20 December 2023

31 October 2023

Sport As Life: The Physical Struggle of Martin Kazanietz’s Newest Works in Paris
Galerie LJ, Paris // October 14, 2023 – November 25, 2023

During Paris art week, another really solid showing opened, as Galerie LJ kicked off Llenos de Todo (Full of Everything), the first solo show in France by Argentine painter Martin Kazanietz, also known by his pseudonym Gordo Pelota. Originally from Buenos Aires, Juxtapoz favorite Kazanietz lives and works in Patagonia. After studying graphic design, he first made a name for himself as a muralist and illustrator.

Read more on Juxtapoz.com

9 September 2023

갤러리 엘제이
GALERIE LJ

https://www.marieclairekorea.com/culture/2023/09/kiaf-highlight-5/

리티카 머천트
Rithika Merchant

파리 3구에 위치한 갤러리 엘제이는 올해 처음으로 키아프 서울에 참여한다. 뉴욕에서 활동하는 스페인계 미국 작가 루한 페레스(Lujan Perez)를 비롯해 국내에서 소개될 기회가 적었던 작가들의 신작을 전시한다. 그중에서도 하이라이트 섹션에 선정된 인도 아티스트 리티카 머천트(Rithika Merchant)의 작품을 주목할 만하다. 1986년 인도 뭄바이에서 태어난 리티카 머천트는 2008년 뉴욕 파슨스 디자인 스쿨에서 회화 전공으로 학사 학위를 받은 후 미국을 비롯해 프랑스, 인도, 스페인, 독일 등지에서 다수의 개인전을 개최했다. 2018년과 2020년에는 패션 브랜드 끌로에 협업하며 활동 범위를 넓히기도 했다. 현존하는 다양한 문화와 종교, 신화를 관통하는 공통점을 탐구하는 작가로 인류가 공유하는 상징체계와 자연의 모티프를 가져와 신비로운 이미지로 구성한다.

올해 키아프 서울에서 선보일 작품은? 이전 작품에서 구축해온 이야기를 잇는 일련의 회화다. ‘Birth of a New World’(2020)는 우리가 지구에 저지른 짓을 깨닫고 하늘, 물, 땅에서 해답을 찾는다. 또 다른 작품 ‘Return to Stardust’(2021)는 별에서 답을 찾는 좀 더 원초적인 시간을 응시한다. 지혜를 구하기 위해 과거를 들여다보는 ‘Festival of the Phoenix Sun’(2022)도 있다. 이어 최신작인 ‘Terraformation’(2022~2023) 시리즈에서는 마침 내 지구를 떠나 다른 곳에서 유토피아적 세상을 재건한다. 나는 새로운 세상이 어떤 모습일지, 그곳의 다양한 버전과 형태, 우리가 진화할 수도 있는 여러 생명체를 탐구한다.

당신의 작품은 특유의 색채와 패턴으로 강렬한 첫인상을 안긴다. 주로 종이에 구아슈, 수채 물감, 잉크로 작업한다. 위에 덧칠하거나 지울 수 없는 수채화는 더욱 공을 들여야 하기 때문에 특히 좋아한다. 수채화로만 얻을 수 있는 완성도가 있으며, 채도가 낮고 색이 바랜 듯 반투명한 점도 마음에 든다. 그림을 자세히 보면 접힌 부분이 있는데, 이것을 작품의 구조 혹은 발판으로 표현하고 싶다. 보통 그림을 그리기 전에 종이를 접어 특히 주의를 끌고 싶은 부분이나 색을 칠하고 싶은 부분을 표시해둔다. 일종의 가이드 역할인데, 대개 작품의 구성에 따라 종이를 접는다. 이로써 마치 퀼트 같은 질감을 낼 수 있다. 그림을 완성한 후에는 잡힌 주름을 따라 다시 접어 보관한다. 기하학적 모양으로 작게 접으면 그림이 하나의 오브제가 되기도 한다. 종이 자체가 내러티브의 일부가 되는 셈이다.

