Join us in Madrid for the art fair ART MADRID, in conjunction with IFEMA (ARCO), with a booth dedicated to the artists : Mu Pan, Andrew Schoultz and Quentin Garel.
Location : Galería de Cristal de CentroCentro Cibeles. C/ Montalbán 1, junto a Plaza de Cibeles
Metro : Banco de España
Opening hours : 11h-21h
https://www.art-madrid.com/es/informacion
Vernissage samedi 25 janvier, 18h-21h, en présence des 3 artistes
La Galerie LJ présente « 980 Degrés », une exposition consacrée aux trois céramistes parisiens Agathe Brahami Ferron (née en 1992), Julien Cadou dit EARL (né en 1974) et Etienne Pottier (né en 1983). 980 degrés – température de première cuisson dite «biscuit» de la céramique – rassemble des installations murales, des totems, des personnages grandeur nature, des armures exubérantes, le tout présenté sous la forme d’une joyeuse conversation dont la narration en filigrane lie le travail profondément figuratif de ces trois artistes attachés à l’image à 180 degrés.
Après l’obtention d’un Diplôme National Supérieur d’Arts Plastiques en 2016, Agathe Brahami Ferron effectue un post-diplôme à l’École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris au sein de l’atelier Claude Dumas. Lauréate de la Biennale de la jeune création de Houilles en 2018, elle conçoit sa première exposition personnelle, «Woolloomooloo Bay», lors de sa résidence à La Graineterie à Houilles en 2019. Agathe Brahami Ferron tire son inspiration d’une observation du réel. Axée sur une recherche technique, formelle et picturale, sa pratique quasi exclusive de la céramique lui permet de mener, avec des oeuvres figuratives, une réflexion sur des enjeux sociologiques, psychologiques et environnementaux contemporains. La notion de conscience de soi est ici centrale, portant en elle les codes et contraintes qui encadrent la perception que nous avons de nous-mêmes et des autres, notre relation au corps.
Attiré par l’art modeste, les travaux d’Hervé Di Rosa ou de Grayson Perry, JC Earl a développé une sensibilité particulière pour l’art populaire. S’il privilégie la sculpture comme moyen d’expression principal – il pratique la céramique depuis l’âge de 8 ans – il s’affirme également par la peinture et l’illustration. Se voyant comme un animal instruit, il a aiguisé au fil des ans son écriture «énervée» pour s’exprimer «par urgence». Depuis quelques années, il présente de façon volontaire les œuvres qu’il sculpte avec le ventre, proposant un art «cru, mais un peu éduqué». Issu de la culture graffiti et d’univers multiples, l’artiste développe un imaginaire habité de monstres de terre, d’une gent héroïque de lapinozores grotesques et de super-héros déglingués. Armées de sourires féroces, ses figurines expressives surprennent par les détails incongrus et croustillants de leurs costumes vernis et colorés. En tant que céramiste, il s’intéresse à la matière, l’accident, à l’imperfection : tout ce qui donne une expression et une personnalité à son travail.
Diplômé de l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs en 2009, Étienne Pottier commence dans le milieu du roman graphique indépendant, puis se lance dans la photographie, délaissant le dessin quelques années. Il y revient malgré tout en montant un atelier de gravure, puis découvre la céramique qu’il pratique rageusement depuis. Influencé tant par les gravures apocalyptiques de Dürer que par les peintures acidulées de Peter Doig, Étienne Pottier crée un univers sombre et fantasque : il aspire à traiter les sujets prosaïques d’une manière spirituelle, à conférer à des thèmes quotidiens une dimension presque sacrée, sans pour autant y déceler une portée religieuse.
[FR]
La Galerie LJ est très heureuse de recevoir l’artiste d’origine indienne Rithika Merchant (née en 1986) pour sa première exposition personnelle à Paris, intitulée « Miroir de l’âme ».
A la croisée de l’Orient et de l’Occident, le travail de Rithika est à l’image de son parcours de citoyenne du monde. Après avoir grandi à Bombay, elle part étudier à New York et sort diplômée de Parsons en 2008, puis enchaine plusieurs résidences en Europe (Portugal, Grèce, Roumanie) pour finalement s’installer à Barcelone, où elle vit depuis 10 ans, tout en gardant de forts liens avec l’Inde, où sa carrière artistique est florissante.
