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[FR]
La galerie présente la nouvelle exposition personnelle de sculptures et dessins inédits de Quentin Garel, inspirés des animaux de la forêt. Il s’agit de sa première exposition dans le nouvel espace de la galerie dans le 13e arrondissement.
C’est à l’occasion d’une commande publique qui sera livrée cet automne à la ville de  Thonon-les-Bains par Mutabilis Paysage & Urbanisme, que Quentin Garel a commencé à explorer la thématique des animaux de montagne. Cerf, bouquetin, marmotte, lièvre, viennent enfin compléter son bestiaire, dans sa pratique largement inspirée des trophés de chasse. A Thonon, ils seront mis en scène dans une grande fontaine murale. A Paris, nous exposons les sculptures originales en bois et premières éditions en bronze.
Outre cette nouvelle série de sculptures murales, Quentin Garel propose également à Paris une série inédite de dessins au fusain. Sculpteur de talent, il excelle également sur papier : ses grands palimpsestes sont pensés comme  des études préparatoires qui lui permettent de projeter l’échelle de ses futures sculptures.
Garel présente enfin dans cette nouvelle exposition parisienne le résultat de ses récentes recherches sur la figure humaine, qu’il a commencée à traiter sous la forme d’une tête d’homme et d’une tête d’enfant, clin d’oeil aux étonnantes sculptures grimaçantes de Franz Xaver Messerschmidt (XVIIIe siècle).  

[ENG]
Galerie LJ presents Quentin Garel’s new solo exhibition of new sculptures and drawings, inspired by forest animals. This is his first exhibition in the gallery’s new space in the 13th district of Paris.
Quentin Garel began exploring the theme of mountain animals as part of a public commission that will be delivered this fall to the city of Thonon-les-Bains by Mutabilis Paysage & Urbanisme. Deer, ibex, marmots, and hares now complete his bestiary, a practice largely inspired by hunting trophies. In Thonon, they will be featured in a large wall fountain. In Paris, we showcase the original wood sculptures and the first bronze editions.
In addition to this new series of wall sculptures, Quentin Garel also presents a new series of charcoal drawings in Paris. A talented sculptor, he is equally skilled on paper: his large “palimpsests” are conceived as preparatory studies, allowing him to project the scale of his future sculptures.
Finally, in this new Paris exhibition, Garel reveals the results of his recent research on the human figure, which he began depicting through a man’s head and a child’s head, a nod to the remarkable grimacing sculptures of Franz Xaver Messerschmidt (18th century).

For its participation to the 10th edition of Asia Now in Paris, Galerie LJ showcases new works by Rithika Merchant and Rusudan Khizanishvili.

From October 17 to 20, 2024.
Opening hours:
Preview Thursday, October 17, by invitation
Friday to Sunday, from 11am to 8pm
@Monnaie de Paris
11 Quai de Conti, 75006 Paris

+ infos : asianowparis.com

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[FR]
La galerie est très heureuse d’inaugurer son nouvel espace dans le 13e arrondissement de Paris, avec une nouvelle exposition personnelle de Caledonia “Swoon” Curry, du 6 septembre au 5 octobre 2024.
“In the Land of the Sibylants” présentera une introduction à la nouvelle pratique créative de Swoon, qui consiste en un récit fantastique mêlant autobiographie et fiction, stop motion, scénographie et installation immersive, marionnettes à échelle humaine et acteurs réels. L’exposition dévoilera le monde des sœurs Sibylants, Caelum et Elly, et leur histoire.

[ENG]
Galerie LJ is delighted to inaugurate its new premises in the 13th district of Paris, with a new solo exhibition by Caledonia “Swoon” Curry, from September 6 to October 5, 2024.
“In the Land of the Sibylants” will present an introduction to Swoon’s newly expanded creative practice, consisting of an expansive fantastical narrative which mixes autobiography and fiction, stop motion, set design & immersive installation, human scale puppets and real actors. The exhibition will unveil the world of the Sibylants sisters, Caelum and Elly and their story.

