, relate le déclin de la noblesse et des “guépards”, bourgeois palermitains au XIXe siècle, propriétaires de ces palais aujourd’hui plus ou moins décatis du centre-ville de Palerme, dont on devine la grandeur passée.
La Galerie LJ fait revivre l’époque des guépards et vous invite à son bal baroque et flamboyant ! Venez à la rencontre des invités de la peintre suédoise Heidi Ukkonen, goûter aux appétissants et juteux délices de la peintre allemande Mona Broschár, converser avec les fantastiques oiseaux brodés des designers italien et israélien, parisiens d’adoption, Maurizio Galante & Tal Lancman, ou encore, plonger dans le décor insolite tout en céramique délicate du plasticien français Etienne Pottier.
La sélection d’objets de design proposée par Tools Galerie complètera l’expérience et habillera notre salle de bal lampes Light Bulbs de Pieke Bergmans, d’une tapisserie Drag-in Drag-on de Christian Lacroix, de la chaise Clay Chair de Maarten Baas, d’un tabouret Nougat du Studio Högl Browski, et d’un lustre en fil barbelé de Tove Adman. 

[ENG]
To start the year 2022 with a bang, against the tide of sanitary news and the winter cold, Galerie LJ presents the group exhibition “The Ballroom”, an ode to life and celebration! The conception of this exhibition was initially inspired by the grandiose decor and atmosphere of the Grand Salon Baroque of the Palazzo Valguarnera-Gangi (18th century) in Palermo, Sicily, known for having been used as a set in Visconti’s ball scene in Le Guépard (1963) with Alain Delon and Claudia Cardinale. Il Gattopardo (1958), the original novel by Giuseppe Tomasi di Lampedusa, tells the story of the decline of the nobility and of the “cheetahs” (gattopardi), Palermo’s bourgeoisie in the nineteenth century, owners of these palaces, now more or less decayed, in the center of Palermo, whose former grandeur can be guessed.
Galerie LJ brings the era of the Gattopardi back to life and invites you to its baroque and flamboyant ball! Come and meet the guests of Swedish painter Heidi Ukkonen, taste the appetizing and juicy delicacies of German painter Mona Broschár, converse with the fantastic embroidered birds of Italian and Israeli designers, Parisians by adoption, Maurizio Galante & Tal Lancman, or plunge into the unusual decor of delicate ceramics of French artist Etienne Pottier.
The selection of design objects offered by Tools Galerie will complete the experience and dress our ballroom with Light Bulbs lamps by Pieke Bergmans, a Drag-in Drag-on tapestry by Christian Lacroix, the Clay Chair by Maarten Baas, a Nougat stool by Studio Högl Browski, and a barbed wire chandelier by Tove Adman.

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La galerie présente le premier solo show du plasticien parisien Léo Caillard en ses murs du 4 décembre 2021 au 22 janvier 2022. Outre sa série Hipsters In Stone qu’il continue d’explorer grâce aux techniques contemporaines qui viennent soutenir la sculpture traditionnelle, Caillard présentera un ensemble de pièces inédites en marbre, issues de ses plus récentes séries Wave Stone et VR, ainsi qu’une série de peintures à l’huile. En parallèle, Léo Caillard continue à développer sa pratique des new media, avec la sortie récente de plusieurs animations 3D sous la forme de NFT, disponibles sur SuperRare.

[FR]
Léo Caillard (né en 1985) vit et travaille à Pantin. Diplômé des Gobelins en 2008, il poursuit des études d’histoire de l’art et pratique la photographie dans un premier temps, tout en s’intéressant à la modélisation 3D et aux nouveaux médias. Depuis ses débuts en 2009, sa démarche plastique questionne sur notre rapport au temps et la façon dont nous inscrivons notre époque contemporaine au cœur de l’Histoire.
Passionné par les sciences et particulièrement par la notion du temps, c’est à travers une carrière artistique que Léo Caillard décide de s’exprimer : “Mes yeux ont toujours cherché à observer le monde pour en découvrir le sens et les codes. Je pensais qu’une compréhension méthodique à travers la science apporterait les réponses, mais l’aspect artistique et conceptuel a finalement prévalu”.
Le grand public découvre son travail en 2012 avec sa série de photographies et d’installations Hipsters in Stone, où il habille de tenues actuelles et d’accessoires modernes des moulages de sculptures antiques du Louvre, suite de quoi le musée lui donnera accès à l’ensemble de son catalogue de moulages. Par la suite il transpose ses montages photographiques sur marbre : la série Hipsters In Stone prend vie en 3 dimensions grâce à la modélisation et la sculpture, sur un matériau traditionnel. Depuis 2020, sa série Wave Stone, une réflexion sur la torsion et la statuaire antique, complète son travail plastique en 3 dimensions.
L’anachronisme des sculptures de Léo Caillard nous invite à réfléchir au présent, à la lumière de notre passé.