L’Europe et l’Inde ont en commun d’être nourries de plusieurs traditions avec des des narration parallèles un peu partout, qui ne sont souvent pas soulignées dans l’histoire classique. Rithika se dit très inspirée par l’art tribal indien et les peintures miniature mogholes : la mythologie et l’iconographie indienne l’ont toujours intéressé, surtout par la manière dont ces différents fragments sont tissés pour former une image complète. Elle ré-utilise dans son travail ces anciens moyens de narration dans un contexte plus contemporain.
C’est sa collaboration avec la maison Chloé il y a 2 ans qui a contribué à la reconnaissance de sa pratique artistique. A la demande de Natacha Ramsay-Levi, Rithika a produit pour la collection été 2018 des peintures remplies de symboles ésotériques et spirituels, ainsi que des images botaniques.
On pourra considérer sa 1ère exposition personnelle à la Galerie LJ comme une collection d’objets modernes faisant appel aux mythes, à l’histoire et aux rituels. Dans un contexte contemporain, comment les objets peuvent être des marqueurs d’identité ? En guise de réponse, chaque pièce peut être vue comme un totem et invite le spectateur à créer son propre récit, à puiser dans nos racines collectives. La nature joue un rôle central dans les oeuvres de Rithika, qui est souligné par l’utilisation de formes organiques et de couleur non saturées. Elle utilise l’aquarelle et le collage, s’inspire des dessins botanique et de l’art populaire du XVIIe siècle, tout en ayant recours à des symboles et des images emblématique de différentes cultures, pour tenter de comprendre la diaspora, la mémoire. Ce que nous laissons derrière nous, et ce que nous emportons.
[ENG]
Galerie LJ is thrilled to welcome Indian artist Rithika Merchant (born 1986) for her first solo exhibition in Paris, entitled «Mirror of the Mind».
At the crossroads of the East and the West, Merchant’s work reflects her journey as a global citizen. After growing up in Bombay, she left to study in New York and graduated from Parsons in 2008, then went on to pursue several residencies in Europe (Portugal, Greece, Romania) to finally settle in Barcelona, where she has lived for the past 10 years, while maintaining strong ties with India, where her artistic career is flourishing.
Europe and India have in common to be nourished by several traditions with parallel narratives everywhere, which are often not emphasized in classical history. Merchant says she is very inspired by Indian tribal art and miniature Mogul paintings: Indian mythology and iconography have always interested her, especially by the way these different fragments are woven to form a complete picture. In her work, she uses these old narratives in a more contemporary context.
It was her collaboration with French fashion label Chloé 2 years ago that contributed to the recognition of her artistic practice. At the request of Natacha Ramsay-Levi, Merchant produced for the summer collection 2018 paintings filled with esoteric and spiritual symbols, as well as botanical images.
Her first personal exhibition at Galerie LJ can be considered as a collection of modern objects using myths, history and rituals. In a contemporary context, how can objects be identity markers? As a response, each piece can be seen as a totem and invites the viewer to create their own narrative, to tap into our collective roots. Nature plays a central role in Merchant’s work, which is emphasized by the use of organic and unsaturated color forms. She uses watercolour and collage, is inspired by botanical drawings and popular art of the seventeenth century, while using iconic symbols and images of different cultures, to try to understand the diaspora, and memory. What we leave behind, and what we take away.
La Galerie LJ est heureuse de recevoir le peintre américain Andrew Schoultz en ses murs pour la seconde fois, et d’inaugurer son exposition personnelle, en sa présence, pendant la foisonnante semaine des foires à Paris.
L’artiste présente une nouvelle série d’oeuvres lumineuses inspirée de sa Californie et d’un voyage récent en Catalogne. Après s’être imposé dans le milieu du graffiti et du skateboard de la Bay Area au début des années 2000, Andrew Schoultz est connu aujourd’hui comme peintre contemporain de renommée internationale, représenté en galeries principalement aux Etats Unis et en Europe, et exposé dans de nombreux musées américains.
En 2018, le Barrick Museum of Art à Las Vegas et le Fort Wayne Museum of Art dans l’Indiana lui ont consacré deux expositions personnelles majeures, mettant en scène des installations in situ grandioses composées de peintures murales, œuvres sur toile et modules peints rappelant l’environnement d’un skatepark, dont l’univers reste cher à l’artiste.