영감의 원천을 꼽는다면? 자연은 모든 작품과 세계를 연결하는 공통분모다. 자연에서 발견할 수 있는 구조, 유기적 형태, 그리고 이러한 구조가 우리 신체에서 찾을 수 있는 것과 닮았다는 사실은 커다란 영감을 준다. 시각적으로도 이러한 요소를 작품에 녹여내는 것을 좋아한다.

작품 속 여러 상징이 호기심을 자극한다. 문화적으로 특수한 상징보다는 눈, 태양, 달, 식물 이미지처럼 보편적으로 인식할 수 있는 상징에 끌리는 경향이 있다. 인물 또한 의도적으로 인종, 성별, 민족을 유추하기 어렵게 그린다. 관람객의 출신에 상관없이 내 작품에서 자신의 자리를 찾으면 좋겠다.

키아프 서울을 찾은 관람객이 당신의 작품에서 어떤 것을 발견하기를 바라는가? 작품에 자신을 이입하고, 새로운 세계로 이동하는 느낌을 받을 수 있기를 바란다.

31 August 2023

Kiaf 2023 하이라이트- 갤러리 LJ의 리티카 머션트

인도 뭄바이에서 1986년 태어난 리티카 머션트(Rithika Merchant). 그는 10년 이상 세계를 떠돌며 살았다. 뉴욕 파슨스스쿨에서 회화를 전공하고, 2008년 포르투갈, 그리스, 루마니아에서 여러 레지던시를 두루 거쳤다. 바르셀로나에 1년 이상 정착한 뒤 뭄바이로 돌아간 건 2022년. 현재 뭄바이와 벨기에를 오가며 활동하는 그의 그림엔 다양한 문화와 종교, 신화, 전통적인 서사들이 담긴다.

초현실적이고 초자연적인 현상들을 그려낸 것같은 작품 속엔 (마치 우주선에서 내려다 봤을 법한) 낯설지 않은 지구와 대자연의 모티프가 담긴다. 인간을 닮은 어떤 존재들이 바다와 하늘을 탐험하거나 혜성이 쏟아지는 공간을 유영하기도 한다.

“저는 우주를 하나로 보고 ‘홀로세’와 ‘인류세’ 이후 일어날 일에 대한 해답을 찾고 있습니다. 하늘을 집중적으로 탐구하죠. <새로운 세계의 탄생(2020)>에선 인간의 대리인인 어떤 존재들이 우리가 지구에 무슨 짓을 했는 지 깨닫고 하늘, 물, 땅을 헤맵니다. <별똥별로의 귀환(2021)>에선 별에서 답을 찾는 원초적인 시간을 다룹니다. <불사조 태양의 축제(2022)>에선 이 존재들이 해결책을 찾기 위해 과거를 들여다보고, 최근 작품인 <테라포메이션 시리즈(2022-2023)>에선 이들이 지구를 떠나 유토피아, 새로운 세상을 재건합니다.”

그는 보통 종이에 과슈, 수채, 잉크 작업을 한다. 수채는 덧칠하거나 되돌리기 어려워 오히려 작업을 하는 매 순간 집중하고 긴장해야 한다고. 작가는 수채가 갖는 반투명하고 빛바랜듯한 표현에 매력을 느낀다.
“저는 상징적 의미가 강한 것들, 스토리텔링의 요소가 있는 작업에 끌립니다. 문학적, 신화적, 시각적 요소를 기반으로 작은 디테일들에서 큰 감흥을 얻지요.”
머션트의 작품 안엔 17세기 보태니컬 드로잉이나 인도의 전통 문양 칼라마카리, 무갈회화, 칼리가트 민속 예술, 아르데코나 아르누보의 건축 요소와 지도의 이미지들이 혼재한다. 종이를 접어 그림을 그려넣어 마치 퀼트처럼 완성하거나 하나의 기하학적 오브제처럼 표현하기도 한다. 최근엔 콜라주 작품도 시작했다. 작품 속엔 독특한 문양과 화려함, 그만의 서사와 메시지가 담긴다. 2018년과 2020년에 그는 프랑스 패션 레이블 끌로에(Chloé)와 작업했고, 그가 참여한 컬렉션은 보그 인디아와 보그 월드는 물론 세계 각국의 예술재단 수상으로 이어졌다.