[ENG]
French visual artist Léo Caillard (b. 1985) lives and works in Paris. After graduating from Les Gobelins school of visual art in Paris (2008), he studied art history and started to practicing photography while carrying out researches in the realm of 3D and new media. Since his early beginnings in 2009, Caillard invites the viewer to take a fresh look at our era, open to history, in order to rethink our future.
Inspired by science and the concerns of our contemporary society, Leo Caillard toys with our relationship with time.He belongs to this new generation of artists associated with the significant changes that have been taking place since the 2000s with the dawn of the digital age and the new concerns of societies. A proponent of new technologies and science, his interests lay in exploring time and quantum physics, eventually leaving the world of numbers and expressing his investigations through a career in art.
The public discovered his work in 2012 with his series of photographs and installations Hipsters in Stone, where he dressed up with current outfits and modern accessories, casts of antique sculptures at the Louvre. The museum later granted him access to its entire catalogue of casts. Then he adapted his photographies on marble: the Hipsters In Stone series came to life in 3 dimensions thanks to 3D modelling and sculpture, on a traditional material. Since 2020, his Wave Stone series, a work on torsion and antique statuary, completes his works in 3 dimensions.
The anachronism of Léo Caillard’s sculptures makes us reflect on the present in the light of our past.

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[FR]
La galerie est heureuse de recevoir l’artiste chinois-américain Mu Pan pour sa 4e exposition personnelle en nos murs. Fait notable depuis son dernier passage à Paris en 2019, l’artiste bénéficie enfin d’une magnifique première monographie publiée fin 2020, couvrant toute l’étendue et la richesse de son travail (American Fried Rice: The Art of Mu Pan, éditions Abrams, New York).
Mu Pan, c’est la rencontre entre Jérôme Bosch, Kuniyoshi et Marvel Comics. Il est connu pour ses grandes peintures épiques et narratives, faisant le grand écart entre références à l’Histoire de la Chine et du Japon, et pop culture américaine. Mu Pan naît à Taiwan en 1976 dans une famille originaire de Chine continentale. Il quitte l’île pour New York, où il émigre avec ses parents en 1997 lorsqu’il a 21 ans. Repartant de zéro avec sa famille, il adhère à la culture américaine (dont il était peu familier jusqu’alors) tout en restant profondément attaché à ses origines. Son adolescence taiwanaise infusée de mangas japonais, de romans Wuxia et de films de kung-fu hong-kongais, marque encore son travail aujourd’hui (le titre de sa nouvelle exposition parisienne est d’ailleurs emprunté à une fameuse réplique de Bruce Lee dans «Enter The Dragon»). Devenu citoyen américain, Mu Pan revendique ses multiples identités culturelles dans ses peintures, souvent jusqu’au paradoxe.
Après un bref passage ces deux dernières années vers un modèle de narration plus contemplatif, moins mouvementé (au premier degré) quoique tout aussi dense que d’habitude, les vieux démons de la castagne ont rattrapé Mu Pan, qui nous embarque pour cette nouvelle exposition dans de fantastiques batailles navales. Chaque exposition est, en somme, une nouvelle aventure de Mu Pan, un nouveau chapitre.
Trois nouvelles peintures sur panneau de bois (137 x 91cm) présentent trois bateaux pirates différents, assiégés et attaqués par de multiples créatures aquatiques, monstres marins, brigands, corsaires, soldats, yakuzas, ninjas, qui s’étripent, s’empoignent, se pourfendent ou se mangent, dans un joyeux bazar chorégraphié où seules les sirènes semblent échapper au massacre. Une 4e peinture sur panneau («Peaches», 127 x 152cm) vient compléter cet ensemble, mettant en scène une des thématiques favorites de Mu Pan : des singes facétieux dans un environnement mi-bucolique, mi-lubrique, poursuivant des petites pêches dodues et peu farouches…