Au cours des 20 dernières années, Andrew Schoultz n’a pas cessé de poursuivre son objectif, inchangé, de faire de l’art un commentaire politique. Son travail ne présente pas des références à des événements historiques singuliers, mais explore plutôt une agitation collective, qui provient d’affaires et d’histoires globales et disparates telles que les guerres en Irak et en Afghanistan, l’élection américaine de 2016, la montée de la Chine en tant que géant économique, les catastrophes naturelles, les affres de la récession aux États-Unis ou même la chute des empires perse et romain.Dans ses techniques mixtes sur papier ou sur toile, les notions de guerre, de spiritualité et d’impérialisme socio-politique sont des thèmes récurrents, mis en parallèle à une toute aussi répétitive poursuite contemporaine de l’accumulation et du pouvoir.
Invité par l’éditeur The Jaunt en janvier 2019 à découvrir Barcelone pour la 1ère fois au cours d’un voyage d’une semaine, Schoultz s’est plongé dans le courant moderniste catalan. Les toiles qu’il a récemment produites montrent cette nouvelle source d’inspiration et rendent notamment hommage aux vitraux de la Sagrada Familia de Gaudi.
We are very happy to announce the gallery’s first participation to ASIA NOW, the Parisian art fair dedicated to artists from Asia at large.
Founded by Claude Fain and Alexandra Fain, ASIA NOW aims to present the new perspectives and issues for contemporary Asian art and its market: the value of its artists, its potential for development and its rising stars.
As an ideal platform for dialogue and interaction dedicated to contemporary artistic creation, ASIA NOW addresses in greater depth the selected artistic scene through a curatorial platform and special projects. Since 2016, ASIA NOW takes place every year in a Parisian mansion at 9 Avenue Hoche during Paris Art Week in October.
+ infos : https://www.asianowparis.com
Le Centre d’art contemporain de la Matmut présente, pour les 20 ans de carrière de Quentin Garel, une rétrospective de l’artiste réunissant des « palimpsestes », dessins préparatoires grand format, et une trentaine de sculptures dont certaines monumentales et inédites sont exposées dans les galeries et le parc.
+ infos : http://www.matmutpourlesarts.fr/expositions/garel.aspx
Centre d’art contemporain de la Matmut
425 rue du Château
76480 Saint-Pierre-de-Varengeville
Tél. 02 35 05 61 73
Entrée libre et gratuite des expositions du mercredi au dimanche de 13 h à 19 h.
Parc en accès libre du lundi au dimanche de 8 h à 19 h.
Publication :
À cette occasion, une monographie de l’artiste est publiée aux éditions Albin Michel.
240 pages. Relié sous jaquette (Couverture se déplie pour une affiche de 85 x 100 cm).
Textes d’Alin Avila, critique d’art, commissaire d’expositions et rédacteur en chef d’AREA revue, de Christine Argot et Luc Vivès, enseignants et chercheurs, spécialistes de l’histoire des collections de la galerie de paléontologie et d’anatomie comparée au Muséum national d’Histoire naturelle, et de Pierre-Jacques Pernuit, critique d’art.
La Galerie LJ est heureuse de recevoir l’artiste chinois-américain Mu Pan pour sa 3e exposition personnelle en ses murs. Ce solo show a lieu en conjonction avec la 1ère exposition rétrospective de l’artiste qui se déroule depuis le 26 avril à Madrid, dans la fondation privée Colección SOLO – à voir jusqu’au 26 juillet.
Mu Pan, c’est la rencontre entre Jérôme Bosch, Kuniyoshi et Marvel Comics. Il s’est fait connaître ces dernières années pour ses grandes peintures épiques et narratives, imprégnées de références culturelles et historiques au Japon et à la Chine, et de pop culture américaine. Il naît à Taïwan en 1976 dans une famille originaire de Chine continentale puis quitte l’île et son histoire complexe, pour New York où il émigre avec ses parents en 1997 lorsqu’il a 21 ans. Repartant de zéro avec sa famille, il adhère à la culture américaine non sans quelques appréhensions. Devenu citoyen américain depuis, Mu Pan cultive et revendique ses multiples identités culturelles dans ses peintures.