“눈, 태양, 달, 식물 이미지와 같이 문화적으로 특수하지 않고 보편적으로 인식할 수 있는 상징에 매력을 느낍니다. 이런 것들을 기반으로 저만의 기호와 어휘를 만들어내지요. 작품에 등장하는 인물 역시 의도적으로 인종, 성별, 민족을 배제합니다. 관객의 국적과 거주지 등에 상관없이 누구나 작품 속에 들어가 새로운 세계로 이동하는 느낌을 받길 바라기 때문입니다. 예술가로서 저는 세상을 만들어가고 있다고 생각합니다. 아이디어는 무한한 가능성과 창조의 길을 가지니까요. 앞으로 몰입도가 높은 대형 그림도 그릴 계획입니다.” 김보라 기자

13 May 2023

Read more

只為自己所畫！專訪藝術家潘慕文 Mu Pan：「就算我躺下了，這個宇宙還會繼續的延伸！」

作家 / Alec 報導

從小在台中眷村長大的藝術家潘慕文 Mu Pan，20 歲移民美國，目前生活在布魯克林，他以大型史詩畫而聞名，近期更與導演 Ari Aster 合作，在鄉謠恐怖片《仲夏魘》裡出現他的作品。目前正忙著要把導演 Darren Aronofsky 訂製作品完成的潘慕文，本次也接受我們的專訪，與我們談談他是如何看待自己的作品，以及對當代藝術的看法。

談到這次的當代藝術博覽會的展出，除了蠻開心許多民眾會在畫作前駐足下來外，也不排除之後會再次來台展出的可能性。對於創作，他從不打草稿，直接下筆，跟著想法與內心的感觸去遊走於畫布上。他也提到在創作時，差不多畫兩個禮拜後，會開始厭倦，所以要一直想辦法萌生出新鮮的東西，「我一開始會有一個主題，可我就是且畫且走，它如果要變的話，就讓它變，讓它自然生長，完全不要去控制。」

至於會開始創作生涯，他坦言從小就喜歡畫畫，加上被藝術家、畫家影響，因此畢業後就跌跌碰碰做一些工作，除了養活自己外，也是為了讓自己能有辦法投入到創作之中，「剛開始就打零工，做過很多雜工，還做過大藝術家的助手，就是為了要養我自己的東西，直到後來跟法國的畫廊 Galerie LJ合作以後， 加上我開始在大學教課，才完全變成全職創作。」這一路走來，雖然跌跌撞撞，但他深信每個人都有他心目中的理想，而壞事是替好事鋪路罷了。

過程中有沒有停下來、放棄的想法？潘慕文很直率地說：「每天！所以不能去想，你要跟賽馬一樣，就像是 Horse Blinders 讓馬只能直視前方，然後一直畫一直畫，不要去想那些事情。」為了維持創作泉源，他也看了很多書與畫冊，「要找到屬於自己喜歡的類型，知道要走什麼方向。像我對現代藝術完全沒興趣，我反而喜歡有故事的印度古畫、波斯古畫，還有西藏、東南亞，任何沒有被西方影響的事物。」此外，他也擅於把神話故事轉化到自己作品中，「還有我對某些人的不滿也會放在裡面，因為作品是我自己的延伸。」

如何看待藝術家這個身分？他反而自嘲說不認為自己是個藝術家，也不懂什麼叫藝術，「這麼多年下來，能做的，人家都已經做過了。我只相信有市場，像我最喜歡的畫家是 Henry Darger，他連什麼是藝術都不知道，到死了以後，人家才在他房間裡面找到一堆畫。他活在自己的世界裡面，他的東西就是他的延伸，完全出自他自己，他沒有畫給任何人看，也沒有想過賣，不是為了市場去做。對我來說，我完全不在乎主流，我也不需要人家來關注我是誰，也不需要去認識名流。」

從小被迫接受基督教的潘慕文，談起宗教這個話題時，他也不避諱的說現在已經沒有信仰宗教，只信仰大自然！不過他也提到自己會反覆讀《道德經》，「只是讓我去思考，而且我也讀過一些舊約聖經，你要知道裡面有智慧，不要被信仰左右。」