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For its first participation to Art Athina in Athens, Greece, Galerie LJ showcases a selection of works on wood by Spanish-American artist Luján Pérez and works on paper by American artist Allyson Mellberg.

From September 19 to 23, 2024
Opening hours: 12:00 – 21:00 everyday
@Zappeion Mansion
Leof. Vasilissis Olgas, Athina 105 57, Greece

+ infos : artathina.com

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[FR]
La galerie présente une exposition mettant en dialogue les univers artistiques distincts mais complémentaires des peintures de Julien Primard et des sculptures en marbre Léo Caillard.
Julien Primard (né en 1986), est designer de formation et peintre autodidacte, basé à Toulon. Ses peintures à l’huile capturent la beauté et la brutalité des espaces urbains abandonnés, tout en proposant une plongée introspective dans les questionnements existentiels de l’artiste autour de la visibilité et l’anonymat.
Diplômé de l’École des Gobelins en 2008 et basé à Paris, Léo Caillard (né en 1985) explore les distorsions temporelles à travers des œuvres qui défient les limites physiques et esthétiques de la sculpture, interrogeant notre perception du présent à la lumière du passé. En dialogue avec les peintures de Julien Primard, les sculptures en marbre de Léo Caillard nous transportent dans un univers où le temps et l’espace se mêlent dans une harmonie surréaliste.
En réunissant ces deux artistes émergents de la scène artistique française, la galerie propose une expérience contemplative où le regardeur est invité à voyager à travers les paysages intérieurs et extérieurs de l’âme humaine.

[ENG]
Galerie LJ presents a 2-person show that brings together the distinct yet complementary artistic worlds of Julien Primard’s paintings and Léo Caillard’s marble sculptures.
Julien Primard (b. 1986) is a designer and a self-taught painter based in Toulon. His oil paintings capture the beauty and brutality of abandoned urban spaces while offering an introspective journey into the artist’s existential reflections on visibility and anonymity.
A graduate of the École des Gobelins in 2008 and based in Paris, Léo Caillard (b. 1985) explores temporal distortions through works that push the physical and aesthetic boundaries of sculpture, questioning our perception of the present in light of the past. In dialogue with Julien Primard’s paintings, Léo Caillard’s marble sculptures transport the viewers to a universe where time and space merge in surreal harmony.
Bringing together these two emerging artists from the French art scene, Galerie LJ offers a contemplative experience where the viewer is invited to journey through the inner and outer landscapes of the human soul.

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[FR]
Alors que la nouvelle année chinoise débute ce 10 février sous le signe du Dragon de Bois, Mu Pan célèbre cette transition (et son propre signe astrologique) avec une nouvelle série de dessins à l’encre sur papier dans “Enter The Dragon” (en référence évidente à son acteur favori), en explorant les nuances et les significations associées à cet emblème de la culture chinoise.
Mu Pan est né à Taïwan en 1976 dans une famille originaire de Chine continentale. Il émigre à New York avec ses parents en 1997 lorsqu’il a 21 ans et étudie à la School of Visual Arts de New York où il obtient en 2007 un MFA avec félicitations. Mu Pan, c’est la rencontre entre Jérôme Bosch, Kuniyoshi et Marvel Comics, avec ses peintures épiques et narratives, imprégnées de références culturelles et historiques au Japon et à la Chine, et de pop culture américaine.
Le dragon, figure mythique chargée de symbolisme, incarne à la fois la puissance, la sagesse et la bonne fortune dans la tradition chinoise. Mu Pan donne vie à cette créature légendaire, capturant son essence tour à tour bienveillante et redoutable. Chacun de ses dessins semble révéler une histoire ancienne, une légende oubliée, nous rappelant la richesse et la profondeur de la culture chinoise. Les dessins de Mu Pan transcendent les frontières géographiques et temporelles, offrant un voyage intemporel à travers les mythes et les croyances qui ont façonné l’imaginaire collectif depuis des siècles. Ses œuvres ne sont pas seulement des dessins sur papier, mais des portails vers un univers riche de significations et d’histoires.