Ayant le sentiment d’avoir fait le tour, jusqu’à nouvel ordre, de la mise en scène de batailles, Mu Pan désormais évolue vers une narration plus contemplative, moins «mouvementée» (au premier degré). Il puise son inspiration, pour cette nouvelle série de peintures sur panneaux de bois, des 1001 statues de la déesse bouddhique Kannon au temple Sanjūsangen-dō à Kyoto au Japon, qu’il a visité il y a quelques années. Il a recréé son propre panthéon de divinités animales où se mêlent références traditionnelles et pop culture. Mu Pan a réinventé son style narratif pour proposer des histoires verticales, à travers ces personnages. Tout comme dans ses oeuvres précédentes, quelqu’un mange toujours quelqu’un : à la façon de poupées gigognes, les divinités animales s’empilent, s’entretuent, se dévorent, et ressuscitent. Références hindoues, thai, japonaises, maintiennent l’attachement toujours présent de l’artiste à ses origines. Loi de la jungle ou cycle de la vie, que le plus fort des dieux gagne, à moins que cela soit des hommes que Mu Pan fasse la critique…
Fluctuart est le premier centre d’art parisien dédié à l’art urbain, dans un bâtiment flottant sur la Seine au pied du pont des Invalides. Fluctuart a pour vocation de mettre en lumière les différents mouvements du street-art tout en valorisant les pratiques émergentes et innovantes des artistes. Pour le lancement de sa programmation artistique début juin 2019, le lieu accueille une exposition monographique de l’artiste américaine Swoon, la première dans une institution française.
Artiste majeure du mouvement street-art, Swoon est née en 1977. Diplômée en 2001 du Pratt Institute, elle est connue pour ses gravures de portraits à taille humaine collés dans les rues de New York à partir de 1999. Elle se consacre notamment à explorer les relations entre les personnes et leurs environnements. Sa pratique dans l’espace public s’est étendue à l’utilisation de son travail artistique au profit de la reconstruction de communautés fragilisées, afin de mettre un visage humain sur d’importants problèmes sociaux et environnementaux actuels.
«Time Capsule» est une portion devenue itinérante de la première rétrospective de l’artiste «Swoon: 1999-2017», présentée au Contemporary Arts Center de Cincinnati en 2017-2018.
L’installation consiste en un parcours chronologique sous la forme d’un panorama à travers les oeuvres de l’artiste, retraçant son évolution de ses premiers autocollants dans la rue jusqu’à ses linogravures récentes. «The Time Capsule» permet notamment de découvrir ses premiers découpages de papier, représentant ses proches, jusqu’à des portraits plus récents faisant écho à des projets sociaux auxquels elle a participé. Est exposée également une installation en mylar découpé représentant les montagnes russes de Coney Island, un ensemble qui fait partie des collections permanentes du Brooklyn Museum. On retrouve d’ailleurs aussi ses oeuvres au MoMA de New York qui avait acquis un ensemble de gravures de l’artiste dès 2006.
À la suite d’une résidence de 15 jours pour réaliser des pièces in-situ, Swoon inaugurera Fluctuart fin juin: «Time Capsule», la machine à remonter le temps de sa propre carrière, est présentée dans la cale, espace de 300m2 dédié aux expositions temporaires. En octobre 2019, «Time Capsule» s’installera au MUCA (Museum of Urban and Contemporary Art) à
Munich : l’installation se veut itinérante et internationale, et voyagera par la suite dans d’autres institutions européennes.
Fluctuart est le premier centre d’art urbain flottant au monde, lieu unique, ouvert à tous les publics, curieux et passionnés, à la disposition de tous les acteurs de la scène urbaine : artistes, professionnels et institutions. Fluctuart valorise toutes les tendances de l’art urbain, depuis les pionniers du street art jusqu’aux artistes contemporains, et met plus particulièrement en valeur les pratiques émergentes et innovantes.
Fluctuart est un projet né des associés fondateurs: Géraud Boursin, Nicolas Laugero Lasserre et Éric Philippon. C’est un lieu vivant, dynamique, évolutif, un lieu de création, d’exposition, de rencontres et d’échanges, d’inspiration et de divertissement, hébergeant un vivier d’événements culturels et artistiques. Ce nouveau centre d’art urbain flottant se distingue par sa modularité, sa structure et son accessibilité dans le but de proposer une vitrine culturelle offerte à tous. L’espace de 1000m2 totalement transparent, doté de trois niveaux, se situe au pied du pont des Invalides. Il est constitué de différents volumes qui permettent d’accueillir des expositions temporaires, une collection permanente, des interventions in situ, une librairie spécialisée, des événements culturels, des ateliers créatifs et un rooftop, lieu d’échanges, de rencontres et de partage. Enrichi de résidences ponctuelles d’artistes, il soulignera ainsi la participation de tous les acteurs de la scène urbaine par la présence de professionnels des métiers de l’art et de la culture, d’artistes, reconnus ou émergents, ainsi que d’institutions. Sa volonté première est de mettre l’art à la portée de tous les publics.