[ENG]
The gallery is pleased to welcome Chinese-American artist Mu Pan for his 4th solo show in Paris. Since his show in Paris in 2019, his very first monograph book was published in October 2020, covering most of his production between 2014 and 2020 (American Fried Rice: The Art of Mu Pan, Abrams, New York).
Mu Pan is the meeting between Hieronymus Bosch, Kuniyoshi and Marvel Comics. He is known for his epic, narrative paintings, jumping between references to the History of China and Japan, and American pop culture. Mu Pan was born in Taiwan in 1976 into a family from mainland China. He left the island for New York City, where he emigrated with his parents in 1997 when he was 21 years old. Starting from scratch with his family, he embraced American culture (of which he was unfamiliar until then) while remaining deeply attached to his roots. His teenage in Taiwan was infused with Japanese manga, Wuxia novels and Hong Kong kung fu movies. These references still mark his work today – the title of his new Parisian exhibition is actually borrowed from a famous quote by Bruce Lee in «Enter The Dragon». Now an American citizen, Mu Pan openly plays his multiple cultural identities in his paintings.
Over the past two years he briefly tried a more contemplative narrative way of painting, with less movement, although just as dense as usual. But the old demons of war caught up with Mu Pan, who embarks us, for this new exhibition, in fantastic naval battles.
Three new paintings on wooden panel (137 x 91cm) present three different pirate boats, besieged and attacked by multiple aquatic creatures, marine monsters, bandits, pirates, soldiers, yakuzas, ninjas, who are gutting, grabing, beating or eating each other, in a joyous mess where only the mermaids seem to escape the massacre. A fourth painting («Peaches», 127 x 152cm) completes this new body of works, featuring one of Mu Pan’s favorite themes: facetious monkeys in a semi-bucolic, semi-lustful environment, pursuing small plump and juicy peaches…

Pour sa 2e participation à la foire Asia Now à Paris, la galerie propose un stand consacré en majeure partie au travail de l’artiste iranienne Nastaran Shahbazi, complété par des peintures et dessins de Mu Pan (Brooklyn) et Tangent Lin (Taiwan).

Horaires d’ouverture 
jeudi 21 octobre : 11:00 – 21:00 VIP Preview + Vernissage
vendredi 11 octobre, samedi 12 octobre, dimanche 13 octobre : 11:00 – 13:00 créneau VIP / ouverture au public

Adresse : 
Salons Hoche
9 Avenue Hoche,Paris, 75008
Accès : 
Métro  : Charles-de-Gaulle-Etoile (1, 6, RER A) or Courcelles (2)
Parkings : Hoche-Saint-Honoré (18 Hoche Ave, 75008) ou Hôtel du Collectionneur (57 rue de Courcelles 75008)

+ infos : https://www.asianowparis.com/en/exhibitors2021

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La Galerie LJ présente Hotter Than July, un “3-person show” rassemblant le travail des peintres Justin Liam O’Brien (USA), Heidi Ukkonen (Suède/Belgique) et Nastaran Shahbazi (Iran/France).

[ENG]

Justin Liam O’Brien (b. 1991) is an emerging painter who lives in New York. His oil paintings and drawings portray moments of tenderness, intimacy and contemplation with soft gradients and interlocking compositions. His figures have a sense of quiet that speaks to a deep sensitivity and an intense inner reality. Justin Liam O’Brien attended school at Suffolk County Community College in New York, where he was introduced to oil painting. Then, he received a BFA in Digital Arts and 3D Animation from Pratt Institute in New York City in 2016. Justin Liam O’Brien was nominated by art critic Jerry Saltz among the 60 artists to follow in 2020 in New Americain Painting magazine.

Heidi Ukkonen is a Swedish painter who lives in Antwerp, Belgium. Her paintings explore themes of the mundane such as relationships, anguish, and suffering. These depictions are represented through playfully deformed animations within the life of modern society. Her works are built using materials such as acrylic, oil paint, and spray paint which adds and builds texture to her works. Most of her inspiration derives from her life living in the vibrant city of Antwerp where she has worked since graduating from the Royal Academy of Fine Arts. Drawing knowledge and inspiration of the works of Philip Guston, Henri Matisse and Hieronymus Bosch she aims to bring her audience into a world where the usual becomes unusual, where the ugly becomes beautiful and where pain becomes humour.