[ENG]
As the Chinese New Year begins on February 10th under the sign of the Wood Dragon, Mu Pan celebrates this transition (and his own astrological sign) with a new series of drawings in ink on paper in “Enter The Dragon” (clearly referencing his favorite actor), exploring the nuances and meanings associated with this emblem of Chinese culture.

Mu Pan was born in Taiwan in 1976 to a family originally from mainland China. He emigrated to New York with his parents in 1997 when he was 21, and studied at the School of Visual Arts in New York, graduating in 2007 with an MFA with honors. Halfway between Hieronymus Bosch, Kuniyoshi and Marvel Comics, stands Mu Pan, with his epic, narrative paintings steeped in cultural and historical references to Japan and China, and American pop culture.
The dragon, a mythical figure steeped in symbolism, embodies power, wisdom, and good fortune in Chinese tradition. Mu Pan brings this legendary creature to life, capturing its essence as both benevolent and formidable.
Each of his drawings seems to unveil an ancient tale, a forgotten legend, reminding us of the richness and depth of Chinese culture. Mu Pan’s drawings transcend geographical and temporal boundaries, offering a timeless journey through the myths and beliefs that have shaped collective imagination for centuries. His works are not just drawings on paper, but gateways to a universe rich in meanings and stories.

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[FR]
La galerie consacre sa première exposition de l’année 2024 à quatre artistes émergents français aux pratiques variées : Agathe Brahami Ferron (née en 1992, travaille à Antony), Valentin Halie-Cadol (né en 1989, travaille à Pantin), Nathan Harbonn (né en 1996, travaille à Pantin) et Margaux Henry-Thieullent (née en 1988, travaille à Biarritz). Chacun d’eux explore à sa manière l’idée de la mémoire, du numérique, ou bien de la maternité et de l’estime de soi.

Agathe Brahami Ferron est diplômée des Beaux Arts de Paris depuis 2016. La céramique est au coeur de sa pratique artistique : elle s’est notamment faite connaître pour ses personnages émaillés grandeur nature. Elle remporte en 2018 le premier prix de la 12e Biennale de la Jeune Création de la Graineterie, centre d’art de la ville de Houilles (78), qui lui offre l’opportunité de présenter un solo show en ses murs (Woolloomooloo Bay), en 2019. Plus récemment, on a pu voir son travail à la Biennale de Paname 2023, à Saint-Ouen. Ses céramiques – personnages de plain-pied, bustes, totems, joignent la poésie à l’absurde, et explorent la tension entre socialisation et individualisation, ce processus de différenciation indispensable à la construction d’un regard extérieur et éventuellement critique. Agathe Brahami Ferron puise son inspiration esthétique dans le travail de Martin Parr, Ulrich Seidl, Yann Lagarde… Très attachée à la dimension technique et à la mise en valeur de l’art de la céramique, elle s’appuie également sur les travaux de Roland Barthes, Eva Illouz ou Jean Didier Urbain, pour documenter sa pratique. Elle dénonce, non sans humour, une société de consommation qui glorifie l’importance accordée à soi-même, le culte du bien-être personnel et la valorisation du concept d’esprit sain dans un corps sain.

Valentin Halie-Cadol est diplômé des Beaux Arts de Paris depuis 2017, et est installé aux ateliers de la Tour Orion à Pantin. De septembre à novembre 2020, il a effectué une résidence au Musée Bernard Boesh au Pouliguen (44), où il a produit un corpus de peintures sur toile, papier et sur logiciel 3D, autour de la notion d’espace virtuel. Il développe depuis 2019 une série de petites huiles sur bois inspirées de l’imaginaire des jeux vidéo et de l’esthétique de la 3D. Elles sont enchâssées dans des cadres de béton ou de plâtre qui les transforment presque en sculpture. Les paysages ou les éléments d’architecture que Valentin Halie-Cadol représente sont étonnants : on ignore si l’on se trouve en face de rivières, de ciels, de rochers, de constructions, en intérieur ou en extérieur, ou tout à la fois. Les volumes y sont réduits au minimum, les paysages évanescents. Les couleurs dans ses œuvres sont réduites et simplifiées et rappellent le minimalisme du monde virtuel, qui l’inspire tant. Formes simples et couleurs naïves représentent pour lui l’utopie et la défense de l’imaginaire face à la productivité. Sa plus récente série est dédiée au chien, animal pour lequel il s’est pris de passion, reflétant également l’absurde.

