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Nouveau solo show de Quentin Garel avec un ensemble de grandes et moyennes pièces, dont des originaux en bois, des dessins, et la projection d’un nouveau documentaire sur son travail réalisé par Benoit de Vilmorin.

Quentin Garel (né en 1975)  est diplômé de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts de Paris (1998) et a été résident de la Casa Velazquez. Il vit et travaille à Paris et Douville/Andelle (Normandie).

Le travail de Quentin Garel fait feu de deux grands gestes qui établissent la sculpture : la soustraction (qui consiste à chercher la forme en évidant une masse) et l’addition (le rajout d’éléments : assemblage, marcottage, collage, …). Passant de l’une à l’autre, depuis l’origine, il construit ses sculptures, comme des agrégats.
Les pièces de bois sont assemblées et constituent le premier moment du travail. C’est autant un jeu physique qu’un exercice conceptuel. il pourrait utiliser des morceaux plus massifs si son but était seulement de construire des images, mais comme le dit Deleuze, «le véritable objet de l’art, c’est de créer des agrégats sensibles». Ce qu’il fait.

Chacun d’entre nous a laissé son regard traîner sur la peau de ses oeuvres, glisser dans les larges veines du bois tendre, percevant l’arête douce d’un morceau chevillé à un autre. Des rythmes s’inventent sans jamais rompre l’idée générale de la pièce et la nourrissent d’une vérité plus grande que ce qu’elle représente.
Bien sûr, ce sont des trophées, des crânes, des trognes et des gueules de bois. Bien sûr, cela semble être des animaux. Mais est-ce seulement cela ?
Parlant des animaux, il ne faut jamais oublier que c’est l’homme qui est visé. Au regard de l’histoire des relations complexes de l’homme avec l’iconographie des animaux, Quentin Garel ouvre un nouveau chapitre.

un texte d’Alin Avila

A l’occasion du mois du dessin à Paris, la Galerie LJ présente le 3e solo show en ses murs de l’artiste américaine Allyson Mellberg, “The Planet of Doubt”, du 14 mars au 2 mai 2015, avec plus d’une quarantaine de nouveaux dessins.

Dans les dessins d’Allyson, la nature reprend possession de l’Homme, dans un style “post-Louise Bourgeois/Kiki Smith pré-futuriste néo-biologique”.
Le titre de l’exposition provient d’une nouvelle de science-fiction des années 30 de Stanley Weinbaum – la précédente exposition d’Allyson, “The Lotus Eaters”, ainsi que sa peinture “Parasite Planet”, étaient également inspirées des nouvelles de Weinbaum. En effet le travail de Weinbaum a considérablement influencé Allyson depuis les cinq dernières années. La nouvelle en question se déroule sur une planète recouverte de brouillard et explorée par les deux personnages récurrents de l’auteur (un couple marié), tandis que la visibilité y est réduite. Les protagonistes se retrouvent assez rapidement à devoir résoudre des problématiques d’isolation, peur de l’inconnu, peur de rester emprisonnés sur le lieu, difficulté d’interprétation de l’environnement ou de faire confiance à leurs sens. Pour Allyson, cette histoire est une intéressante métaphore sur la difficulté de gérer la maladie et l’anxiété chroniques.
Personnellement touchée par des problèmes de maladies dans son entourage proche, Allyson a aussi commencé à réfléchir aux notions de guérison et de spiritualité, particulièrement avec l’invention de rituels personnels et de communion avec la nature, plutôt qu’une spiritualité organisée par la religion. Notamment les coquillages (comme les berniques), les oursins, les champignons ou le corail, que l’on retrouve souvent dans son travail, représentent pour l’artiste la tranquillité et la méditation. Ils expriment l’idée qu’on puisse être entièrement recouvert, immergé dans et par un environnement, et être resté statique aussi longtemps pour que ces éléments aient fini par nous pousser dessus, une idée qui traduit la beauté de ne faire plus qu’un avec la nature, aussi profondément, et paradoxalement l’anxiété d’être totalement emprisonné ainsi. Ce qui donne aussi à ses personnages la capacité de se camoufler et de devenir en retour observateur de la nature.
Ce sentiment mitigé, du confort d’être caché et de l’inconfort de la suffocation, se développe en parallèle de l’intérêt qu’Allyson voue également au beau par opposition au grotesque. C’est ce que l’on retrouve notamment dans les images représentant des masses grises et brunes, à la fois très lourdes et éphémères, mi nuage de brouillard, mi roche ou amas de saleté (les masses brunes rappelant le compost). Ainsi ses personnages donnent parfois le sentiment d’être entourés d’une masse translucide ou d’un poids oppressant et lourd : cette dualité questionne la perspective du spectateur.
L’approche d’Allyson dans son travail a toujours été méditative : elle ne prévoit pas ce qu’elle va dessiner à l’avance mais uniquement ses sessions de travail, ce qui en ressort est donc totalement spontané, au moment et à l’endroit où cela est produit. Avec cette sorte de discipline elle tente de canaliser un climat de paix et de guérison. Ses personnages paraissent ainsi androgynes parce que son désir de paix, de guérison et de connexion avec la nature, n’est pas spécifiquement genré.