Dans le cadre d’un partenariat avec l’ICART, 1re école en Europe du management de la culture et du marché de l’art, de nombreux projets pédagogiques viendront interagir avec la programmation et impliqueront ses étudiants. Deux espaces, bar & fooding, promettent également d’animer la barge pour des soirées festives et insolites autour de performances artistiques et d’œuvres d’art.
Le projet Fluctuart est une réponse à l’appel à projets « Réinventer la Seine ». Pour Gérard et Matthieu Ronzatti, président de Seine Design et architecte du bâtiment, cette réinvention passe par la proposition d’une nouvelle relation avec l’art, plus intuitive et immersive.
Ouvert 7j/7 de midi à minuit toute l’année
Accès via métro 8 et 13 station Invalides
Adresse : 2 port du Gros Caillou, 75007
“Time Capsule”. 4 juillet – 22 septembre 2019. Entrée libre.
+ infos : https://fluctuart.fr/
“Mu Pan Y Otras Bestias” (Mu Pan, And Other Beasts”), opens April 26th at Colección SOLO, Madrid. Galerie LJ is thrilled to announce the opening of the first retrospective show of Chinese-American artist Mu Pan, at Colección SOLO, a private museum and amazing collection in Madrid, until December 20th 2019.
This outstanding exhibition brings together 20 paintings and drawings by the artist from 2014 to 2019, a trailer of the documentary currently in progress by the collection, as well as documented sources and references used by Mu Pan, including plates by ukiyo-e master, Utagawa Kuniyoshi.
A uniquely personal project, Colección SOLO is the brainchild of creative entrepreneurs Ana Gervás and David Cantolla. It reflects their lifelong passion for the arts, their energy and their will to search out and share the most exciting creations of our here and now.
Selected press about the show :
TeleMadrid, El universo surrealista de Mu Pan se expone en Madrid, mai 2019
Vanidad, Descubre el infinito universo de Mu Pan, la primera exposición del Espacio SOLO en España, mai 2019
Elle Decor España, Los monstruos de Mu Pan, mai 2019
Visits are free and must be booked on: https://coleccionsolo.com/visits/
On view from April 26th to December 20th 2019
Espacio SOLO
Plaza de la Independencia, 5
28001 Madrid, Spain
A l’occasion de la saison du dessin à Paris, la galerie propose en mars et avril une exposition consacrée à trois artistes qui travaillent sur papier, et au delà. Cette exposition est aussi l’occasion pour la galerie de présenter à son public trois nouveaux artistes à qui elle consacrera ultérieurement des expositions personnelles. Rithika Merchant (née en 1986) est originaire de Bombay et vit à Barcelone. Howie Tsui (né en 1978) est originaire de Hong Kong et vit à Vancouver. Jason Jägel est né en 1971 et vit à San Francisco : il est une figure incontournable de la Bay Area. Le travail singulier de chacun d’entre eux, influencé par leurs cultures d’origine et d’adoption, s’inscrit dans la continuité du programme de la galerie, résolument centré sur un art figuratif et narratif.
Rithika Merchant est une artiste originaire de Bombay, où elle est née en 1986. Après son diplôme de Parsons ( New York, 2008) et des résidences en Grèce et au Portugal, elle décide de s’installer à Barcelone, où elle vit depuis une dizaine d’années, tout en retournant très régulièrement en Inde au gré des expositions et projets qu’elle y développe avec sa galerie indienne Tarq.
Elle expose également régulièrement aux USA et en Europe, mais c’est en 2017 qu’elle reçoit une attention particulière des médias pour sa collaboration très réussie avec la maison Chloé, fruit de sa rencontre avec sa directrice artistique Natacha Ramsay-Levi, pour qui Rithika a dessiné les imprimés de la collection été 2018 : un succès tant commercial que médiatique pour la marque et pour l’artiste. Pour ce remarquable projet, Vogue India a décerné à Rithika le prix de Young Achiever of the Year, à l’occasion de ses Women of the Year Awards 2018 à l’automne dernier.