Nathan Harbonn est diplômé depuis 2019 des Gobelins en animation 3D. La même année il reçoit le 1er prix du jury professionnel du concours ARTE de courts métrages d’animation étudiants, au côté d’autres membres de son équipe, pour le film Déjeuner sur l’herbe (7min30). Il développe en parallèle une pratique de peinture, dans laquelle il questionne l’abondance de matière recyclable trop souvent délaissée en utilisant exclusivement des peintures de récupération. Se faisant d’abord remarquer pour ses portraits, il cherche à témoigner d’une époque en capturant ceux qui l’entourent. Au travers de poses improvisées, dans un état de relâchement et dans l’intimité, il veut dépeindre une expression face au monde contemporain, sans artifice et dans le vif. Les compositions improvisées selon les formats des toiles sont un moyen supplémentaire de donner à chacun une façon unique d’habiter l’espace. Sa plus récente série de peintures est une étude de sa compagne pendant leurs vacances d’été, qui illustre sa volonté de figer des moments et capturer l’expression humaine dans sa spontanéité.

Margaux Henry-Thieullent (née en 1988) est diplômée en architecture depuis 2019 de l’Ecole Paris Malaquais et a fondé son atelier-galerie Encooore à Biarritz, où elle vit et travaille. Elle se fait connaître dès 2019 en exposant son travail graphique sur le salon DDESSIN à Paris, et au Festival Vrrraiment à Toulon. Sa première exposition personnelle aura lieu en 2022 à la Cité des Arts de Bayonne. On a également aperçu son travail cette année à la Biennale de Paname 2023. Dialoguant entre vidéos, peinture, dessin numérique et installation, elle questionne la construction de notre mémoire collective en proposant une lecture de la société contemporaine sous forme de strates thématiques. La maternité, dont elle fait l’expérience personnelle, est au cœur de ses préoccupations actuelles : Margaux Henry-Thieullent cherche à confronter notre vision féminine face à la violence des injonctions, des paradoxes qui traversent les corps au quotidien, en particulier le corps de la mère durant cette période de transition physique et physiologique.  Elle questionne également avec sarcasme la fragilité de certaines libertés et droits fondamentaux dont la légitimité est constamment remise en question : le droit à l’avortement, la symbolique des menstruations, ou les discriminations systémiques autour de la notion de genre. Elle imagine alors de nouveaux récits témoignant de l’assimilation d’informations multiples à la fois sociétales, politiques, scientifiques et même biographiques.

[ENG]
Galerie LJ dedicates its first exhibition of the year 2024 to four French emerging artists with varied practices : Agathe Brahami-Ferron (b. 1992), Valentin Halie-Cadol (b. 1989), Nathan Harbonn (b. 1996) and Margaux Henry-Thieullent (b. 1988).