Pour notre première participation à la foire Art Paris au Grand Palais nous proposons un solo show de SWOON. Une dizaine d’oeuvres récentes et inédites seront présentées dans notre stand.

Grand Palais, avenue Winston Churchill, Paris 8e 
Vernissage sur invitation le 25 mars de 14h à 22h
Foire du 26 au 29 mars de 11h à 20h
Nocturne jusqu’à 22h le 27 mars

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Nous sommes heureux de commencer l’année 2015 avec une nouvelle exposition personnelle de FAFI, intitulée “Fafi 2.0”, qui s’interroge sur internet devenu source d’inspiration majeure pour les artistes et objet de ré-appropriation. 
Exposition du 29/01 au 28/02 2015 | Exhibition from 29/01 to 28/02 2015. 

Obsédée par le nombre et la variété d’images que nous absorbons chaque jour, l’exposition « Fafi 2.0 » questionne la légitimité des images iconiques d’aujourd’hui. Selfies, posters d’inspirations, classiques mutants, détournements, mêmes… Que restera t-il de ce grand bordel qui pollue notre champ de vision ? L’oeuvre d’art originale a t-elle un avenir en tant qu’objet matériel ?
Fafi s’interroge ainsi sur la beauté et son implication en tant qu’artiste, au travers de plusieurs séries d’oeuvres nouvelles délaissant parfois ses Fafinettes au profit d’une réflexion devenue plus conceptuelle. Dans cette nouvelle évolution de son travail, les personnages sont désormais au service des idées de l’artiste, qu’elles mettent en images.

Connue initialement comme street artist originaire de Toulouse, Fafi est également réalisatrice. Elle a signé dernièrement le vidéo clip expérimental de Joakim (Tigersushi), «This is my life». Ses réalisations précédentes incluent des clips pour M.I.A, Azealia Banks, Carte Blanche, … Du graffiti à la vidéo, du mur à l’écran, bienvenue dans le mode « Fafi 2.0 ».

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Nous avons le plaisir de recevoir l’artiste et performer brésilien Stephan “Calma” Doitschinoff pour sa première exposition personnelle en France, “Três Mundos”.
Stephan Doitschinoff est un artiste autodidacte né en 1977 à São Paulo où il vit toujours. Fils d’un pasteur évangélique, il a passé son enfance à absorber l’iconographie religieuse, qu’il réutilise et détourne dans ses peintures, installations et performances de rue. Au delà du Brésil il est déjà très populaire aux USA et au Royaume Uni. Ses oeuvres font entre autre partie de la collection Isabel & Agustin Coppel au Mexique.
Artiste révélé par le prix de l’Associação Paulista de Críticos de Arte, ses expositions les plus ambitieuses sont celles qu’il a présentées dans des institutions telles que : MCA San Diego – USA ; Fondation Cartier, Paris – France ; MASP São Paulo – Brésil, Museu Afro Brasil, São Paulo – Brésil ; Centro Cultural Vergueiro, São Paulo – Brésil.