而這次在台北當代藝術博覽會的展出，是去年 10 月，他在 Hashimoto contemporary 紐約畫廊所展的新系列，是他創作的《Mu Universe》的第一章。在這個系列中，包含了他創造的生物，以及他是如何看待動物和人類之間的互動，「依賴以及互相不可缺少對方的關係。在故事裡，我把我過去所學，聽來的神話故事、歷史故事、生活中的觀察，以及宣洩我對我那從小被迫接受的宗教，所產生猶如叛逆少年般的反應。正因為這是一個只屬於我一個人的宇宙，我可以不用再去關心任何道德標準、任何事實或任何規則，我也不必關注人們如何看待我這個人，和我那些像嘔吐物般所謂的作品。」在這個匯集過去五十年人生經驗的系列裡，他可以一直創作下去，不用去設想下次要畫什麼，自然的讓宇宙延伸與膨脹。

而在台北當代所呈現的的是 milk03 之下衍生來的子系列，他們與主系列互相呼應。當然，為了這次特別的機緣，加上他也是台中眷村中滾大的小孩，因此，其中也多少加入了一點點台灣元素。「我不知道我會打算繼續在這個 Mu Universe 製作多少，我就和我之前所說的一樣，且畫且走，讓這整個宇宙伴著我一起走，走到我們雙雙躺下為止。但，就算我躺下了，這個宇宙還會繼續的延伸、擴張，沒有終點。」

訪談的最後，我們也想知道潘慕文是如何看待當代藝術？而他也很老實地說道，「就是給有錢人的產品，給你擠上名流的途徑，很多當代藝術都不是本人做的。像你看有多少人這樣走過去，但真正被一幅作品感動到，讓你想要做些什麼的作品，有多少呢？」

Photo：Alec

RELATED POSTS

28 April 2023

28 January 2023

Q1TUM Solo show de Léo Caillard

Galerie LJ
12 rue Commines 75003 Paris
Du 28 janvier au 25 février 2023
galerielj.com
Instagram : @galerielj

Dans la continuité de sa série « Wave Stone », qu’il développe depuis 2021, Léo Caillard présente à la galerie LJ un nouvel ensemble d’une dizaine de bustes inédits, sculptés dans des pierres d’exception (marbres Emperador gris-vert ou rosso de Sienne, onyx rose et blanc, …), un travail alliant technologie contemporaine et références classiques.

Léo Caillard (né en 1985) vit et travaille à Pantin (93). Diplômé de l’Ecole des Gobelins (2008), il poursuit des études d’histoire de l’art et pratique la photographie dans un premier temps, tout en s’intéressant à la 3D et aux nouveaux médias. Depuis ses débuts en 2009, sa pratique pluridisciplinaire évolue à l’intersection du réel et du numérique, du physique et du métaverse.

Passionné par les sciences et particulièrement la notion de temps, Caillard exprime à travers sa pratique artistique son questionnement sur le passé, les mythes et les épopées, qu’il considère comme des métaphores des grandes préoccupations de notre époque. Ses distorsions temporelles dans le marbre, en photographie ou en néons, ont vocation à interroger et éclairer notre compréhension des enjeux actuels.

Ses différentes séries d’oeuvres en marbre offrent une lecture du passé à la lumière du présent. Séduit par le veinage et la polychromie des marbres qu’il source dans toute l’Europe, il les contorsionne à l’aide de la modélisation 3D. Il tord, contracte, agite, bouleverse Aphrodite/Vénus, Hercule ou Jules César, les tirant de leur demi sommeil millénaire et figé.

Vouant un profond enthousiasme pour l’art numérique et de la blockchain, Léo Caillard fait évoluer son travail sous la forme de NFT, en éditions et en pièces uniques. Tel un pied de nez au sablier, il immortalise ses oeuvres sur le métaverse. L’idée de s’inscrire dans une temporalité, une histoire (celle de l’art), l’obsède autant qu’elle le passionne. Convaincu que la blockchain offre un marchepied à la révolution artistique du 21ème siècle, il explore le concept de la création d’une œuvre qui serait pérenne.