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[FR]
Pour conclure l’année 2023, la galerie propose une exposition explorant l’engouement des artistes pour le règne végétal, une source majeure d’inspiration récemment mise à l’honneur dans plusieurs événements en France (“Flower Power” à Giverny, Journées des Plantes de Chantilly parrainées par Jean-Michel Othoniel, “Quand fleurir est un art” au domaine de Chaumont-sur-Loire…). On découvrira à la Galerie LJ les peintures d’Hilary Doyle et les oeuvres murales hybrides de Luján Pérez, à la frontière entre la sculpture, gravure et peinture. Toutes deux utilisent les plantes et la flore comme sujets de fond ou de forme dans leur travail.
Hilary Doyle (née en 1985) est diplômé de la Rhodes Island School of Design (RISD) depuis 2012, et vit dans le Massachussets (USA). Prenant pour point de départ dans sa pratique artistique actuelle les écrits de Merlin Stone (When God Was a Woman, 1978), compilant nombres d’exemples d’art ancien convergeant tous vers une époque où les femmes n’étaient pas seulement égales aux hommes, mais aussi des membres respectés de la société, célébrées et vénérées, Doyle entend rétablir l’honneur des figures mythologiques et des déesses bafouées, diabolisées, ou reléguées au second plan dans l’histoire de l’art. Dans ses peintures elle met à profit le langage des fleurs pour proposer une réévaluation de la représentation de la Femme, par le prisme de la mythologie et d’un discours féministe engagé, partant du principe que l’histoire de l’art a été écrite par les hommes et en offrent donc une vision qu’elle juge aujourd’hui patriarcale.
La nature omniprésente dans le quotidien d’Hilary Doyle trouve un écho ambivalent dans ses peintures: cette végétation autant protectrice qu’étouffante renferme symboles et sens caché dans ses images, qui paraissent à première vue tendres et naïves, où la figure maternelle est omniprésente.  A y regarder de plus près, les feuillages dessinent des profils féminins, esquissent des visages. La passiflore, à la composition complexe, fréquemment représentée dans ses peintures récentes, qui est symbole de passion autant que de souffrance ou les lianes qui retiennent de tomber en avant tout autant qu’elles transforment la nature luxuriante en prison, traduisent ainsi une forme d’angoisse dans les peintures d’Hilary Doyle.

Luján Pérez (née à Madrid en 1991) vit et travaille dans l’état de New York (USA) : son atelier, installé dans une grange, y côtoie son immense jardin potager. Elle est diplômée d’un Master en Fine Arts de la New York Academy of Art depuis 2020. Ses oeuvres sont tout à la fois des sculptures murales, des peintures gravées, des gravures sculptées. Tout en explorant la relation entre la terre et l’esprit, Luján Pérez s’intéresse plus particulièrement dans sa pratique actuelle à la représentation du couple telle qu’elle l’est dans la peinture, le cinéma, la photographie, l’art ancien. Forte d’une vaste connaissance des remèdes à base de plantes, elle détourne leur fonction utilitaire pour proposer une seconde lecture de son travail, tel un cadre dans le cadre. Témoignant de sa capacité à examiner et à donner une nouvelle signification aux symboles de la nature, elle associe une plante ou une fleur spécifiquement choisie pour son pouvoir métaphorique, avec chaque image reproduite dans ses oeuvres. Comme dans la peinture ancienne, les fleurs dans les oeuvres de Luján Pérez apportent un éclairage sur la signification de ses images. L’ortie urticante, le ginseng aphrodisiaque, le datura halucinogène, la fleur de kanna psychotrope, ou encore le pouvoir guérisseur de l’érable et du saule, sont autant de symboles employés pour exprimer son point de vue sur la politique, son empathie pour un proche, l’ironie d’une situation, etc.
Les spéculations sur l’amour, la vie et la mort sont des interrogations récurrentes dans le travail de Luján Pérez. Qu’il s’agisse de représentations nostalgiques de la mémoire et de l’inconscient, ou de la création de plantes fictives rappelant autant leur potentiel pouvoir de guérison que leur capacité à tuer, le charme de ses oeuvres réside dans leur capacité à digérer et à révéler ces récits et ces histoires de manière égale.

Au-delà de l’aspect esthétique et poétique, cette exposition a pour vocation de mettre en lumière les messages que les artistes communiquent à travers l’utilisation du motif floral. 

[ENG]
To round off the year 2023, Galerie LJ presents an exhibition exploring artists’ enthusiasm for the plant kingdom, a major source of inspiration recently highlighted in several events in France (“Flower Power” in Giverny, Journées des Plantes in Chantilly hosted by Jean-Michel Othoniel, “When Blooming is an Art” at Chaumont-sur-Loire…). Galerie LJ will showcase new paintings by Hilary Doyle and new mixed-media mural works by Luján Pérez that blur the boundaries between sculpture, engraving, and painting. Both artists use plants and flora as subject matters or as symbols in their work.