FVTVRA RVPTVRA – un texte de Nathalia Cruz sur l’exposition “Tres Mundos”

La série TRES MUNDOS – FVTVRA RVPTVRA comprend des peintures, des installations et des actions dans l’espace public. Stephan Doitschinoff y utilise un univers iconique pour créer une représentation d’un état apocalyptique où São Paulo est représentée comme l’allégorie de l’excès de rigueur et de contrôle dans le comportement social des grandes métropoles à travers le monde, comme justement São Paulo, mais aussi Pékin, Moscou, Mexico.

L’expression latine Non Dvcor Dvco, que l’on retrouve dans l’installation « Nova Aparecida » au sous-sol de la galerie (chapelle), est une référence au blason de la ville de São Paulo signifiant « Je ne suis pas dirigée, c’est moi qui mène ». « Nova Aparecida » exprime en partie cette devise selon laquelle un Etat doit proposer parmi ses principaux idéaux de baser son économie sur le développement industriel et générer de la richesse – des concepts largement diffusés dans la pensée progressiste du XXe siècle.

Un autre symbole de la rigueur comme ligne de conduite est la Rose des Vents, qui signifie pour les membres de la Blatva (mafia russe), lorsqu’elle est tatouée sur les genoux, que le Vor (le voleur) n’est pas à genoux ou ne se soumet à personne, ni à la loi des hommes ni à celle de Dieu. La peinture « Tres Mundos », à son tour, reprend cette symbolique sur les genoux d’une allégorie personnifiée de l’Etat, établissant un parallèle entre la rigueur comme ligne de conduite visant à préserver des valeurs cristallisées (telle que la Rose des Vents le symbolise pour la mafia russe), et la limitation rigoureuse, au sein de l’Etat, de la liberté de choix et des besoins, qui sont pourtant nécessaires à l’épanouissement de l’Homme et qui stimulent l’existence du marginal.

De façon analogue, plus rigoureuse est une structure, plus fragile et sensible est l’impact qu’elle produit. En appliquant ce concept à l’ordre social, la censure rigoureuse peut générer un dispositif de rupture et, au contraire, de perte de contrôle. C’est ce questionnement qu’évoque la représentation de l’édifice emblématique de la Banque d’état de São Paulo (Banespa) qui s’écroule, dans les peintures de Doitschinoff et notamment « Tres Mundos ». Symbole de pouvoir et référence touristique, la Banespa a fait faillite dans les années ‘90 et a été privatisée par la banque Santander.

D’autres thématiques telles que la course à la conquête spatiale, la marginalisation de la culture des peuples indigènes ou la pensée totalitariste, entre autres, sont également explorées par l’artiste afin d’approfondir ses questionnements. Son travail est ainsi imprégné d’un langage codé et symbolique.

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Exposition collective sur la sculpture d’inspiration animalière.

Avec des oeuvres nouvelles de Quentin Garel et AJ Fosik ainsi que, pour la première fois à la galerie, l’artiste américaine Kate Clark dont les sculptures sont à mi chemin entre taxidermie et anthropomorphisme.

To start the new season we’re pleased to introduce for the first time at the gallery the works of American painter from Taiwan Mu Pan, as well as new drawings on paper by Tangent Lin (Taiwan) and paintings by Antoine Corbineau (France).