Nastaran Shahbazi (b. 1982) is an Iranian artist who lives and works in Paris since 2006. She first developed a strong interest in printmaking, but the direct and unique experiences she gained through her own emigration (from Tehran to Paris, Paris to Hong Kong, back to Paris) changed her artistic pathway profoundly. Her paintings primarily deal with the topic of life in movement, continuity and the idea of things that are constantly changing. This opens up to a wider second section that also considers memory by preserving and reinvigorating the past. Anonymous figures, lonely dreamers who chose to emigrate, leaving the world behind them, in search of other spaces in psychedelic atmospheres, are key features of her work.

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La galerie présente la seconde exposition en ses murs de l’artiste français Etienne Pottier (né en 1983), intitulée « Les Derniers Jours de Pompéi » en référence, non pas au roman ou ses interprétations cinématographiques, mais à un morceau sur une mixtape de rap français (Phonographe, 1999), dans laquelle on peut entendre : “Dans ta tête, c’est les derniers jours de Pompéi, les derniers jours arrivent, à ce qu’on dit bientôt, celui de mon pays”. Il sera ainsi question, dans cette nouvelle exposition personnelle, de collapsologie et d’apocalypse, où Pompéi se dresse en figure de proue, bien qu’ensevelie sous une pluie de cendres et de pierres ponces.

🔊 Entretien audio de 23min avec Etienne Pottier sur France Fine Art à l’occasion de cette nouvelle exposition (6 mai 2021).
👁 Entretien vidéo de 12min avec Etienne Pottier sur Our Choices réalisé à son atelier (avril 2021).

Etienne Pottier vit et travaille à Paris. Il sort diplômé de l’ENSAD (Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs) en 2009. Après un début de carrière dans le roman graphique puis un long passage par la photographie, il ressent le besoin de revenir au dessin et monte un atelier de gravure. La céramique ne lui est pas complètement étrangère lorsqu’il achète son premier four en 2015 : il s’adonne depuis lors rageusement à cette pratique. Pottier se souvient d’ailleurs que dès l’école primaire, il était inscrit à un atelier de céramique et modelait déjà des crânes.
Diverses périodes de sa vie passées au sein de milieux marginaux (free-parties, motards), ainsi que certains artistes, l’ont progressivement guidé vers ce qu’il crée aujourd’hui. Le genre musical du heavy metal, et l’esthétique qui lui est associée, est une source indéniable d’inspiration dans son travail. Propulsé dans cet univers très jeune via son grand frère, Etienne Pottier s’est imprégné de mille sons, voix gutturales, histoires et images, plutôt violentes quoiqu’aussi empreintes de poésie et de spiritualité. Les romans graphiques de Blutch et d’Aristophane (édition L’Association) ont également été une source d’inspiration majeure. Pottier cite aujourd’hui les photographes Peter Beard et Eugène Smith, tout autant que Dürer, Le Greco, ou Munch : des artistes qui se rejoignent dans un expressionnisme exacerbé, laissant s’exprimer le mouvement, l’émotion, la vie, la mort.

Parmi les nouvelles séries d’Etienne Pottier, on retrouve des transferts photographiques sur céramique, symbiose de deux pratiques qui lui sont chères. La femme est un sujet fréquent dans son travail : il s’en fait l’image d’une icône lascive noyée dans la végétation. Entre érotisme vulgaire et décor foisonnant, il crée sa nouvelle Eve des temps modernes, libre, fière et puissante. Le travail de Pottier est à la fois flamboyant et perturbant : l’émail rouge ou bleu vif de ses sculptures leur confère un aspect surréaliste et mystique. Il les conçoit d’ailleurs comme des totems. L’accrochage de l’exposition suivra ce modèle, l’artiste aspirant à revenir à une présentation plus “paganique” de ses œuvres, sous forme d’installation faisant dialoguer ses séries, afin qu’ensemble, elles ne forment qu’une seule et même divinité dotée de multiples attributs, qui s’élève de ses murs de céramique, comparables aux murs de son que Pottier créait lors d’immenses raves dans la forêt dans sa jeunesse. Peut-être cherche—il aussi à recréer cette sensation de plénitude intense : ses serpents, ses végétaux et ses totems païens nous enveloppent comme les basses peuvent faire vibrer notre corps.
C’est un véritable souffle vital que véhiculent les oeuvres de Pottier, comme un creuset de vie, d’émotions et de sensations. Ainsi que le disait Gauguin : “Je cherche le caractère dans chaque matière. Or le caractère de la céramique grès est le sentiment du grand feu”. C’est précisément ce grand feu qui sera présenté dans l’exposition personnelle d’Etienne Pottier, dont les nouvelles séries d’oeuvres en céramique seront complétées d’un ensemble de peintures sur papier.