Hilary Doyle (born in 1985) graduated from the Rhode Island School of Design (RISD) in 2012 and currently resides in Massachusetts, USA. Drawing from the writings of Merlin Stone (When God Was a Woman, 1978) as a starting point in her current artistic practice, which compiles numerous examples of ancient art converging towards a time when women were not only equal to men but also respected members of society, celebrated, and revered, Doyle aims to restore the honor of mythological figures and mistreated, demonized, or sidelined goddesses in art history. In her paintings, she leverages the language of flowers to propose a reevaluation of the representation of Woman through the prism of mythology and feminism, believing that art history has been written by men and thus offers a patriarchal view that she now challenges.
The nature that permeates Hilary Doyle’s daily life finds an ambivalent echo in her paintings: this vegetation, both protective and suffocating, contains symbols and hidden meanings in her images, which may initially appear tender and naive, where the maternal figure is omnipresent. Upon closer examination, the foliage outlines female profiles, sketching faces. The passiflora and its complex composition, frequently depicted in her recent paintings, symbolizes passion as much as suffering, or the vines that prevent falling forward as much as they transform lush nature into a prison, convey a sense of anxiety in Hilary Doyle’s paintings.
Luján Pérez (born in Madrid in 1991) lives and works in the state of New York, USA. Her studio, located in a barn, is surrounded by an extensive vegetable garden, which is no insignificant detail. She holds a Master’s degree in Fine Arts from the New York Academy of Art since 2020. Her works are simultaneously wall sculptures, engraved paintings, and sculpted engravings. While exploring the relationship between earth and spirit, Luján Pérez has been particularly interested over the past few years by the representation of couples, as the epitome of love and hate, through painting, cinema, photography, and ancient art. With a broad knowledge of herbal remedies, she repurposes their utilitarian function to offer a second reading of her work, like a frame within the frame. Demonstrating her ability to examine and give new meaning to nature’s symbols, she associates a specific plant or flower chosen for its metaphorical power with each image represented in her works. Like in ancient painting, the flowers in Luján Pérez’s works shed light on the meaning of her images. The stinging poison ivy, aphrodisiac ginseng, hallucinogenic datura, psychotropic kanna flower, or the healing power of maple and willow, are symbols used to express her viewpoint on politics, her empathy for a loved one, the irony of a situation, etc.
Speculations about love, life, and death are recurring themes in Luján Pérez’s work. Whether it’s nostalgic representations of memory and the unconscious, or the creation of fictional plants that recall their potential for healing as much as their ability to kill, the charm of her works lies in their ability to digest and reveal these narratives and stories equally.

Beyond the aesthetic and poetic aspect, this exhibition aims to highlight the messages that artists communicate through using the power of flowers.

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[FR]
La galerie présente “Llenos de Todo” (“Pleins de tout”), la première exposition personnelle en France du peintre argentin Martin Kazanietz, également connu sous le pseudonyme Gordo Pelota. Originaire de Buenos Aires, Kazanietz (né en 1985) vit et travaille en Patagonie. Après avoir étudié le design graphique, il s’est d’abord fait connaître avec une carrière de muraliste et d’illustrateur.
Martin Kazanietz consacre depuis plusieurs années sa pratique à la culture du fútbol amateur. Tels des personnages de Botero en version outsiders, venant de la rue, ses personnages ne sont pas les stars ou les légendes emblématiques du terrain. Au-delà du footbal, les peintures de Kazanietz proposent un miroir de la culture populaire typique d’Amérique latine, et une réflexion plus large sur les liens entre société, politique, économie, genres et sport.