5 January 2023

Rithika Merchant’s monograph chronicles her creative journey and underlines how myths everywhere are born from the same human response to nature.

Rithika Merchant’s monograph commentates on the evolution of myths across the world

By Rajashree Balaram

3 January 2023

For fans of Rithika Merchant, her new monograph, The Eye, the Sky, the Altar, can be as precious a collectible as any of her works.

An object of beauty, it spotlights her immersion in comparative mythology, from tentative beginnings to a gradual deep dive that has enabled her to discern parallels in lands far removed from each other. “The history of myth and traditions shows links between cultures that often aren’t highlighted in classical history,” says Merchant.

At a time when lands everywhere are riven by fresh battle lines, Merchant’s throwback is a reminder that for all the migration that shaped our different racial identities across the timeline of human evolution we continue to have more in common.

Also read: Dayanita Singh’s latest book revisits her photographs from the 1980s

ADVERTISEMENT

https://d8b8a820731f7a5e790b183d401ebb94.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-40/html/container.html

“I would like the viewer to place themselves in my work, regardless of where they are from,” says Merchant. “The figures in my works are also deliberately free of any race, gender, or ethnicity. I tend to be drawn to symbols that are universally recognizable and not culturally specific—like the eye, the sun, the moon, and botanical imagery in general.” Amid the riveting pages that pronounce the delicate beauty of gouache and ink, there is also a casual conversation with her writer friend Fariha Róisín. Interestingly, while the book mostly covers the past five years of her work, the artist has chosen themes—not chronology—to drive the narrative; there’s a section devoted to collages, another for altars and talismans, and so on).

One of the distinguishing features of Merchant’s works is the way she folds her artworks. “I like to refer to the folds as the architecture of the artwork, or the scaffolding that I build each piece on,” says Merchant. “After I finish each painting, I fold it back up along the same creases to store it. Often, I am able to fold it into a smaller geometric shape, and the painting turns into an object. In this way, the paper itself is part of the narrative.” Merchant is as deeply attuned to the voice of the medium as to that of her materials. Her monograph is all the richer for it.

15 December 2022

23 November 2022

So Far So Good: Vivid Paintings by Murmure Take a Wry Perspective on the Climate Crisis

NOVEMBER 22, 2022, by KATE MOTHES

“Faille (Crack)” (2022), acrylic on canvas. All images © Murmure, shared with permission courtesy of Galerie LJ

Artists Paul Ressencourt and Simon Roche, a.k.a. Murmure (previously), have worked collaboratively for the past twelve years to synthesize a studio-based practice with large-scale street art. In high-contrast acrylic paintings, the duo reference the climate crisis and enduring problems of overconsumption, especially regarding the immense impact that humans have on marine life and rising sea levels. The artists’ new exhibition Jusqu’ici tout va bien, which translates to “So far so good,” approaches environmental catastrophes like thawing glaciers and overfishing from a characteristically sardonic perspective.

Ressencourt and Roche focus on the absurdity of capitalist systems in the face of destruction. Paradoxes abound as surveyors plot developments on a melting ice sheet, supine whales are served up as giant sushi rolls, and oblivious holiday-makers dive from icebergs and wade around shorelines devoid of flora and fauna. “In spite of everything, Murmure favors in their art a form of beauty which contrasts with the cruelty, the stupidity, and the urgency of the situations depicted in their works,” the exhibition statement explains.

Jusqu’ici tout va bien is on view at Galerie LJ in Paris through November 26. You can find more of Murmure’s work on their website and Instagram.

“Whale Sushi” (2022), acrylic on canvas

“Jusqu’ici tout va bien (Banquise)” or “So far so good (Ice)” (2022), acrylic on canvas

“Joyau” (2022)

Detail of “Joyau (Jewel)” (2022), acrylic on canvas

“Whale Maki” (2022), acrylic on canvas

“Marquages (Markings)” (2022), acrylic on canvas

Left: Detail of “Whale Sushi.” Right: Detail of “Joyau”

Detail of “Faille”

Detail of “Joyau”

Detail of “Jusqu’ici tout va bien (Grande Banquise)”