Son travail, figuratif, symboliste, narratif, pourrait se situer entre celui d’Andrew Schoultz et d’Allyson Mellberg, pour faire référence à des artistes de la galerie. Rithika crée une mosaïque de mythes à partir des récits traditionnels que l’on retrouve dans toutes les cultures, une exploration des mythes épiques au-delà des géographies, tout en développant son propre vocabulaire visuel fait de créatures et de symboles. Chacune de ses peintures peut être vue comme un totem qui invite le spectateur à tisser sa propre narration, en s’appuyant sur la mémoire collective pour générer un sens.
La nature joue un rôle prépondérant dans le travail de Rithika : elle est exacerbée par l’emploi de formes organiques et de couleurs modérées. Ses peintures, d’aquarelle, de gouache et de collages, puisent notamment leur inspiration dans les dessins de botanique du XVIIe siècle et de l’art populaire, pour créer un corpus d’oeuvres visuellement rattaché à notre passé collectif.
Jason Jägel est un peintre, enseignant et muraliste pour des commandes publiques, né en 1971 à Boston et vivant à San Francisco. Il sort diplômé de Stanford en 2002. Son travail utilise la structure des bandes dessinées pour évoquer des mondes fictifs où tout peut arriver à tout moment, tout comme dans la vie quotidienne.
Au début des années 2000, il se fait connaître du grand public et des fans de Hip Hop via les pochettes d’albums qu’il illustre pour MF Doom, Madlib, ou Dudley Perkins. Jägel aime d’ailleurs parler de son travail dans des termes musicaux : rythme, vibration, instrumentalité.
Jägel a réalisé à ce jour 9 commandes publiques de peintures murales à San Francisco, s’insérant toutes dans le contexte de transformation de quartiers, par des projets innovants à grande échelle. Sa prochaine commande est une mosaïque de 4 x 10 mètres qui sera installée à l’aéroport international de San Francisco cette année 2019. Ses peintures murales mettent en scène de façon très colorée le bouillonnement de la vie en milieu urbain. Dans ses oeuvres, des citadins côtoient des animaux au sein d’un monde où la nature se superpose aux architectures.
Ses fresques rappellent son travail d’atelier, souvent réalisé à la gouache et au crayon sur papier. Jägel souhaite avant tout raconter une histoire, une narration. Les formes sont peintes sans artifices, avec des aplats de couleurs pastel, tandis qu’il parsème le reste de sa composition de dessins épurés. Il utilise de nombreuses teintes dans chacune de ses compositions en jouant très peu sur les contrastes, ainsi ses peintures restent lisibles malgré l’agitation qui les anime.
Les influences que Jason Jägel convoque dans son travail sont assez éclectiques, allant du peintre Philip Guston, de l’artiste Bruce Conner, au dessinateur Chris Ware, au musicien Dudley Perkins, à l’écrivain Haruki Murakami, ou encore au réalisateur Hayao Miyazaki. Il tient aussi ses racines artistiques de sa famille : son père, John Jägel, était peintre et élève du peintre abstrait Josef Alberst. L’un des points communs des Jägel père et fils est l’accent mis sur la couleur.
Les oeuvres de Jason Jägel font partie des collections de plusieurs musées, dont le Museum of Modern Art à New York, le San Francisco Museum of Modern Art ou le Hammer Museum à Los Angeles. Sa précédente exposition à Paris, “The Bitter End”, remonte à 2013.
Howie Tsui (Tsui Ho Yan / 徐浩恩) est né à Hong Kong en 1978. Il a grandi entre Lagos (Nigéria) et Thunder Bay (Ontario, Canada), et vit et travaille à Vancouver. Tsui emploi une grande variété de médiums pour réaliser des installations fictives qui bousculent des formes d’art canonisé et des genres narratifs issus notamment de la tradition littéraire chinoise. Il synthétise les anxiétés socioculturelles divergentes autour de la superstition, des traumatismes, de l’acculturation et de l’altérité. Tsui est diplômé de l’université de Waterloo (2002) et a reçu le prix Joseph Stauffer du jeune artiste le plus prometteur par le Canada Council en 2005. Son travail fait partie des collections du National Gallery of Canada, Vancouver Art Gallery, Art Gallery of New South Wales, Canada Council Art Bank, Ottawa Art Gallery, City of Ottawa, Global Affairs Canada et du Musée d’art contemporain de Baie-Saint-Paul (Canada).