Sa plus récente série de peintures, qu’il présente à Paris cet automne, a comme point de départ la dernière Coupe du Monde de football, gagnée par l’Argentine (2022). La population en liesse a rassemblé pas moins de 5 millions de personnes dans les rues de Buenos Aires – la plus massive célébration populaire à ce jour dans l’histoire du pays. Alors que les foules se rassemblent principalement pour des manifestations ou, du moins, pour des raisons politiques et pour protester, Kazanietz s’interroge sur la volonté de célébrer l’unité d’un peuple : est-elle alimentée par la colère que nous ressentons en manifestant contre l’injustice? Quel parallèle peut-on dresser entre ces images de célébration et les manifestations de protestation? En prenant pour acquis que l’Argentine est l’une des économies les plus instables de la planète, Kazanietz se demande comment créer une identité alors que les argentins vivent dans une crise quotidienne. Le peuple argentin aurait-il été aussi fier s’il avait été une économie dominante au niveau mondial ?
Ses images ont ainsi vocation à ouvrir une conversation sur le rôle du football dans les identités sud-américaines, et notamment son rôle social, dans une économie marginalisée, et comment il reproduit l’injustice des inégalités nord-sud. L’approche quasi religieuse dans la façon de célébrer le football et dans la pratique de ce sport, peut également rendre perplexe. Les peintures de Martin Kazanietz proposent une réflexion sur la façon dont nous créons nos héros et nos icônes.

Presse : Juxtapoz, “Sport as life: the physical struggle of Martin Kazanietz’s newest works in Paris“, 26 octobre 2023

[ENG]
Galerie LJ presents “Llenos de Todo” (“Full of Everything”), the first solo show in France by Argentine painter Martin Kazanietz, also known by his pseudonym Gordo Pelota. Originally from Buenos Aires, Kazanietz (b. 1985) lives and works in Patagonia. After studying graphic design, he first made a name for himself as a muralist and illustrator.
Martin Kazanietz has been dedicating for the past several years his practice to the culture of amateur fútbol. Like an outsider version of Botero’s characters from the streets, his figures are not the emblematic stars or legends of the field. Beyond soccer, Kazanietz’s paintings offer a mirror to the popular culture typical of Latin America, and offer a broader reflection on the links between society, politics, economics, gender and sport.

His most recent series of paintings, which he is presenting in Paris this Fall, takes as its starting point the last soccer World Cup, won by Argentina (2022). The jubilant populace brought no fewer than 5 million people to the streets of Buenos Aires – the most massive popular celebration to date in the country’s history. While crowds gather mainly for demonstrations, or at least for political reasons and to protest, Kazanietz wonders about the desire to celebrate the unity of a people: is it fueled by the anger we feel when demonstrating against injustice? What parallels can be drawn between these celebratory images and the protest demonstrations? Taking for granted that Argentina is one of the most unstable economies on the planet, Kazanietz asks how to create an identity while Argentinians live in daily crisis. Would the Argentine people have been so proud if it had been a globally dominant economy?
His images are intended to open up a conversation about the role of soccer in South American identities, and in particular its social role in a marginalized economy, and how it reproduces the injustice of North-South inequalities. The quasi-religious approach to the celebration and practice of soccer is also perplexing. Martin Kazanietz’s paintings reflect on how we create our heroes and icons.

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[FR]
La galerie est heureuse de présenter ‘Pour Toujours’, la première exposition personnelle en France de la peintre suédoise Heidi Ukkonen, dont nous avions précédemment présenté le travail dans les expositions collectives ‘The Ballroom’ (2022) et ‘Hotter Than July’ (2021). Heidi Ukkonen (née en 1980) vit à Anvers depuis une quinzaine d’années. Elle y a obtenu en 2015 un Master of Fine Arts en peinture, à la Royal Academy of Fine Art.
Ses peintures figurent des représentations déformées, de façon ludique, de la vie sociale contemporaine. En puisant son inspiration et ses références dans l’oeuvre de Philip Guston, David Hockney, Matisse, Bosch, Ingres, ou bien dans son expérience personnelle passée et présente, elle amène son public dans un monde où l’habituel devient inhabituel, où le laid devient beau, où la douleur devient humour. La combinaison de différents médiums (acrylique, aérosol, tempera, pastel) associés à une multiplicité de couleurs et de textures, contribuent à la forte identité graphique de ses peintures, les rendant vivantes, tel un collage peint. 