We have received new works by Tangent Lin after we sold out her last group of drawings at the art fair Drawing Now in March (Paris). Furthermore, Antoine Corbineau has been very busy over the past few months working as an illustrator, with many publications and projects released recently ; we are showing his new personal productions this September.
Finally, Mu Pan who recently had a successful solo show in Los Angeles this Spring (read more), will present a first selection of drawings that will be followed later in 2015 with a larger group of works on the occasion of a solo exhibition at the gallery.
More about Mu Pan on Juxtapoz
Recent illustration works by Antoine Corbineau on his newsletter

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Our summer group show will include new and recent works by Koralie Fafi, SupaKitch, Frédérique Vernillet, Antoine Corbineau,  Clara Fanise, Jessica Harrison, Joanie Lemercier, Swoon and Anne Geoffroy.

Matin Lunaire is the new short film from director and producer Clément Oberto. Working with fashion designer Coppélia Pique, and the Warp Record’s Plaid, Oberto has created an enchanting visual feast of colour and light. Inspired by the times when the moon can be seen in the sky during the day, the filmmaker transforms his appreciation of nature into a stunning short film.
The video was elected “Staff Pick” on Vimeo shortly after its release May 19th 2014.  

Read artist interview here: http://www.draftedmagazine.com/clement-oberto-interview-on-marin-lunaire/

Release party à la galerie le jeudi 26 juin 2014 de 18h à 22h : 
– projection du film
– exposition des robes de Coppélia Pique
– océan de couettes et tunnel de néons…
– dj set by Plaid (Warp)

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Nous sommes heureux de présenter la première exposition personnelle à Paris de l’artiste écossaise Jessica Harrison, dont les figurines en porcelaine avaient été montrées pour la première fois en France en 2011 au Musée de l’Art Brut (Halle St Pierre) à Paris dans le cadre de l’exposition éponyme de la revue «Hey». Cette même série de sculptures a également été montrée au Museum of Art and Design à New York à l’automne 2013 dans l’exposition «Body & Soul».

Jessica Harrison (née en 1982) vit à Edinburgh en Écosse depuis qu’elle y a emmenagé pour étudier la sculpture en 2000 au College of Art, des études aboutissant à un PhD en sculpture soutenu en 2013 et subventionné par le Arts and Humanities Research Council. Si le point de départ de chacune de ses séries est toujours différent, toutes prennent une suite logique dans un projet de recherche à plus grande échelle sur la «tactilité» et le corps dans la sculpture. Ses oeuvres traduisent sa fascination pour le corps humain (son mémoire de Master portait sur la mort et la dissection dans l’art contemporain britannique), l’impossibilité de ce dernier à résister à plus de 100 ans et la crainte omniprésente quant à la mortalité dans notre société. Les images que Jessica utilise sont le fruit de curiosités vues et recueillies à travers son imaginaire. C’est en prenant l’habitude de regarder la collection de céramiques de sa mère et en imaginant abattre une tête par ci, un bras par là, et ce que cela donnerait si tout se mettait à saigner, qu’elle s’est mise à transformer des figu- rines en porcelaine de bergères ou de jeunes filles un brin kitsch, en les estropiant d’un oeil, d’un organe, devenant une petite armée de morts-vivantes gores. Une autre de ses séries les plus marquantes est la fabrication de mobilier miniature à partir de peaux mortes qu’elle a collectées et tannées comme du cuir.

L’exposition intitulée «FLASH» en référence au tattoo flash, est une réflexion autour du tatouage en tant que modification corporelle imprimant la peau humaine (recto et verso), à partir des écrits du philosophe Michel Serres parlant de la peau comme d’une tapisserie «nouée» à la fois devant et derrière. Dans sa nouvelle série de figurines en porcelaine transformées, intitulée «The Painted Ladies», la peau des jeunes filles est intégralement recouverte de tatouages traditionnels. A travers une autre série de céramiques, plus brutes cette fois-ci, Jessica travaille l’imagerie du tatouage en reprenant ses motifs les plus symboliques en 3 dimensions (le coeur, le crâne, la rose, etc).

+ infos :
http://www.jessicaharrison.co.uk/