Le BC Arts Council et le Canada Council for the Arts ont récemment financé la production de son projet «Retainers of Anarchy», une animation vidéo de 25 mètres de long de ses dessins, d’abord projetée au musée d’art contemporain Vancouver Art Gallery en 2017, puis au musée OCAT à Xi’an, Chine, en 2018. Ce projet itinérant sera ensuite présenté en 2019 et 2020 dans des musées d’art contemporain au Canada et en Australie. Dans «Retainers of Anarchy», et dans son travail récent, Howie Tsui s’inspire du genre littéraire du Wuxia, qu’il appréhende comme un outil narratif de dissidence et de résistance. Le Wuxia est une forme traditionnelle de littérature liée au kung-fu qui s’est popularisée au XXe siècle à travers le cinéma et la télévision, dont les personnages sont souvent issus d’une classe sociale inférieure, portés par des idéaux chevaleresques en opposition à des forces oppressives en période d’instabilité politique. Le gouvernement chinois a longtemps exercé une forte censure sur le Wuxia, par crainte que celui-ci inspire un sentiment de rébellion au peuple. Les auteurs de Wuxia ont donc particulièrement développé le genre à Hong Kong, devenant le genre le plus populaire de fiction chinoise. Un des ouvrages les plus connus est The Legend of the Condor Heroes, de Jin Yong (alias Louis Cha), sujet à de multiples adaptations. Tsui, avec «Retainers of Anarchy», reprend des références à la dynastie Song (960-1279) et met en scène sa narration dans la Citadelle de Kowloon, enclave chinoise à Hong Kong démolie en 1993, connue pour sa densité exceptionnelle de population.
Au-delà du sujet de cette oeuvre, celle-ci illustre de façon remarquable le passage d’Howie Tsui du dessin classique au New media art. Tsui s’est auparavant fait remarquer pour ses oeuvres à l’encre sur papier (The Unfortunates of D’Arcy Island, 2013 ; Horror Fables, 2009), ses installations de dessins gravés sur bois (Hei Gung Deviation, 2017) et sur peau (Of Malingerers, Skulkers And Dupes, 2012), ou même sur un jeu de flipper (Musketball!, 2012).
“Parallax Chambers” ouvre un nouveau chapitre dans le travail en constante évolution de Howie Tsui. Au delà des mondes fictifs et tourmentés qu’il fait apparaitre sur le papier, Tsui a, ces dernières années, expérimenté l’animation, les médias algorithmiques et l’impression lenticulaire. “Parallax Chambers” rassemble une série d’œuvres nouvelles qui poursuivent ses explorations de l’imagerie séquentielle et de l’animation algorithmique. Toutes les œuvres sont issues de processus développés dans son oeuvre “Retainers of Anarchy”. Tsui a d’abord présenté “Parallax Chambers (White Camel Mountain)” pour la première fois à la Art Labor Gallery (Shanghai) en 2018. Il utilise un processus pointu mêlant dessin, animation et programmation algorithmique pour représenter une pièce particulière d’un immeuble fictif de la Citadelle de Kowloon à Hong Kong (démolie en 1993). Chaque pièce met en scène des séquences animées d’art martial en même temps que des habitants de l’appartement mènent leurs rituels quotidiens domestiques et professionnels. Cette juxtaposition vise à créer un amalgame entre ces deux groupes de fiction et de réalité, et à souligner les affinités que l’on peut trouver entre la nature anarchique de l’univers des arts martiaux d’une part, et la société auto-organisée de la Citadelle de Kowloon d’autre part.
A titre plus personnel pour Howie Tsui, la Citadelle de Kowloon, de par sa situation au delà des frontières géographiques et administratives de la Chine et de Hong Kong, sert d’avatar au sentiment de liminarité perpétuelle que ressentent tous les émigrés.
“White Camel Mountain” est le premier chapitre d’une série de pièces dont chacune mettra en scène une secte particulière décrite dans le livre Legend of Condor Heroes de Jing Yong.