La vie quotidienne est une source d’inspiration inépuisable pour Heidi Ukkonen. Elle peint la tristesse, la douleur, la solitude et la monotonie avec des couleurs intenses, des dessins dynamiques et des détails qui font sourire. Telle une conteuse, elle traite de la nature humaine sans pour autant renoncer à la joie et à l’optimisme. L’ennui, nos petites manies, le désir de s’accrocher à quelque chose – peut-être quelqu’un, peut-être la vie elle-même, sont tous exprimés sur un ton léger… en apparence.
‘Pour Toujours’ est une ode à l’amitié au féminin, à la sororité et aux liens indéfectibles qui unissent les amies de toujours. Puisant dans les souvenirs de l’ado des années 90 qu’elle a été, ayant grandi dans une petite ville suédoise avec la frustration toute provinciale de ne pouvoir accéder aux derniers accessoires à la mode, Heidi Ukkonen met en images dans cette nouvelle série de peintures les serments d’amitié à la vie à la mort, les conversations sans fin, les obsessions vestimentaires, les sorties en boîte, les premières cigarettes et celles qui suivront; tout ce que l’on partage avec cette meilleure amie et qui vous lie à elle pour toujours, depuis l’adolescence jusqu’à aujourd’hui, où (presque) rien n’a changé entre vous et elle. C’est cette amie que vous revoyez comme si c’était hier, alors que vous ne l’aviez pas vue depuis quelques mois ou années.
Loin des clichés figurant les femmes en concurrentes dans un univers féminin qui serait soi-disant toxique, Heidi Ukkonen rend hommage, avec nostalgie et bienveillance, à la force de l’amitié indestructible et à la solidarité. “Girls just wanna have fun”… pour toujours, ensemble. 

[ENG]
We are pleased to present “Pour Toujours”, the first solo exhibition in France by Swedish painter based in Antwerp, Heidi Ukkonen, who had previously collaborated with us for the group shows “The Ballroom” (2022) and “Hotter Than July” (2021).
Heidi Ukkonen (b. 1980) has been living in Antwerp for the past fifteen years. She graduated from the Royal Academy of Fine Art there in 2015 with a Master of Fine Arts in painting. Her paintings represent playfully deformed animations within the life of modern society. Drawing knowledge and inspiration of the works of Philip Guston, David Hockney, Matisse, Bosch, Ingres, or from her own experience, past and present, she aims to bring her audience into a world where the usual becomes unusual , where the ugly becomes beautiful and where pain becomes humour. The combination of different mediums (acrylic, aerosol, tempera) associated with a multiplicity of colors and textures, contribute to the strong graphic identity of her paintings, making them alive, like a painted collage.
Daily life is an inexhaustible source of inspiration for Heidi Ukkonen. She paints the sadness, pain, loneliness and monotony of daily life with rich colors, dynamic drawings and details that put a smile on your face. She is a storyteller who deals with human nature, without compromising on joy and optimism. Boredom, our unique quirks, the desire to hold on to something (perhaps someone, perhaps life itself) are all expressed in a light-hearted tone… seemingly.

‘Pour Toujours’ is an ode to female friendship, sisterhood and the unbreakable bonds that bind lifelong friends. Drawing on the memories of the 90’s teenager she used to be, growing up in a small Swedish town with the provincial frustration of not being able to access the latest fashionable accessories, Heidi Ukkonen puts into images in this new series of paintings, the friendship oaths, the endless conversations, the clothing obsessions, the clubbing, the first and subsequent cigarettes; everything you share with that best friend that binds you to her forever, from teenage until today, and (almost) nothing has changed between you and her. She’s this friend you see again as if it were yesterday, even though you hadn’t seen her for a few months or years.
Far from the clichés that portray women as competitors in a supposedly toxic feminine universe, Heidi Ukkonen pays tribute, with nostalgia and kindness, to the strength of indestructible friendship and solidarity. “Girls just wanna have fun”… forever, together.